Joana Vasconcelos es una artista Portuguesa, cuya obra trata principalmente la problemática de género. Su obra es principalmente en forma de instalaciones de gran formato o esculturas, en las que pone de manifiesto cuestiones de género utilizando objetos cotidianos a los que da una nueva vida.

Labores de ganchillo cubriendo objetos decorativos, cacerolas apiladas formando zapatos, tuppers con forma de mesa, pendientes que adornan una falsa lámpara... objetos de la cocina o con los que se ha identificado siempre más a las mujeres son sus básicos a partir de los cuáles realiza sus creaciones. Una nueva visión de lo cotidiano, definitivamente divertida y colorista.

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Joana Vasconcelos is a Portuguese artist, whose art is based on gender problematic. Her work is mainly large-scale installations and sculptures, in which she manifests gender issues using everyday objects to which she gives them a second life. Handmade crochet coverings for decorations, piled casseroles in shoe shapes... things with which women used to be most identified. A new vision of daily life, funny and colourful.

Imágenes: Joana Vasconcelos

La galería Espacio mínimo (Doctor Fourquet 17) presenta hasta el 23 de Julio una serie de fotografías tomadas por el fotógrafo Martin Parr en varios lugares del mundo. En esta serie no toma fotografías de la clase obrera o clase media, que fueron sus protagonistas en series anteriores, sino que esta vez se centra en la clase alta, los ricos y nuevos ricos que participan en los más elegantes y caros eventos alrededor del mundo.

El dato más curioso de la exposición es que el significado de las imágenes ha ido cambiando según se han ido tomando (desde 2003). El hecho de que todas fueran tomadas antes de 2009, nos hace reflexionar sobre el influjo que la crisis financiera global ha tenido en la clase alta, que ya no se muestra tan dispuesta a lucir sus riquezas en público.

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Espacio mínimo gallery presents until the 23rd of July a series of photographs taken by Martin Parr in several places around the world. This time he takes pictures of the upper class. Those that participate in luxurious and elegant events around the world. The interesting thing about this exhibition is that the meaning has changed with time. The fact that all the pictures were taken before 2009, makes us think about the influence that the financial crisis has had on the upper class, not so willing to show veryone their possesions anymore.

Fuente: galería Espacio mínimo

Bajo el nombre de "Mañana", el artista Gerardo Aparicio presenta sus últimas obras en la galería Antonio Machón (Conde de Xiquena 8) hasta el día 25 de Junio. Un conjunto de obras abstractas, en las que destaca el uso del cromatismo. 

El propio artista explica con pocas palabras el significado de esta exposición. Para él es el reflejo del desasosiego interior y las contradicciones que vive. Y el titulo, que a primera vista pudiera parecer optimista, lo que quiere comunicar es la incertidumbre futura, y un temor a lo que viene después.

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Under the name "Tomorrow" the artist Gerardo Aparicio presents his latest work in Antonio Machón gallery, until the 25th of June. With this title he wants to reflect the uncertainties of the future and the contradictions in which he lives in.

Fuente: Galería Antonio Machón

La galería Cayón ha reunido en el espacio habitual de Orfila 10, y en uno temporal en Castelló 19 una interesante exposición colectiva con obras de muy diversos artistas (hasta el 30 de Julio). Encontramos obras de Palazuelo, Chirino, Barbadillo, Knop Ferro o Herminio, presentadas todas juntas en un espacio mucho más grande que el habitual.

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Cayón gallery has got together in the usual space in Orfila 10 and in the temporary one in Castelló 19, an interesting compilation of artworks by different artists (until the 30th of July). We can find works by Palazuelo, Chirino, Knop Ferro or Herminio, presented all together in a space much bigger than usual.

Fuente: Galería Cayón

María Bleda y Jose María Rosa son dos fotógrafos españoles que trabajan juntos desde sus primeros años en la fotografía. Sus series se basan en espacios que han cambiado de uso, como los campos de fútbol, o espacios hoy vacíos en los que quedan vestigios de un pasado a veces sangriento, como en la serie campos de batalla.

Hay una cierta investigación antropológica en sus fotografías. Son todo fotografías actuales, en lugares que parece que quieren hablar, que quieren contar una historia de lo allí acaecido.

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María Bleda and José María Rosa are two spanish photographers who work together since they started in photography. Their series are based on spaces which usage has changed, like football fields, or spaces now empty in which we can still find traces from the past, sometimes bloody, like in battle-fields series. There is a certain anthropologic investigation in their photographs. All are photographs that look like they want to tell a story, to say what happened in there.

Fuente: Bleda y Rosa

La galería Elvira González (General Castaños 3) expone hasta el 30 de Junio cuatro esculturas de gran formato de John Chamberlain, artista norteamericano. Las obras están hechas con acero pintado, retorcido y estrujado, que proviene de carrocerías de coches. Las obras están exentas, situadas en mitad del espacio, para que así el espectador pueda pasearse entre ellas y apreciar todos los puntos de vista que se le ofrecen.

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Elvira González gallery shows until the 30th of June four large-scale sculptures of John Chamberlain, northamerican artist. The artworks are made of painted steel, twisted and crumpled, that comes from car bodywork.

Fuente: galería Elvira González

La galería Casado Santapau (Conde de Xiquena 5), organiza desde el 6 de Junio hasta el 27 de Julio una exposición de fotografía de Boris Mikhailov (1938). Mikhailov es un artista autodidacta Ucraniano que ya trabajó como fotógrafo en tiempos de la Unión soviética.

Tomaba fotografías de la gente en la calle, antes, durante y después de la caída de la Unión soviética, queriendo así dejar constancia de la situación que verdaderamente se vivía en el país, y no la que se aparentaba desde la élite consumista.

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Casado Santapau gallery, organises from the 6th of June until the 27th of July a photography exhibition of Boris Mikhailov artwork. Mikhailov is a self-taught Ukrainian artist who already in the soviet union times worked as a photographer.

Fuente: galería Casado Santapau

La galería Pilar Parra & Romero (Conde de Aranda 2) presenta del 1 de Junio hasta el 31 de Julio la obra de Stefan Bruggemann. El nombre dado a la muestra es Permanent production of excess (red, green, blue).

Bruggemann utiliza para sus obras materiales diversos así como técnicas distintas. Entre los trabajos pasados he encontrado algunos que me han parecido curiosos. La colección Nothing boxes, cajas apiladas en espacios vacíos, las instalaciones lumínicas bajo el nombre de Obliteration series o las obras escritas en muros, Text pieces. Es un artista interdisciplinar que utiliza de igual manera escultura, instalaciones o dibujo en sus obras.

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Pilar Parra & Romero gallery presents from the 1st of June until the 31st of July the work of stefan Bruggemann. The name given to the show is Permanent production of excess (red, green, blue).
Bruggemann uses different techniques and materials in his artworks. Among those I found some interesting ones: Nothing boxes, the Obliteration series or the Text pieces.

Fuente: galería Pilar Parra & Romero, Stefan Bruggemann

Me ha llamado la atención esta descripción del artista de sí mismo que he encontrado en su web, y me ha parecido interesante compartirlo con vosotros, así como algunas de sus obras.

"Nunca soy lo que se espera de mí. Al contrario que otros de mi generación, mi obra adolece de continuidad. Sin predisposición consciente a una trayectoria desconcertante, aparezco y desaparezco con cada colección; soy un creador desobediente y mi estilo no es reconocible como el de otros. No he encontrado un solo estilo por el que guiar cada extracción de mis sentimientos, por el que filtrar cada cosa que quiero decir; que necesito decir".

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It got my attention this description that the artist does of himself in his website, and I found it interesting sharing it with you, as well as some of his works.

"I am never what I am expected to be. My work lacks continuity, as opposed to the work of others who belong to my generation. I appear and disappear in each series without a conscious predisposition to a disconcerting course. I am a disobedient creator and my style is not recognizable as that of others. I have not found one single style through which to guide the extraction of my feelings; to filter what I what to say. Nevertheless, in this lack of  continuity I still preserve a common language – the language of my profound preoccupations; of my perennial interests".

Fuente: Fernando Bayona

Richard Hamilton, pintor, grabador y teórico, es uno de los artistas vivos de más reconocimiento. Es considerado el padre del pop británico, y en estos momentos está en dos exposiciones a la vez en la capital.

Por un lado presenta una muy pequeña muestra, bajo el nombre de pequeña retrospectiva, en la galería Juana de Aizpuru (Barquillo 44, 1º), y también podéis encontrar obtras suyas en el Museo del Prado, dentro de un conjunto de obras de varios artistas en las que se representan las Meninas de Velázquez bajo el punto de vista particular de cada uno de ellos.

