En el diáfano y agradable espacio de la Galería BAT asistimos a una exposición doble de gran calidad. Helena Segura-Torrella y Leticia Felgueroso son dos fotógrafas ya consolidadas, y, como muestran en “2 fotógrafas, 2 visiones”, con un imaginario cercano.

Leticia, que empezó su andadura profesional como ayudante de Ouka Leele en los ochenta, nos lleva a un mundo onírico a través de sus esferas. Y Helena, que en 2001 presentó su primera exposición individual en República Dominicana, nos lleva por un viaje al otro lado del espejo, apoyándose en el mundo de la infancia.

En definitiva dos mundos que se cruzan, que juegan y que ocultan, para atrapar al espectador en una quimera que se colará en los sueños.

Lugar: Galería BAT Alberto Cornejo, Madrid. Hasta el 11 de septiembre de 2010.

Margie Gillis,1986. Fotografia. 100 x 70 cm. Ed./7

En el estudio de un fotógrafo se pueden representar infinidad de escenas, de lugares… o también se puede ver tal y como es, cuatro paredes dispuestas a formar parte de la historia.

En las imágenes que presenta Eduardo Momeñe en “Retratos, videos y otras ficciones” vemos su estudio como hilo común, un espacio sin ubicación, donde el fotógrafo se deja llevar por el placer de retratar.

Sus obras en blanco y negro, y grises de mil matices, se presentan en confrontación pero también en diálogo, diferentes épocas con mismas situaciones, y el resumen de los últimos cuatro años de trabajo es lo que aquí se muestra.

Lugar: Galería Metta, Madrid. Hasta el 11 de septiembre de 2010

Cairo Sidewalks (Aceras de El Cairo). © Randa Shaath. 2007

Las exposiciones de varios artistas siempre te dejan con ganas de más, en este caso con más razón cuando en la Casa árabe sólo se encuentra parte de la exposición original, la cual tuvo lugar en el Palacio de las Artes de El Cairo y contó con más de 30 artistas.

Pero los once fotógrafos y video artistas que aquí se dan cita, hacen una buena representación. Además, es un buen acercamiento a esta cantera de artistas que todavía no es muy conocida en España.

En la sala de exposiciones se intercalan las fotografías y las proyecciones, y producen una imagen cercana a los intereses y preocupaciones que experimenta la sociedad egipcia actual. En definitiva, resulta interesante cómo la innovación no tiene límites, ni entiende de fronteras.

Lugar: Salas de exposiciones de Casa árabe, Madrid, hasta el 30 de septiembre.

Juergen Teller es, ante todo, un fotógrafo de personas, y así lo refleja “Claves & Thighs”, su primera exposición individual en España, que se encuadra dentro del festival Photo España 2010, que seguiremos repasando durante esta semana.

Las series Paradis, Luis XV, Go sees y Ed, dan la bienvenida al visitante, quien queda fascinado por el realismo e intimidad de sus fotografías, ya sean de moda u otros retratos, incluso las naturalezas muertas laten.

En la planta superior se puede observar un buen número de publicaciones en las que aparece la obra de este fotógrafo alemán afincado en Londres. Este formato suele resultar frío, pero las imágenes y el tratamiento de las ediciones traspasan la barrera. Para terminar recomiendo que, sin prisas, os sentéis a ver su video.

Den el nombre que den a esta muestra albergado por el Instituto Cervantes, la cosa es que en este tipo de exposiciones colectivas uno abre la mente, se deja llevar y se llena de experiencias por vivir que se hacen imprescindibles cuando estás acostumbrado a ver tanto arte.

“Descubrimientos”, como se solía llamar antes, o “Encubrimientos de PHE10" como ha elegido titularse este año, es una muestra compuesta por 56 fotografías y tres videos realizados por 10 jóvenes creadores de Sudamérica, que reflejan las nuevas tendencias de la fotografía en ese continente, aunque, por supuesto no pretende ser un reflejo único del panorama.

Pero son un buen conjunto de obras, donde encontramos reflejado el gusto en Guatemala por el pelo rubio, somos absorbidos por unos paisajes –en gran formato- marcados por el paso de un oleoducto, y, quedamos petrificados ante los retratos de Gerardo Repetto. 

El fotógrafo Miguel Oriola vuelve a los orígenes de su fotografía con esta serie de retratos sin aditivos y con una luz poderosa. El rostro humano de mujeres en ninguna parte, sobrias y fuertes pero frágiles a la vez.

Pero la lectura de “Mantis” no es tan simple como se pueda pensar a primera vista. La realidad que refleja el fotógrafo alicantino, no es más falsa que otras, sino la suya propia, y, por lo tanto, es compleja.

Y zambulléndonos en esa mirada personal tenemos que distanciarnos, para poco después volvernos a acercar, porque estas mujeres nos miran. Nos miran a través de los ojos de Oriola y, sin quererlo, nos hieren.

El joven artista Álvarez de las Heras presenta durante todo el mes de agosto parte del trabajo realizado en los últimos dos años.

Más de 20 obras de estilo expresionista dan color al pasillo que da acceso a la Terminal T2 del aeropuerto de Madrid. Colores fuertes y figuras que han sido desmontadas para luego volver a coger forma, con potentes perfilados, definen la personal obra de este artista autodidacta.

Se nota la influencia del arte de comienzos del s. XX, la inspiración en el cubismo, pero también se pueden observar toques tomados del mundo del cómic.

Se podría hablar largo y tendido sobre los artistas que se presentan en esta muestra de más de 400 fotografías que se reúnen en el Museo Reina Sofía. Pero aquí el verdadero centro de atención es Manhattan.

La ciudad que nunca duerme es la protagonista de las obras que aquí se exponen de artistas como Alvin Baltrop que presenta algunas fotos inéditas de la serie Hudson, que realizó de los muelles del río, entre 1975 y 1985.

El potencial estético de la Gran Manzana parece inagotable, da igual por dónde se mire o a través de qué mirada lo observemos, y para muestra la instalación de diapositivas de Matthew Buckingham “One sode of Broadway” (2005).

Cualquiera puede jugar con los volúmenes, pero sólo el artista cubano Ángel Ricardo Ríos los domina. Sus cuadros no representan cojines o almohadones de apariencia confortable, sus obras muestran una sensualidad que toma fuerza con su forma, color y composición.

En las tres series temáticas que se exponen, Objetos de deseo, tienda de Dulces y Chocolates, se pueden definir como carnales, Ríos hace referencia a lo deseado por prohibido o reprimido, y, por ello, en sus obras descubrimos esencias que van más allá de formas conocidas.

Y todo ello en un viaje en gran formato bajo la mirada cálida y sensual, lúcida y certera, de Ríos.

Dos artistas, en principio diferentes, por un lado Martin Kippenberger (Alemania 1953-Austria 1997) uno de los principales representantes del neo expresionismo alemán y por el otro Mike Kelley (EEUU 1954) uno de los máximos exponentes del nuevo pop, irónico, divertido e irreverente.

Pero los dos tuvieron una estrecha amistad y a los dos les une el humor ácido, incluso se podría decir corrosivo.

En la muestra, que forma parte de la celebración de los 40 años de la Galería Juana de Aizpuru, se puede ver la obra realizada en 1994 por Kippenberger titulada “Don’t Wake Daddy”, en la que expresa mediante diversos bajorrelieves y 10 corralitos el cambio que supone tener un bebé. Por su parte Kelley expone 40 nuevas obra recién llegadas de su estudio, donde critica los tabúes y normas de la estricta moral americana con dibujos y collages.

Una frase de la película Zardoz, protagonizada por Sean Connery en 1974, sirve de título para esta muestra de Todd Arsenault que podeís visitar en la Galería Fucares. En la película se muestra un mundo post-apocalíptico en el que The Vortex es un colectivo de seres inmortales que llevan una vida opulenta, aunque trivial y sin sentido. Hayamos visto o no la cinta parece que ese mundo resulta familiar.

El Vortex es una metáfora de la trayectoria de la comunicación y la dinámica social modernas, y la exposición nace de la investigación ininterrumpida sobre el impacto de la tecnología en procesos tradicionales como pintar y dibujar. ¿Qué tenemos con estos elementos?

Unos cuadros y dibujos llenos de movimiento, que te conducen a una dimensión entre irreal y conocida. Formas simples que se convierte en estructuras complejas, laberínticas, y que pueden echar chispas, como la tecnología.

Es increíble cómo una pareja que ya no lo quiere ser más es capaz de utilizar su propia historia, con sus cuerpos como objeto, para reflejar la transición que pasa cualquier pareja entre su encuentro y su adiós.

Thaumaturge (masculine), 2009. Digital C-print, 102 x 152 cm.

Pero no sólo eso, los Pye se agarran a la metáfora para hablar de temas como la muerte, la negación o la naturaleza del ser humano sin caer en la obviedad, haciendo pensar al espectador más de dos veces antes de que se cuente a sí mismo lo que está experimentando ante la fotografía.