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Richard Hamilton, painter, engraver and theorist, is one of the alive artists more recognised. He is considered the father of the British pop and nowadays he has two exhibitions at the same time in Madrid. One in Juana de aizpuru and another one, part of a collective show in Museo del Prado.

Fuente: arteinformado, Juana de Aizpuru, Museo del Prado 

El camino entre dos puntos es un vídeo realizado por Sebastián Díaz Morales, basado en su Argentina natal. La galería Pepe Cobo (José Marañón 7) presenta este vídeo de 80 minutos del artista martes y jueves a las 20.30. Una forma diferente de presentar una obra de arte, no creéis?.

Aparecen los paisajes de la patagonia, vacíos, con el viento soplando sin parar, espacios abiertos, desolados, como si un tifón acabara de pasar por allí. El video nos lleva por el camino, sin un objetivo aparente, lo que hace preguntarse al espectador en qué acabará todo, qué nos encontraremos al final. La sensación final que permanece es que el camino seguirá ahí donde está mientras que nosotros ya nos habremos ido.

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The way between two points is a video made by Sebastián Díaz Morales, based on his hometown, Argentina. Pepe Cobo gallery presents this 81' video from the artist tuesdays and thursdays at 20.30. A different way of showing art, don't you think?

Fuente: Revista Claves de arte

En la Galería La caja negra (Fernando VI, 17, 2ºI) tienen ahora una exposición, que durará hasta el día 12 de Junio, de Jose Mª Díaz Maroto, bajo el nombre de Luz y sombra. Parece que unas cuantas galerías se han puesto de acuerdo para mostrar fotografías en las que la luz es el protagonista.

El artista quiere con ello destacar las dualidades norte-sur, frio-calor, bien y mal. Lo cierto es que resulta una muestra interesante, os recomiendo acercaros a verla si estáis por la zona. También tienen en la galería un libro del artista, en el que reúne toda la obra de este tema, y lo trata en más profundidad.

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In La caja negra gallery they have now an exhibition, until the 12th of June of photography by Jose MªDíaz Maroto, called Light and shadow (seems that many galleries have decided this month to offer us photographs in which light is the main character). Worth visiting if you are in the area.

Fuente: galería La caja negra

Hace ya tiempo que quería hablar de este artista, y me he encontrado en Distrito cuatro (Conde de aranda 4) una exposición suya, así que en lugar de sólo presentar el artista, os puedo recomendar ir a ver la exposición, del 26 de Mayo al 29 de Julio.

La muestra se llama "Ensayando la postura nacional", que supongo vendrá de la foto presentada con el mismo nombre en Madridfoto, en la que unos personajes, ataviados con distintos ropajes, posan en unas escaleras.

Alexander Apóstol es un artista fotográfico que durante los últimos años se ha dedicado a plasmar aquellos edificios o calles que se construyeron para aparentar, como símbolos de un crecimiento inexistente y que nunca llegó a triunfar como se esperaba. Unas construcciones venidas hoy a menos, y que no son más que unos cuantos ladrillos ya viejos.

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Alexander Apostol is a photographer who during the last few years has concentrated on capturing those buildings or streets built to show of, symbols of a nonexistent growth. Constructions that today mean nothing, and are nothing more than old bricks.
Distrito cuatro gallery is presenting this month a new exhibition with works by this artist, so I recommend you go see it if you liked him.

Fuente: Galería Distrito cuatro

Buscando nuevas exposiciones de las que hablar, y nuevas galerías que presentaros, me encontré con un muy joven artista (del año 1981) en una de las galerías de la capital.

El cubano Michel Pérez, expone por primera vez en solitario en la galería Luz y Suárez del Villar (especializada en arte cubano). Ya hemos visto una de sus obras en la galería Fernando Pradilla en alguna colectiva hace tiempo. Son todas obras muy coloridas, una pintura bastante particular. Hablando con amigos les pareció un tanto infantiloide, al estilo de las obras de Starsky Brines. ¿Vosotros qué pensáis?.

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Looking for new exhibitions to talk about and new galleries to present, I found a very young artist (year 1981) in one of the galleries in the center.

Michel Pérez, a cuban artist, shows for the first time in a solo exhibition his work at the Luz y Suárez del Villar gallery (specialized in cuban art). All very colourful and somehow childish. What do you think?

fuente: galería Luz y Suárez del Villar

Begoña Goyenetxea expone del día 27 de Abril hasta el 5 de Junio tres grupos de esculturas de influencia constructivista en la galería Marta Cervera (General Castaños 5). La exposición está repartida en las tres salas.

En la primera nos encontramos con 5 esculturas como troncos de árboles, situados haciendo una diagonal, y aunque cada una ha sido creada por separado, de cierta forma se complementan en este espacio. En otra sala hay dos esculturas en diálogo, más grandes, y en la otra algunas obras en papel y otras dos esculturas grandes. Utiliza en todas madera contrachapada pintada a mano, y el color y las formas irregulares otorgan a las obras de gran ligereza.

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Begoña Goyenetxea shows from the 27th of April until the 5th of June three groups of sculptures of constructivist influence in Marta Cervera gallery. The exhibition is divided in the three spaces, sculptures and some works on paper. She uses hand-painted plywood, and the colour and the irregular shapes give these artworks a sort of lightness.

Fuente: nota de prensa de galería Marta Cervera

La galería Blanca Soto (Alameda 18) presenta una exposición individual de Sergio Sotomayor, a la que le ha dado el nombre de Neurocosmos (basado en la idea de un ciberespacio en el que flota la sabiduría, que no para de crecer). La exposición, que se puede visitar hasta el 6 de Junio, consta de 4 series:

• Neurocosmos: representación de un huevo flotando esperando a encontrar un lugar en el que posarse y eclosionar y crear vida
• Átomo: como alegoría del comienzo de la existencia
• Piedra: los restos de una vida, la huella de lo que hubo antes
• Cuántica: reflexión sobre la vida en un entorno infinito

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Blanca Soto gallery presents an individual exhibition of Sergio Sotomayor, under the name Neurocosmos (based on the idea of a cyberspace in which knowledge floats, and grows nonstop). The exhibition which you can visit until the 6th of June is made of 4 series.

Fuente: Nota de prensa Galería Blanca Soto

Sergio Prego es un artista Español nacido en San Sebastián aunque vive y trabaja en EEUU. Desde el año 1998 sus obras tienen como objeto cambiar la percepción del espacio, plantear un nuevo punto de vista sobre este y provocar la extrañeza en el espectador.

Prego crea escenarios en los espacios en los que expone en los que juega con lo virtual y lo real, haciendo que la barrera entre ambos se difumine y se confunda. Obras como Flicker, Bisectriz (obra realizada en su propia casa) o Cowboy inertia creeps, plantean nuevas formas de relacionarse con el espacio.

La obra de Prego se puede ver a día de hoy hasta el 6 de Junio en el MUSAC en una exposición conjunta, Primer Pro-forma 2010, con Txomin Badiola y Ion Mikel Euba.

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Sergio Prego is an Spanish artist born in San Sebastián, although he now lives and works in USA. Since year 98 his artwork is based on a change of perception of the surrounding space, offering a new point of view and provoking a reaction in the spectator.

He creates settings in which he plays with virtual and real, making the barrier between them disappear. Works like Flicker, Bisectriz (artwork made at his own home) or Cowboy inertia creeps arise new ways of relate to space.

His art can be seen now until the 6th of June in MUSAC, in a group exhibition, Primer pro-forma 2010, with Txomin Badiola and Ion Mikel Euba.

Fuente: galería Soledad Lorenzo, artnet, ABC

Hasta el día 29 de Mayo podéis aún visitar la exposición de la obra de Irene Van de Mheen, Nowhere in the nowhere, en la galería Magda Bellotti (Fúcar 22). La artista muestra en su obra el dibujo y sus limitaciones, estudiando el espacio transforma bidimensional en tridimensional, pequeño en monumental. Todo su trabajo se mueve alrededor del espacio, creando espacio de la nada, o expandiendo uno ya existente. Trabaja con espacio interior o exterior.

La exposición se compone de un mural con líneas y espacios que interactúan, dibujos inéditos y otras obras en diferentes soportes, que se complementan entre sí.
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Until the 29th of may you can still visit an exhibition of the latest artwork by Irene van de Mhee, Nowhere in the nowhere, in Magda Bellotti gallery. She works with space, transforming or creating it with drawings and lines. Two dimensions become three, or small-scale becomes large-scale.