Ascendant I, 2010. Digital C-print, 183 x 122 cm.

Las imágenes, de clara inspiración pictórica, perturban a la vez que embelesan con su particular poesía. Figuras elevadas y corazón en la garganta.

David Morago es un artista que tiene una técnica muy definida y que a pesar de su experiencia, sigue explorando con ella. En su tercera exposición la preocupación es el tratamiento del color y como sigue siendo habitual, el paisaje y la naturaleza son los temas principales.

La exposición está formada por acrílicos sobre madera, en la que incluso se pueden ver las vetas, y dibujos en lápices sobre papel. En todos ellos juega con los colores dibujando tramos en distintas capas creando una vibración que se nota en algunos puntos del cuadro, como los cielos o las estrellas. Con la luz y los juegos de contraluces David imprime un halo de misterio de todos sus cuadros.

Esta es una de esas exposiciones en las que unas imágenes cotidianas se transforman en un universo personal creado desde la visión subjetiva del artista

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La exposición Ante el tiempo, de los artistas Bleda y Rosa y Jem Southam, trata sobre la idea del tiempo y su relación con la fotografía. Esta muestra es una estupenda manera de observar las diferentes percepciones que tienen varios artistas sobre un mismo tema. Además el marco de la exposición es incomparable, el  Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico y de la mano de la Fundación Telefónica hasta el 25 de julio.  

El tiempo en tres ciudades marcadas por su historia, Berlín, Jerusalén y Washington, forman las 23 fotografías de Memorias, de los españoles María Bleda y José María Rosa. El pasado y  su monumentalización es el foco fundamental de lugares históricos y comprometidos que reflejan conflictos sociales de la época, siempre desde el análisis y la reflexión.

Mientras, Jem Southam muestra 32 piezas de las series Rockfalls (Desprendimientos de terrenos), Ponds (Estanques) y Painter´s Pool (La charca del pintor). La interacción del ser humano con el entorno son los protagonistas de estas fotografías que son el resultado de la contemplación y la observación, todo ello en el tradicional paisaje británico. Su método es fotografiar lugares concretos en diferentes momentos del tiempo

Esta exposición sirve para poder comprobar el carácter tan personal que tiene el tiempo y el paso del mismo según las experiencias y los puntos de vista de artistas, dos españoles y un inglés.

En la Fundación Mapfre se puede disfrutar hasta el 12 de septiembre de más de 400 obras sobre el surrealismo plasmado en fotografía y cine.  Artistas reconocidos del movimiento, como Nougé, Cahum, Magritte o Man Ray y su conocida imagen “El violín de Ingres”, están representadas en esta exposición.

La exposición muestra cómo el movimiento surrealista se basaba en la investigación, en el descubrimiento en el que se sumergieron los artistas de esta corriente. En una sociedad con un solo punto de vista ellos decidieron cambiar la forma de ver, el punto de vista desde el que se observan las cosas. Y este cambio lo consiguieron a través de forzar los límites técnicos de todos los soportes sobre los que trabajaban.

En la Subversión de las imágenes, Surrealismo, Fotografía y Cine se ve ese proceso de manipulación de la imagen como forma de aprender, una aventura de la que enriquecerse. La exposición consta de nueve secciones en las que se entremezclan la fotografía, cortos cinematográficos, documentos, etc, donde además es curioso ver las obsesiones o motivos que se repiten en todos los ámbitos.

En la Fundación Mapfre se puede disfrutar hasta el 12 de septiembre de más de 400 obras sobre el surrealismo plasmado en fotografía y cine.  Artistas reconocidos del movimiento, como Nougé, Cahum, Magritte o Man Ray y su conocida imagen “El violín de Ingres”, están representadas en esta exposición.

La exposición muestra cómo el movimiento surrealista se basaba en la investigación, en el descubrimiento en el que se sumergieron los artistas de esta corriente. En una sociedad con un solo punto de vista ellos decidieron cambiar la forma de ver, el punto de vista desde el que se observan las cosas. Y este cambio lo consiguieron a través de forzar los límites técnicos de todos los soportes sobre los que trabajaban.

En La subversión de las imágenes, Surrealismo, Fotografía y Cine se ve ese proceso de manipulación de la imagen como forma de aprender, una aventura de la que enriquecerse. La exposición consta de nueve secciones en las que se entremezclan la fotografía, cortos cinematográficos, documentos, etc, donde además es curioso ver las obsesiones o motivos que se repiten en todos los ámbitos.

Anoche tuve la suerte de asistir a la cena que el galerista Alberto de Juan ofreció para homenajear a Jessica Stockholder, artista de la élite del arte contemporáneo comprometida con un tipo de obra muy personal. Alberto conoce bien a Jessica, Max Estrella es su galería en España y ahora la recibe para acompañarla en su inauguración de la exposición Peer Out to See (Atisbar para ver) que podrá visitarse desde hoy mismo y hasta febrero de 2011 en el Pabellón de Cristal que el Museo Reina Sofía tiene en el Parque del Retiro.

Jessica trabaja mucho con objetos cotidianos, sus obras están repletas de objetos de uso diario. Su maestría está en la combinación: es una fantástica artista plástica y con un excelente curriculum académico. Actualmente dirige la Cátedra de Arquitectura en la Universidad de Yale desde la que ilustra con su visión espacial y colorista a sus alumnos de una manera genuina. Disfruté mucho de su genialidad y os recomiendo desde estas líneas que no os perdáis esta magnífica exposición.

Y por si la presencia de Jessica fuera poco, en la cena tuvimos el privilegio de conocer en primicia la última obra del artista Pablo Valvuena, un buen amigo, arquitecto de formación. Pablo ni bien se recibió fue a trabajar a Amsterdarm en donde decidió dedicarse por completo al arte para luego regresar a Madrid. Sus primeros trabajos, más bien maquetas me resultaron un poco fríos. Pero lo último que está haciendo es sensacional. Trabaja mucho sobre espacios físicos en donde hace proyecciones que resaltan la estructura arquitectónica en donde se proyecta. En la casa de Alberto hizo una instalación sobre una puerta, dándole vida y magia. Antes de fin de año hará una muestra en Max Estrella, ahí estaremos.

Esta muestra, denominada Flug (Vuelo), Harper ofrece pedazos de lo disperso. Por lo general la artista trabaja disparando hacia el sol llenando sus fotos de brillos, de luz, de oscuridad. Desde un punto de partida las obras van apareciendo tras procesos trabajados y delicados en el cuarto oscuro.

Se trata de una fotografía introspectiva que nace de una cierta melancolía y no hay entorno… la lente se vuelve ojo y sentimiento, que procede de Sharon y la imagen parece más un dibujo de carboncillo hecho por un niño, que sugiere una forma, que una fotografía de una artista. La fotógrafa usa este método como forma experimental y como parte de sus influencias, dando un halo de misterio y utilizando siempre como recurso el movimiento.

La fuerza lumínica en movimiento continúo de sus obras te permite tener una visión diferente y personalmente creadora, según el momento y a través de los diferentes tonos de blanco, además de la sutil modulación lumínica, una de las características de su obra.

La muestra seleccionada se caracteriza además por la pintura, el espacio y el objeto y su trabajo se puede definir como una abstracción monocroma de la luz con rasgos gráficos, cortes y dibujos en carboncillo.

Es curiosa esta muestra, si tenemos en cuenta que, en sus principios, Udo Nöger el negro y las criaturas oscuras eran las caracterizaban sus trabajos.

Y también es curioso el montaje de los cuadros, ya que son tres lienzos superpuestos y montados sobre un bastidor con una atenta gradación luminosa para crear así nuevas sensaciones espaciales.

Al contemplar su fotografía se ve cómo José Alemany entendía hacia dónde caminaba la modernidad, las tendencias estéticas que marcaron la renovación de la fotografía y que la convirtieron en una expresión artística equiparable a la pintura.

Es curioso como el arte finalmente llega al lugar que le corresponde. Las fotografías de este autor son testigo. Tras la muerte de Alemany las fotografías quedaron perdidas en un garaje cercano a su estudio. El propietario quiso recuperar su local y lo vació de todo su contenido. Pero gracias a Jeff Rubinstein, corredor de Nueva York, conocedor y coleccionista de fotografía moderna,  y uno de sus socios se logró conservar. También a Alain Moreau y Gilles Gheerbrant tuvo algo que ver en esta recuperación.

Imágenes de objetos, plantas, flores, conchas, composiciones surrealistas, abstracciones, en las que aplica todas las innovaciones técnicas de la fotografía de vanguardia, como los fotomontajes, superposiciones, juegos de luz, solarizaciones, rayogramas, encuadres novedosos es lo que muestran las fotografías seleccionadas.

Con motivo de esta exposición se publicará un catálogo con texto del Gilles Gheerbrant donde se incluirán todas las fotografías del archivo. Se trata de cerca de 150 fotografías que serán catalogados y reproducidas, muchas de ellas por primera vez.