Fuente: Galería Magda Bellotti

Desde el 6 de Mayo hasta el 19 de Junio, la galería Fúcares (Conde de Xiquena 12, 1ºizq) presenta el trabajo realizado en los dos últimos años de Jaime de la Jara. El artista toma objetos cotidianos, que normalmente pasarían desapercibidos, pero que él modifica y adquieren entonces importancia. Hace un estudio sobre el vacio, la nada y el objeto.

Se reúnen en el espacio varias muestras reflejando este interés del artista: la primera keys, son llaves o interruptores, deformados, fundidos en metal, a las que acompaña un video de una de esas llaves en el proceso de deformación. La serie flags, consiste en tres radiadores, situados a la altura de los ojos, y que a aunque a primera vista no llaman la atención, cambian la percepción del espacio en el que se encuentran.

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From the 6th of May until the 19th of June, Fúcares gallery shows the latest work by Jaime de la Jara. The artist takes everyday objects, that would usually go by unnoticed, but he modifies them acquiring then importance. He studies emptyness, nothingness and the object.

Fuente: Galería Fúcares

Guillermo Pérez-Villalta, en la galería Soledad Lorenzo (Orfila 5) del 11 de Mayo al 12 de Junio.
Las obras de Villalta son narraciones muy ornamentadas, en las que no faltan símbolos religiosos y mitológicos. Se distingue claramente de los artistas de su época, y su técnica y estilo no sigue el mismo camino.

Su obra Grupo de personas en un atrio, en el que representa a muchos de sus compañeros artistas, está situado en un lugar predominante en el Museo Reina Sofía. Pérez-Villalta es otro de los artistas españoles muy destacables, y cuya obra podemos encontrar desde hace ya muchos años en los mejores museos de arte moderno.

En esta exposición presenta un conjunto muy curioso de obras de corte surrealista, aunque en otras incluye elementos geométricos más abstractos. Una interesante visita que seguro agradará a muchos.
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Guillermo Pérez-Villalta, in Soledad Lorenzo gallery, from the 11th of May to the 12th of June.
Villalta's artworks are very ornate stories in which we can find religious and mythological symbols. His work "group of people in an atrium" is in a preferential space at the Reina Sofía Museum. This time he shows a group of paintings with a more surreal cut.

Fuente: Galería Soledad Lorenzo

Eulalia Valldosera es una artista contemporánea Catalana, cuya obra se basa en la utilización de objetos cotidianos, a los que aplica luz y mediante fotografía, instalaciones o vídeo los transforma en algo nuevo. Objetos que en un principio no dicen nada, reflejan las dificultades en las relaciones entre personas. Sentimientos como angustia, enfermedad o deseo se pueden adivinar en sus obras.

Las sombras y las luces crean en su combinación nuevos espacios, en los que en muchas ocasiones el espectador es llamado a participar activamente. La artista plasma su propia experiencia en las obras, aunque no de manera autobiográfica.

Pudimos ver algunas de sus obras en el Museo Reina Sofía, como la obra Dependencias, en la que utilizaba cochecitos de bebés que al ser empujados por los visitantes, proyectaban diferentes imágenes en una pared. Imágenes rodadas en aeropuertos, supermercados y museos.

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Eulalia Valldosera is a contemporary Catalonian artist, whose work is based in reusing everyday objects. With light, photography, video and installations she transforms them in something new. We could see some of her work in Reina Sofía Mueum, in the installation Dependencias, she used baby-trolleys that when being pushes by the visitors, projected on the walls different images recorded in airports, supermarkets or museums.   

Fuente: Museo Reina Sofía; encuentro con la artista, MUSAC

En la Fábrica galería (Alameda 9) se presenta del 7 de Abril al 29 de Mayo una muestra individual de la artista Rosangela Renno, con obras de diferentes años. Además de recopilar fotografías de torbellinos para el proyecto que no pudo llevar a cabo en 2008 (unas fotografías impresionantes), junta una serie de fotografías a gran escala, que son resultado de yuxtaposiciones de material fotográfico encontrado en tiendas de segunda mano.

Un video realizado con imágenes (ralentizadas y yuxtapuestas) de un viaje a la Isla Reunión y el libro de artista con imágenes vueltas del revés son las otras dos obras que conforman esta exposición. El libro de imágenes en blanco es una metáfora sobre las más de 700 imágenes robadas a la Biblioteca Nacional de Brasil, que para la artista es como si hubiesen robado la memoria histórica del país.

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La Fábrica gallery presents from the 7th of April until the 29th of May an individual exhibition of Rosangela Renno. A compilation of Photographs of whirldwinds by other people, for the project she couldn't do in 2008, photos bought in second-hand shops, modified, a video of images of Reunion Island, and a book with images turned over, simbolising the theft of images in the Brazil National Library that left Brazilians without their historic memories.

Fuente: La Fábrica Galería

Luis Gordillo y Carlos Franco, dos artistas ya consagrados y de gran renombre vuelven a exponer esta vez en la galería Marlborough (Orfila 5, hasta el 12 de Junio). Ambos espacios estarán dedicados a estos dos grandes artistas.

Gordillo presenta obra de los años 2007, 2008 y 2010, bajo el nombre de Contrastes. Vemos esta vez un conjunto de obra sobre lienzo, papel, cartón o serigrafías. Algunas, o muy parecidas, ya las pudimos ver en la galería La caja negra en una exposición anterior. El estilo continúa siendo parecido al que ya nos tiene acostumbrados, con formas geométricas que recuerdan en cierto modo a caleidoscopios.

Carlos Franco presenta en cambio una obra toda en papel, collage, grabados... sin una temática definida. De Franco hemos visto algunas obras suyas durante el pasado verano en Marlborough en la exposición colectiva.

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Luis Gordillo and Carlos Franco, two established artists and well-known exhibit again in Marlborough gallery (until the 12th of June). Both spaces will be dedicated to these great artists.

Gordillo presents artwork from years 2007, 2008 and 2010 under the name Contrasts. Some similar works we could see them some time ago in La caja negra gallery.
Carlos Franco presents work all in paper. We saw some of his works in the collective exhibition in Marlborough last summer.

Fuente: galería Marlborough

La luz y la sombra se complementan, en una exposición en la que prima la dualidad, el enfrentamiento. Lo real e irreal se funden en la misma imagen, creando confusión. El mismo titulo de la exposición "luz oscura", es lo que plantea, una dualidad inexistente que el propio artista, Manuel Vilches crea uniendo dia y noche ante nuestros ojos. En la galería Astarté (Monte esquinza 8), del 16 de Abril al 3 de Junio.

Vilches une arquitectura, pintura y fotografía. A veces modifica la fotografía pintando encima o con retoques digitales, utilizando soportes diferentes como lienzo o papel. Con su pintura hace de espacios abandonados, inhabitables e industriales una mezcla entre urbano y naturaleza que engañan y hacen verlos hasta bellos.
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Light and shadow complement each other in an exhibition in which duality and confrontation are a priority. Real and unreal melt in the same image, creating confusion. Even the title itself suggests this duality, "dark light". In Astarté gallery, from the 16th of April until the 3rd of June, Manuel Vilches.

Fuente: galería Astarté

Del 12 al 16 de Mayo se organiza en el Palacio de los deportes de la Comunidad de Madrid (Calle Felipe II- entrada por Goya) la segunda edición de MadridFoto. El formato de la feria es similar a las ferias pasadas como JustMadrid, ARCO o ArtMadrid. Las galerías, muchas de las cuales ya conocemos, presentan una pequeña muestra de fotografía que ha formado parte de exposiciones pasadas.

Nos encontramos con artistas también a los que ya conocemos como Belinchón en galería Casado Santapau, Candida Hofer en galería Fúcares, una pequeña instalación lumínica de Canogar en galería Max estrella, y las siempre impresionantes imágenes de Pablo Genovés, que no nos cansaremos de ver, por mucho que las paseen de feria en feria (galería Estiarte) Y también me llamaron la atención otros sobre los que no hemos hablado aún, como Alexander Apóstol (galería distrito cuatro), Filomena Soares, a cuya fotografía de maletas en una estantería han otorgado el premio Comunidad de Madrid o Jose Manuel Ballester en galería Estiarte.

En el espacio de El duende vimos una serie de retratos muy interesantes en el primer pasillo de la feria, Isabel Hurley mostraba en su espacio algunas imágenes sorprendentes de Tomás Ochoa y Ann Pettersson, y la galería Fernando Pradilla presentaba a su elenco más llamativo de artistas (Marcos López, Germán Gómez...). Había una presencia importante de galerías extranjeras, entre las que pudimos ver representación de ciudades como Berlín, Rotterdam, Lisboa, Nueva York o Toronto. Es un plan altamente recomendable de fin de semana, para aquellos que esteis en Madrid.

El horario es: jueves de 16 a 21h. Viernes y Sábado de 12 a 21h y Domingo de 11 a 19h.
El precio de la entrada es de 13€

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From the 12th of May until the 16th, the Palacio de deportes de la comunidad de Madrid organises the second edition of MadridFoto. The organization of the fair is similar to past fairs like ARCO, JustMadrid or ArtMadrid. The galleries, many of which we already know, present a small sample of the photographs that have been part of previous exhibitions.

We found artists we have talked about in the blog, like Sergio Belinchón (Casado Santapau gallery), Candida Hofer (Fúcares gallery), Daniel Canogar (Max estrella) or Pablo Genovés (whose photographs we would never be tired of watching, in Estiarte). And others like Alexander Apostol, Filomena Soares or Jose Manuel Ballester, whose work I found quite interesting.

In the El Duende space there were some protraits worth looking at, Isabel Hurley had in her space some surprising photos from Tomás Ochoa or ann Pettersson, and Fernando Pradilla gallery brought a wide sample of artists (Marcos López and Germán Gómez among them). There was an important presence of international galleries coming from cities such as Berlin, Lisbon, Rotterdam, Toronto or New York.

Opening hours: Thursday from 16 to 21. Friday and Saturday from 12 to 21 and Sunday from 11 to 19.
The entrance price is 13€

Fuente: fotopaco, galeria Estiarte, Marcos López, MadridFoto2010, galería Casado Santapau

Daniel Canogar es un artista interdisciplinar que destaca por sus instalaciones lumínicas en las que reutiliza elementos de desecho para volver a darles vida. CDs recogidos de la basura, cintas viejas, aparatos electrónicos inservibles pasan por sus manos y los reconvierte en obras de arte animadas. Busca con ello hacer una reflexión sobre la "muerte" tan prematura de todos estos objetos electrónicos que la tecnología hace que su paso por nuestras manos sea efímero.

Su último proyecto, en el que trabaja a día de hoy: iluminar con sus instalaciones los puentes del rio Manzanares en Madrid, dará que hablar con total seguridad. Su obra ha estado expuesta en importantes museos del mundo, y ha sido el artista elegido para realizar la obra que representa a España en la presidencia de la UE en Bruselas durante estos primeros meses de 2010.

Unas obras muy interesantes, que pronto estarán a la vista de todos aquellos que visiten Madrid.

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Daniel Canogar is an interdisciplinary artist who stands out for his luminous installations in which he re-uses discarded objects to bring them back to life. CDs picked up from the garbage, old tapes, electronic equipments of no more use go through his hands and he modifies them and makes them animated works of art. With this he makes us think about the premature "death" of all these electronic objects that technology passed ephemerally through our hands.

His last and present project: iluminate with installations the bridges of the Manzanares river in Madrid. His works have been shown in important museums around the world, and he was the chosen artist to make the artwork that represents the Spanish presidency of the EU in Brussels during the first months of 2010.

Very interesting art that will be soon out there for every Madrid visitor to see.

Fuente: Daniel Canogar
Artículo conjunto de Recyecology (ecología, reciclaje, sostenibilidad) y Mdrnart (arte moderno en Madrid)

La artista Susana Solano presenta en la galería Estiarte (Almagro 44), del 8 de abril al 25 de Mayo una interesante colección de fotografías tomadas entre 1990 y 2010. En ellas refleja realidades con las que se topó en sus viajes por Yemen, Níger, Japón, Bhután...

Las fotografías son retazos de memoria, recuerdos de experiencias vividas en otros países, y en resumen una reflexión antropológica. En la galería podréis ver otras fotos en las que la artista toma como principal protagonista el agua, un agua que corre y que cae.

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The artist Susana Solano presents in Estiarte gallery from the 8th of April until the 25th of May an interesting collection of photographies taken between 1990 and 2010. in which she reflects the realities of the people that she met during her trips in Yemen, Niger, Japan, Bhutan...

Fuente: Galería Estiarte

La Galería Javier López (José Marañón 4) del 15 de Abril al 26 de Mayo, presenta la obra "Horizons" de Jose Mª Yturralde. Una obra muy colorida, en la que el artista quiere reflejar su estudio y profundización en el espacio, lo infinito y el tiempo. Utiliza la luz de forma que podamos captar el horizonte que se abre hasta el infinito.

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Javier López gallery from the 15th of April until the 26th of May, presents "Horizons", by Jose Mª Yturralde. A very colourful collection, in which the artist wants to reflect his study of space, the infinite and time using light and the horizon as starting point.

Fuente: Galería Javier López

Tranquilidad y calma, es lo que inspira esta exposición de Joaquín Pacheco en Distrito cuatro (Conde de Aranda 4). Unas escaleras, columnas, un museo, la playa... todas pinturas que se inspiran en escenas que no llaman la atención, en las que no sucede nada. Son como bien describe la galería escenas costumbristas urbanas, en las que todos nos hemos encontrado alguna vez, compartiendo ese momento tan poco importante con otras personas. Resulta interesante que el artista haya elegido justo ese momento de espera para plasmarlo en sus cuadros, y no el del encuentro.

La espera es la norma general en la exposición, figuras inexpresivas que se mueven por los cuadros, esperando que suceda algo. Podéis ver esta relajante exposición del 8 de Abril al 14 de Mayo.

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Peace and calm, is what inspires this Joaquin Pacheco exhibition in Distrito cuatro. Stairs, columns, a museum, the beach... all paintings with people looking like waiting for something, in one of those unimportant moments of our lives that we all share with so many. You can enjoy this relaxing show until the 14th of May.

Fuente: galeria distrito cuatro

Hasta el 8 de Mayo, la galería Max estrella tendrá todas sus paredes cubiertas por las obras estrujadas de Javier Arce. Papel blanco recubre las paredes de la sala principal de la galería, en las que Arce ha pintado con rotulador negro obras muy conocidas y representativas del arte Español. En esta exposición hace una reflexión sobre la importancia del marco, la copia y originalidad de una obra y la clasificación que hacen los museos y expertos de lo que es una obra de arte.

Arce coloca sus obras en las paredes tapándolas por completo, enmarcadas en metacrilato, en el suelo, en una bolsa de basura, o dentro de una caja, después de haber pintado y estrujado el papel.

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Until the 8th of May, Max estrella gallery will have all its walls covered by crumpled artwork by Javier Arce. White paper, painted with black marker covers the gallery's walls. On the walls covering them completely, on trasparent frames, on the floor, in a garbage bag or inside a cardboard box.

Fuente: Galería Max estrella

Esta nueva exposición de Thilo Heinzmann, (del 25 de Marzo al 15 de Mayo) la cuarta individuasl en la galería Heinrich Ehrhardt (San Lorenzo 11, patio), es una recuperación de técnicas ya usadas en muestras anteriores, así como nuevas obras inéditas. El artista establece un interesante diálogo entre obras que no tienen nada en común a primera vista.

Los llamados por el propio artista Aicmo (superficies de aluminio perforadas), arpillera pintada y esculturas de resina (estructuras que se utilizaban en el interior de los tresnales (montones de paja piramidales) para acumular el cereal después de la siega).
Una mezcla de escultura e instalación bastante curiosa.

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In this new exhibition in Heinrich Ehrhardt (25th of March until the 15th of May), Thilo Heinzmann establishes a dialogue among his latest works and pieces based on techniques used before. An interesting mixture of sculpture and installations.

Fuente: galería Heinrich Ehrhardt

Pintura, fotografía, serigrafía y telas conforman la obra más reciente de Juan Ugalde (8 Abril-8 Mayo), expuesta en la galería Soledad Lorenzo (Orfila 5). el artista ha querido mezclar fotos de álbumes familiares, imágenes de paisajes, con materiales como azulejos y telas, re-creando según él mismo dice, la historia del arte. Toma una imagen fija, y la modifica añadiendo detalles, borrando otros, y pegando añadidos que nada tenían que ver con la obra original. El lienzo se convierte en un amasijo de realidades, de ideas, que unen los sentidos de tacto y vista. 

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Painting, photography, screen-printing and cloth shape the latest enhibition by Juan Ugalde (8th April-8th May) in Soledad Lorenzo gallery. The artist mixes family photos, landscapes, and materials like tiles and cloth re-creating art history. Printing, glueing, erasing a fixed image until it becomes something else. Joining sight and touch.

Fuente: galería Soledad Lorenzo

Este año 2010, con la Lisson gallery, es el año en el que Ángela de la Cruz ha decidido tomar los pinceles de nuevo, con una serie de obras nuevas bajo el nombre de Insider, después de sufrir un derrame cerebral que la dejó paralizada y la impidió continuar con su carrera artística durante varios años. Hemos podido ver algunas de sus obras en la galería Max Estrella el pasado mes de Febrero.

A primera vista, las obras de de la Cruz parecen destruidas, dañadas. Óleos retorcidos, salidos de sus marcos, estrujados, colgados en la pared como trofeos. Pero nada más lejos de la realidad, ya que la destrucción de las obras es a propósito. De la Cruz une en su obra la creación y la destrucción. Después de la realización de una pintura calmada, la violencia sale de la artista, que ataca el cuadro con furia, creando una escultura a partir de una pintura. Ella misma cuenta, que la primera vez que realizó una obra así, fue después de la muerte de su padre, la tristeza sacó el genio de la artista, que quedó reflejado en el cuadro.

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This year 2010, with Lisson gallery, is the year Ángela de la Cruz has decided to take the brushes again, with a series of new artworks under the name Insider, after suffering a brain hemorrhage that kept her paralyzed and prevented her from continuing her artistic career for several years.

We have seen some of her works in Max Estrella gallery the past February. Works that look like vandalised, torn apart and hung on the walls like trophies. De la Cruz brings together creation and destruction in the same piece of art. She attacks her painting, creating a sculpture from it.

 

Fuente: soft sculpture, Lisson gallery, el país, galería Max Estrella

Gonçalo Pena, artista Portugués, presenta sus más recientes obras en la galería Fúcares (Conde de Xiquena 12), del 17 de Marzo hasta el 1 de Mayo. Pena toma elementos figurativos y los plasma de manera alegórica, mezclándolo con naturaleza, industrias, ciudades, alcobas o jardines. No establece un nexo claro en la pintura, lo que provoca extrañeza en el espectador. La presencia de monstruos y serpientes se une a la representación de ninfas desnudas que recuerdan a cuadros inspirados en mitología. Una interesante exposición que te deja con un gran interrogante ¿qué querrá decir con esto el artista?.

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Gonçalo Pena, Portuguese artist, presents his latest work in Fucares gallery, from the 17th of March until the 1st of May. He mixes figures inspired in mithology with nature, industry, cities, rooms or gardens, without a clear nexus among them. An interesting exhibition that leaves you with a question, what does the artist want to say with this?

Fuente: galería Fúcares

Jordi Teixidor presenta en La caja negra (Fernando VI 17 2ºI) del 25 de Marzo al 30 de Abril, una nueva exposición con el título L'atelier rouge, que se basa en el cuadro de Matisse del mismo nombre. Teixidor ya ha utilizado este cuadro y otros de Matisse en colecciones anteriores como referencia para su creación.

Lo que hace el artista al utilizar este cuadro como base es retomar el objetivo de Matisse de crear un espacio de ilusión. Además, incluye fotografías de su propio estudio, en las que mexcla la realidad en la que pinta con la pintura en sí. De esta manera plasma el espacio del artista, en el que realiza sus creaciones, que no siempre surgen de manera fácil.
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Jordi Teixidor presents in La caja negra from the 25th of March until the 30th of April, a new exhibition with the title L'atelier rouge, based on Matisses's painting of the same name. Teixidor has already used this painting and others form Matisse in previous collections as a reference for his creation.

Fuente: La caja negra

Sergio Belinchón es un artista Valenciano, nacido en 1971, cuya obra se centra en la fotografía. Belinchón plasma paisajes abiertos, desiertos, en los que encontramos la huella del hombre. Toma instantáneas tanto de espacios desolados ya ocupados o a punto de ser ocupados por el hombre, como de esas colmenas vacacionales, que se reparten a lo largo de la costa mediterránea.

Son todas imágenes un tanto inquietantes, que dan sensación de soledad y abandono, no os parece?. Sobre todo las de los enormes edificios vacios, que esperan la llegada de los veraneantes.

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Sergio Belinchón is a Valencian artist, born in 1971, whose work is mainly photography. Belinchón captures open spaces, deserted, in which we find human footprint. Takes photos of isolated spaces soon to be occupied, or of those vacation's beehives situated all along the mediterranean coast.
Don´t you think they give an impression of abandonment and loneliness?

Fuente: MUSAC

Hasta el dia 30 de Abril podemos visitar en la galería Marlborough (Orfila 5), dos exposiciones de artistas reconocidos, una de pintura, de Julio Larraz, y otra de dibujos al carboncillo de Alberto Corazón.

Julio Larraz, utiliza en sus obras una figura de mujer oronda, opulenta, que representa para el artista la nación, protectora y temible, representada siempre en grandes volúmenes, como queriendo destacar el abuso de esta nación para con sus habitantes. La caricatura, a la que recurría en obras anteriores, sigue siendo palpable en su obra, aunque ya no en la representación de los rostros si no en las situaciones.

En el espacio pequeño, la galería presenta la obra del artista gráfico Alberto Corazón. Para la exposición, papeles del bosque, utiliza papel de diferentes tamaños y materiales como carbón, grafito, barnices, óleos y acrílicos. 

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Until the 30th of April, we can visit in Marlborough gallery two exhibitions by well-known artists, paintings by Julio Larraz and charcoal drawings by Alberto corazón. Larraz uses the image of a big woman, as a symbol representing the opressive and frightening nation, and Corazón, with "Papers for the forest", uses multiple kinds of paper and materials.

Fuente: Galería Marlborough

Jeff Koons es un artista norteamericano, nacido en 1955, cuya obra comenzó a ser conocida durante la década de los 80. Su fama es tal, que fue elegido como el artista idóneo para realizar la obra que recibe a todos los visitantes del Guggenheim en Bilbao, el Rockefeller center en Nueva York o el Museo de arte moderno en Sydney .

Jeff Koons hace un arte para nada convencional, que podríamos decir que está influenciado por el pop-art, así como por la publicidad y los medios de comunicación. Hace un arte para las masas, con el que pretende acercarse al espectador. Sus obras van desde esculturas inflables de flores, vidrieras de él mismo haciendo el amor con la que era su esposa (Cicciolina), enormes perros-jardines verticales, collage, aspiradores, balones flotando en cajas de cristal... Toda su obra de perritos y flores refleja gran sentimentalismo. Es considerado hoy en día como uno de los top ten artistas del mundo, junto a Warhol, Baldessari o Murakami.

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Jeff Koons is a north-american artist, born in 1955, whose work became well-known during the 80's. His work was chosen to be in the entrance of the Guggenheim Bilbao, the Rockefeller center or the Museum of Modern art in Sydney.

He makes a non conventional type of art, influenced by advertising and media. Some of his works are inflatable flowers sculptures, stained glass paintings of himself and his wife (Cicciolina) making love, giant dogs-vertical gardens, collage, hoovers, balls floating in cristal boxes... He is considered as one of the top ten world artists, along with Warhol, Baldessari or Murakami.

Fuente: Jeff Koons

Las exposiciones O manipulador y Gonper Museum-work in progress son dos proyectos de Fabiano Gonper unidos en esta primera muestra individual en España en la galería Blanca Soto (Alameda 18). Ambas reflejan los diferentes poderes existentes en la sociedad. Desde el 17 de Marzo hasta el 23 de Abril.

En O manipulador dibuja con sencillos trazos figuras de ejecutivos, sin rostro, en un fondo blanco queriendo mostrar así el estereotipo existente en las jerarquías. En Gonper Museum, acoge su propia obra, RSD-reconfiguración del sujeto. El proyecto Gonper museum, surgió en el año 2002 como forma de reflexión sobre la relación existente entre el autor de la obra, el arte y los museos.

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The exhibitions O manipulador and Gonper Museum-work in progress are two proyects by Fabiano Gonper, brought together in this first individual show in Spain in Blanca Soto gallery. From the 17th of March until the 23rd of April.
They both reflect the existing powers in society.

Fuente: galería Blanca Soto

Txomin Badiola es un artista vasco cuya obra ha sido de gran influencia para artistas contemporáneos de los que se habla hoy en día. Sus comienzos fueron en la pintura, pero pronto se dedicó a la escultura, marcando tendencias junto con otros artistas de su generación. A partir de los años 90 comenzó a incluir en sus esculturas otros soportes como el video o la fotografía.

La madera es parte ineludible en sus instalaciones o esculturas, y lo cotidiano siempre se puede encontrar en sus obras. El artista busca el diálogo con el otro más que comunicar algo.

Este vídeo es una presentación de su último proyecto, que podéis ver en el MUSAC, el Museo de arte contemporáneo de Castilla y León, hasta el 16 de Junio de 2010. Es un interesante proyecto conjunto realizado por Sergio Prego, Ion Mikel Euba y Txomin Badiola.

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Txomin Badiola is a basque artist whose work has been of great influence to some contemporary artists. He started his career painting, but soon was dedicated to sculpture, marking a tendency with other artists from his generation. From the 90's he started mixing sculpture with video and photography. He uses wood in his installations, and everyday life details, searching for creating some sort of dialogue with the spectator.

The video (in spanish) is a presentation of his last work, which is being showen in MUSAC until the 16th of June. A collective proyect with two other artists: Sergio Prego and Ion Mikel Euba.

Fuente: MUSAC, galería Soledad Lorenzo

"Celosías, estéticas de la paranoia" y "Small things" son las dos exposiciones que podéis visitar estos días en la galería Magda Bellotti (Fúcar 22), del 18 de Marzo al 24 de Abril.

Luz Ángela Lizarazo muestra un conjunto de fotografías de celosías en ventanas de su Colombia natal. No solo encontramos puertas y ventanas detrás de verjas, sino también contadores de la luz o parques. La variedad de rejas es inmensa, y cada una cuenta a su manera una historia de aquel que la eligió. El miedo generalizado hace que los propios individuos nos encerremos y nos ocultemos con una cierta paranoia, de la vista de los demás poniendo rejas de por medio.

Aldo Iacobelli nos enseña en el espacio Algeciras dibujos que como él mismo dice están inspirados en una vista aérea sobre la tierra, en la que nosotros somos como hormigas.

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"Lattices, paranoia aesthetics" and "Small things" are the two exhibitions you can visit these days in Magda Bellotti gallery, until the 24th of April.
Lizarazo shows photographs taken of the lattices around Colombia, a symbol of the fear of others, which makes the whole city hide behind lattice windows. There is a huge variety of lattices, each of them representing somehow the person who chose it. And Iacobelli shows drawings inspired by an aerial view of the earth, in which we are like ants.

Fuente: galería Magda Bellotti

En la exposición Papel(es), del 4 de Marzo al 10 de Abril, en la galería Astarté (Monte esquinza 8), se une la obra de 10 artistas, mostrando su visión más particular sobre el tema elegido.

Las obras han sido realizadas con papel, cartón o cartulina, pero cada uno de ellos ha elegido su propio método, con lo que se presenta una exposición de lo más heterogénea. Podemos encontrar obras con influencia del expresionismo abstracto, o el neo constructivismo, así como otras que recuerdan al op-art. Paisajes hechos de pliegues de papel, o de manchas de pintura, con material reciclado e incluso con letras impresas.

Los artistas que participan en la exposición son: María Aranguren, Rafael Canales, Tom Carr, Carlos Coronas, Roberto Díez, José García Navas, Vicky Herreros, Rafael Reverón-Poján, Dominica Sánchez y Karen Schiff.

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In the exhibition Papel(es) (papers), from the 4th of March until the 10th of April, Astarté gallery brings together artworks by 10 artists, all showing their particular vision of the chosen theme.
They have all used paper or cardboard in their works. We can find from abstract expressionism to neo constructivism or even op-art.

Fuente: Galería Astarté

Salvador Cidrás es un artista gallego, nacido en 1968, cuya obra comenzo a conocerse en los años 90. Su carrera se ha visto definida por la experimentación, en términos de materiales o soportes. Una de sus primeras obras, esculturas y dibujos relacionados con la naturaleza, fue la que atrajo el interés de la crítica.

La obra de Cidrás se centra en la relación del ser humano con el entorno artificial que lo rodea: el orden social, el mundo del arte o la arquitectura. En una de sus últimas obras, 24 horas 10 minutos, expuesta en el MUSAC, reflexiona sobre la influencia de la imagen y las marcas en comportamientos sociales de jóvenes de hoy en día. El artista profundiza con esta obra en el universo adolescente y la creación de identidad utilizando para ello elementos urbanos que representan aquello que rodea al adolescente. La exposición la conforman una instalación sonora, una instalación mural, una sala con 8 grandes dibujos y un vídeo.

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Salvador Cidrás, Spanish artist born in 1968, whose artworks became well-known during the 90's. His career has been defined by experimentation, in terms of materials. One of his first works, sculptures and drawings influenced by nature got the attention of the critics.
His work is based on the relationship between human beings and the artifitial environment in which we live: social order, world of art or architecture. One of his last works, 24hours 10 minutes, reflects on the influence of the image and brands on social behaviour of teenagers nowadays.

Fuente: MUSAC

"La escuela del miedo" es el título que le ha dado Jesús Martínez Oliva a su nueva exposición en la galería Pepe Cobo (José Marañón 7).
Martínez Oliva da su visión sobre la escuela, un lugar para él contradictorio que promueve la tolerancia y la igualdad, pero siempre marcando las pautas para que los individuos encajen dentro de unos parámetros de normalización.

Para mostrar esta visión se vale de pupitres de escuela que dispone en la entrada de la galería, a modo de barrera que obstaculiza llegar más allá, a una fila de dibujos o collage colocados en la pared. Dibujos marcados por las líneas, las cuadrículas, que como rejas aprisionan, mezclados con fotografías de barreras, o símbolos supuestamente integradores pero que provocan rechazo.

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"La escuela del miedo" (The school of fear) is the title that Jesús Martínez Oliva has used for his exhibition in Pepe Cobo gallery. He offers his vision of the schools, a place for him contradictory, that promotes tolerance and equality, but always marking the path, so individuals follow certain standards.

Fuente: nota de prensa galería Pepe Cobo

Hasta el 11 de abril podéis ver en el espacio de Plaza de las Salesas 2 algunas obras de Alighiero Boetti, artista Italiano cuya obra clasificada como Arte Povera ha influenciado a muchos. Su obra está presente en algunos de los más prestigiosos museos del mundo (i.e. Reina Sofía, Tate Modern, MoMA).

En las obras de esta exposición en la galería Marta Cervera podemos ver reflejadas las palabras del artista: "Yo he trabajado mucho el concepto de orden y desorden: desordenando el orden o poniendo orden en ciertos desordenes o aún más presentando un desorden visual que fuera la representación de un orden mental."

La dualidad es una constante en sus obras (que firmaba como Alighiero e Boetti, como si fuese dos personas), y la influencia de su vida en Afganistán también es clara, así como la importancia que para él tiene Oriente Medio en el orden mundial. Hay un dato en especial que me ha llamado la atención, y es la supuesta capacidad premonitoria del artista, que unía el número 11 a imágenes de aviones y Afganistán, todo ello antes de ningún conflicto, ya que murió en el año 1994. ¿Eso ciertamente da que pensar no creéis?

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Until the 11th of April you can see in Marta Cervera gallery, in the space in Plaza de las Salesas 2, some artworks by Alighero Boetti, an Italian artist whose work, clasified as Arte Povera has influenced many. His work is nowadays present in some of the most prestigious museums (i.e Reina sofía, Tate modern, MoMA).

Duality is a constant in his work (he actually signed as Alighero e Boetti), and the influence of his life in Afghanistan is quite clear as well as the importance that for him has the Middle East in the global order.
There is a fact that catched my attention, and is the supposedly premonition-making capacity of the artist, who brought together the number 11 with images of planes and Afghanistan, and everything before any conflict, since he died in 1994. That is something to think about isn´t it?

Fuente: Galería Marta Cervera

La galería Fernando Pradilla (Claudio Coello 20) organiza siempre unas exposiciones muy interesantes, y esta vez no va a ser menos. En el espacio proyectos, que siempre dan un paso más allá, se concentran obras muy dispares y algunas un tanto extrañas de artistas latinos. Mezclan estilos y soportes, pero todos añaden algo al nombre de la exposición, "polimorfos perversos".

Figuras con cabezas de muñecos, dibujos de muñecos de colores, un payaso que da más miedo que risa, una silla con cabeza... Me da la impresión que es como si alguien hubiese entrado en el cuarto de jugar de un niño, y lo hubiera roto y vuelto a montar todo.
¿Qué os parece la exposición? ¿Sorprendente verdad?

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Fernando Pradilla gallery always organizes interesting exhibitions. This time, in projects space, they show a variety of artworks by latin artists, mixing styles and materials. It gives a weird impression, like if somebody took all the toys from a kid's room, broke them and glue them back again.
What do you think about it? Surprising, isn't it?

Fuente: Galería Fernando Pradilla

La galería Leandro Navarro (Amor de Dios 1) presenta una exposición con algunas obras de Joan Miró, del 3 de Febrero al 11 de Abril. Miró es uno de los artistas consagrados que la galería tiene en su fondo y que de vez en cuando saca a la luz.
Hemos hablado ya en un post anterior de Miró, Miró y sus cielos estrellados, pero en esta ocasión la obra que podemos ver es menos colorida y con menos detalles que los cielos. Son todas obras muy características de este artista, en las que podemos observar sus inconfundibles asteriscos a modo de estrellas.

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The Gallery Leandro Navarro presents an exhibition with artworks by Joan Miró from the 3rd of February and the 11th of April. Miró is one of the well-known artists the gallery has in its collection.
We talked about Miró before, in Miró and his skies, but this time, the works that we can see are on paper and less colourful and less detailed than the skies. All have the characteristics of Miro's paintings, like his asterisks used as stars.

Fuente: Galería Leandro Navarro

Jaume Plensa, Barcelonés nacido en 1955, es uno de los escultores de mayor relevancia nacional en España. La obra de Plensa se caracteriza por la dualidad y el juego con los opuestos así como la relación entre el hombre y el entorno. Plensa es conocido por sus esculturas de gran formato, en las que uitiliza materiales muy diversos para conseguir el efecto esperado. La literatura es una de sus fuentes de inspiración más utilizada. 

La galería Estiarte (Almagro 44) presenta del 11 de Febrero al 25 de Marzo, obra sobre papel en gran formato, donde muestra su preocupación por el ser humano, la dignidad y los derechos individuales. Para la realización de estas obras utiliza rostros humanos rodeados de textos escritos en gran tamaño con los que reclama igualdad y derechos. Las palabras suponen un reflejo de lo que sienten o sufren estas personas. Los tonos negros, las salpicaduras, los chorreos de pintura no hacen sino subrayar lo enérgico del texto. 

“Mi obra también ha tratado de conciliar los opuestos. Tal vez sea dentro de esa fricción de dualidades en donde puedo plantear las grandes preguntas de una forma más adecuada y encontrar, en su propia imposibilidad, el camino de la emoción”, dice Plensa.

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Jaume Plensa, born in Barcelona in 1955, is one of the most relevant sculptors in Spain. His work is characterized by the duality and playing with opposites as well as the relationship between human beings and their surroundings. Plensa is well-known for his big format scultures.
This time, Estiarte gallery presents from the 11th of February until the 25th of March big format works in paper. In which he paints human faces surrounded by text reclaming equality and human rights. The big words are used as a reflection of what these people are suffering.

Fuente: Nota de prensa de la galería Estiarte, CAC Málaga

Toda narración y figuración ha sido eliminado en el trabajo de esta artista suiza, Pia Fries. La procupación central en su obra es el color. El método que utiliza es la aplicación de multitud de capas, goteo, amasado o incluso doblado. El resultado es la creación de un amasijo de color y texturas que llaman la atención. Podéis ver la exposición en Distrito 4 (Conde de Aranda 4) hasta el 1 de Abril.

Un fondo de madera pintado de blanco es el soporte de todas las obras. Además de pintura, incorpora a su obra fotografías y grabados con detalles de la naturaleza y serigrafías que sobresalen de los cuadros en diferentes perspectivas.

Lo cierto es que consigue formas y colores sorprendentes. Me ha resultado una obra especialmente atractiva aunque no sé muy bien explicar por qué. ¿No os gusta a vosotros también?
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All narrative and figurative art has been eliminated in this Swiss artist's work, Pia Fries. Her only concern is color. The method to apply it is through dripping, folding, kneads... the result is the creation of a bunch of color and texture that attracts the attention. She incorporates also photography and serigraphy to her work. You can see her latest artwork in Distrito 4, until the 1st of April.

Fuente: Galería Distrito 4

David Bestué y Marc Vives son pareja artística desde 2002. Sus obras se centran en objetos que forman parte de nuestra vida cotidiana, y que normalmente pasarían inadvertidos, de no ser por la atención que le dedican estos artistas.
Sus últimos proyectos han estado enmarcados dentro del arte de acción. Su proyecto "Acciones", se ha centrado en el estudio del espacio: Acciones en Mataró (espacio público), Acciones en casa (espacio particular-privado), Acciones en el cuerpo (un paso más hacia lo privado) y Acciones en el universo (que supone una vuelta a lo más general). Estas acciones han recibido el apoyo de la crítica, lo que les he hecho estar en el punto de mira del arte contemporáneo actual.

Tras finalizar "Acciones", el proyecto "Confirmación" (rito de paso), se ofrece como síntesis, y en este, el protagonista avanza por diferentes escenas creciendo en el proceso, y dejando atrás la adolescencia, convirtiéndose en adulto. El proyecto "Cisnes y ratas" fue presentado a continuación en el Centro de arte dos de Mayo.

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Bestué and Vives are artistic couple from 2002. Their artwork concentrates in objects that are part of our everyday life and that usually will go unnoticed. The proyect that attracted the attention of the critics on them was "Actions". A proyect divided into four different actions, in which they studied the space, from public to private.
After finishing "Actions", the new proyect "Confirmation", was used as a synthesis of the four. And another proyect was presented after that one in the CA2M, called "Swans and rats".

Fuente: el cultural

La obra del artista Norteamericano Jay Heikes, expuesta hasta el 27 de Marzo en la Galería Marta Cervera (General Castaños 5), es una suerte de reconstrucción de la obra de arte, un arte que el artista no ve muriendo (los soportes de escultura y pintura), sino en rehabilitación. El artista toma imágenes, vídeos, carátulas de discos, y las altera creando nuevas relaciones entre la palabra y la imagen. Las piezas reunidas son también una metáfora sobre el intento que hacemos de reconstrucción de la historia, de darle un orden, a veces teniendo como resultado una tergiversación de la misma.

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The work of the North-american artist Jay Heikes, exhibited until the 27th of March in Marta Cervera gallery, is a sort of reconstruction of the work of art, an art that the artist doesn´t see dying but in rehab.

Fuente: Galería Marta Cervera

Philipp Frölich es un pintor alemán del que se está hablando cada vez más en los circuitos internacionales del arte. Sus paisajes misteriosos, rodeados de penumbra y vacios resultan diferentes y con un atractivo especial. Su técnica se basa en tomar situaciones acaecidas en la vida real o inspiradas en un libro o melodía, que transforma en maquetas en su estudio para luego plasmarlas en el lienzo.

En todas las obras es constante también el juego de luces, que consigue atraer la atención del espectador hacia los puntos de la pintura que desea el artista.
Podéis ver 12 de sus obras en la galería Soledad Lorenzo (Orfila 5) hasta el 31 de Marzo.

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Philipp Frölich is a german painter who is becoming well-known in international art circuits. his landscapes, mysterious, empty, surrounded by shadows turn out to be different and somehow attractive.
You can see 12 of his latest works in Soledad Lorenzo gallery until the 31st of March.

Fuente: galería Soledad Lorenzo

Alberto García-Alix es un fotógrafo español de gran reconocimiento. Sus inicios estuvieron muy influidos por la movida madrileña, época en la que su generación protagonizó uno de los momentos más intensos en la historia reciente de la capital. Durante ese periodo se dedicó a retratar lo que le rodeaba, las ganas de vivir y el exceso que reaccionaron a un pasado dictatorial. Más adelante, su obra ha ido evolucionando hacia la abstracción y una mirada más calmada. Fue premio de fotografía en 1999.

Son bastante comunes sus retratos de yonkis, estrellas porno, escenas obscenas... (si le buscais en google encontraréis muchas) amigos, gente de la calle, artistas y él mismo son protagonistas. Ha retratado a algunas caras conocidas de la sociedad española, y es hoy en día uno de los referentes de fotografía más importantes. Ha buscado siempre un retrato íntimo, ahondar en el retratado, que siempre formaba parte de la gente que le rodeaba. La luz y el uso de blanco y negro, han favorecido un retrato más intimista.

"Retratar equivale a prestar atención a lo que te rodea, a otras personas, a tí mismo. En ese esfuerzo por ver, me autorretrato constantemente"

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Alberto Garcia-Alix is a widely recognized Spanish photographer. His career started during the so-called Movida madrileña, a period in which Madrid rebelled against a dictatorial past through recklessness and desire to live. From then on, his work has evolved, reflecting the mood of the society around him.
He uses friends, people in the street, artists and himself, and portraits of drug-addicts, porn stars and obscene scenes are quite common (if you google him you´ll find many).

"Photographing people means paying attention to your surroundings, to other people, to yourself. In that effort to see, I take self-portraits constantly"

Fuente: MUSAC, MNCARS, más imágenes en http://www.neo2.es/blog/2008/10/de-donde-no-se-vuelve/

En el espacio art&books Ivory press (Comandante Zorita 48) presenta la obra de Claes Oldenburg y Coosje Van Bruggen (hoy ya fallecida) del 16 de Febrero al 17 de Abril. La obra de estos dos artistas ha consistido en representaciones de dimensiones gigantescas de objetos cotidianos en espacios públicos.

En esta ocasión, con "The european desktop", ha tomado objetos de sobremesa del siglo pasado, tintero, pluma, calendarios, que ocupaban los escritorios europeos, y que hoy en dia no son más que un recuerdo del pasado.
Hay algunas obras en diferentes edificios, parques o espacios públicos que llaman especialmente la atención.

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In the space art&books, Ivory press presents the work of Claes Ojdenburg and Coosje Van Burggen (now deceased) from the 16th of February until the 17th of April. The work of these artists has always been representation in gigantic dimensions of everyday life objects in public spaces.

Fuente: Ivory press

Del 11 febrero al 20 marzo la galería Marlborough recibe de nuevo a uno de los artistas contemporáneos españoles de mayor renombre. En esta ocasión presenta obras no expuestas anteriormente en España, así como grabados de la serie Mariana. Usa diferentes texturas, colores y luz en la representación del cuerpo humano. Podemos ver obras suyas por grandes ciudades europeas, un ejemplo lo tenemos en Madrid, La dama del manzanares.

La obra de Manolo Valdés está inspirada en los grandes maestros del arte como Goya, Velázquez, Ribera, el Greco o Zurbarán, y no sólo no lo esconde sino que subraya en los títulos que su obra viene inspirada por estos artistas. Destaca siempre imágenes especialmente significativas de sus obras. Valdés formó parte del grupo crónica y es un artista constante en esta galería.

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From the 11th of February until the 20th of March Marlborough gallery receives once again the artwork of one of the most renowned contemporary artists in Spain. This time he shows artwork never seen before in here. His work is inspired by the works of the great masters: Goya, Velázquez, Ribera, el Greco or Zurbarán. He takes parts of the works that have special significance for him and modifies them.

Fuente: Galería Marlborough

La galería Juana de Aizpuru presenta durante el mes de Marzo la obra de Tania Bruguera, una artista cubana que genera polémica allá donde va (un reparto de coca entre el público asistente a la performance, juego a la ruleta rusa en la obra "sabotaje"...)

La exposición de esta artista en Juana de Aizpuru consistirá en acciones no autorizadas que va a realizar durante el mes de la exhibición (24 de Febrero-29 de Marzo), en diferentes lugares. Esta documentación se irá recopilando en la galería en fotografías y textos, para conformar la obra "Phrónesis". La performance captará situaciones cotidianas que se dan día a día en estos espacios institucionales.

Como obra permanente en la galería, se ha instalado "plusvalía", una obra inspirada en el robo del cartel a la entrada de Auschwitz que dice "Arbeit macht frei" (el trabajo os hará libres).

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Juana de Aizpuru gallery presents during March Tania Bruguera's work, a Cuban artist who generates controversy wherever she goes (giving cocaine to the public, playing the Russian roulette...).
This time the exhibition, under the name of "Phrónesis", which will take place from the 24th of February until the 29th of March, is about a series of actions that will take place in different institutions, without permission, and which materials will be compiled in the form of photographs and texts, and put together in the gallery.

Fuente: galería Juana de Aizpuru http://performancepolitica.blogspot.com/

Hasta el 14 de Marzo, hay una curiosa exposición, "Eclipses maximum" en la galería Fúcares (Conde de Xiquena 12), una exposición en la que las obras de Pablo Vargas Lugo relacionan procesos astronómicos. La obra más representativa es un conjunto de monedas, que provienen de 52 países, que han sido recortadas y soldadas para representar una secuencia de eclipses. La elaboración de las monedas no es de forma aleatoria sino que cada una ha sido cuidadosamente diseñada.

Las otras dos obras que conforman la exposición son un conjunto de banderas de Japón y Bangladesh (que son las que representan el sol), en las que el artista ha pintado las manchas solares, y una alfombra vuelta del revés en la que ha pintado ojos de mariposa.
Una exposición un tanto ecléctica.

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Until the 14th of March, there is an odd exhibition in Fúcares gallery. Pablo Vargas Lugo has created three artworks for this exhibition: a collection of coins that come from 52 nations, cut and welded back to form an eclipses secuence, flags from Japan and Bangladesh with sunspots and a turned upside-down carpet, with butterfly eyes paintings. A quite eclectic exhibition.

Fuente: galería Fúcares

Una enorme escultura de Miquel Barceló da la bienvenida al Caixaforum. Un elefante haciendo equilibrios sobre la trompa es la última escultura realizada por Barceló que anuncia la retrospectiva organizada por la Caixa sobre este artista mallorquín. (hasta el 13 de Junio en el Paseo del Prado 36)

La exposición se compone de más de 140 obras, entre las que se pueden encontrar trabajos que no habían sido expuestas hasta ahora, en soportes tan diferentes como cerámica, acuarela, escultura, dibujo, cuadernos de viaje o libros. 25 años de hacer arte están representados en esta exposición, que permite conocer un poco más sobre este artista.

Algunas de las cerámicas que se presentaron en la Bienal de Venecia estarán en la exposición junto con dibujos y acuarelas realizados a partir de sus experiencias en África (entre los que destacan los retratos de gorilas) y restos de las "estalactitas" de la cúpula de la sede de las Naciones Unidas en Ginebra. Buenísimos los videos que circular del cómo se hizo.

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A giant sculpture of an elephant on its trunk welcomes you to the Caixaforum, where you can find an exhibition of 25 years of art creation by Miquel Barcelo. The exhibition consists of more than 140 pieces of art; ceramics, water-colour, drawings, paintings, travel diaries or books. Some of the ceramics shown in Venice Biennial can be seen here, as well as some works inspired by his travels to Africa (gorilla's portraits) and remaining of the stalactites from the United Nations headquarters in Geneva.

Fuente: Caixaforum Madrid

Del 18 de Febrero al 11 de Abril, la galería Javier López (José Marañón 4) presenta la primera exposición individual de KAWS.
KAWS es un artista interdisciplinar (pintor, escultor, diseñador), nacido en brooklyn en 1974, cuya obra toma imágenes de la vida real y las descontextualiza para crear así un universo nuevo, con influencia del graffiti y la publicidad.

La carrera artístioca de KAWS comenzó en las calles de Manhattan, como graffitero, pero pronto se dio a conocer por las pinturas de caras en las paradas de autobús de la ciudad. Destacan sobre todo las de dibujos animados (los Simpson, los pitufos, bob esponja o clones de la guerra de las galaxias) que él modifica pintando XX en lugar de ojos.

En esta ocasión presenta dos esculturas y tres pinturas un poco diferentes a las que conocíamos de él, mezclando bob esponja y michelin, provocando en el espectador una cierta reacción de angustia.

KAWS se ha convertido en un nuevo valor a seguir en el arte contemporáneo. No os perdáis el video si queréis conocer un poco más sobre él. (en inglés)
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From the 18th of February until the 11th of April, the gallery Javier López presents the first solo work of KAWS.
KAWS is an interdisciplinary artist (painter, sculptor, designer) born in brooklyn in 1974, whose work became well-known in the streets of Manhattan.

His career started with graffiti, but was soon recognized and valued. He usually represents cartoons that he used to watch on TV as a child such as The smurfs, the Simpsons, Bob sponge, Chum, or Star Wars' stormtroopers.

If you want to know a bit more, don´t miss the video. This is definately an artist to follow.

Fuente: youtube, Galería Javier López, Kawsone

Dora García es una artista contemporánea Vallisoletana, cuya obra pudimos ver en la galería Juana de Aizpuru el mes de Enero pasado. La obra de Dora se caracteriza por el uso de diferentes soportes, y una búsqueda de identidad de manera muy conceptual, investigando la relación del individuo con su entorno.

La última obra que hemos podido ver era "piezas habladas". En otras obras anteriores la artista utiliza los conceptos de real e irreal, lo contradictorio, lo presente y lo ausente. En "Todas las historias", una selección de textos escritos por la artista son leidos por un narrador anónimo, en "100 obras de arte imposibles", coloca 100 frases en vinilo en un muro expositivo, en "La pared de cristal", dos personas que están en espacio separados, se dan órdenes de acción, a la vez que realizan actos voluntarios, (con esta obra hace un estudio de la identidad, el espacio y la pérdida de control).

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Dora García is a contemporary artist from Valladolid, whose work we could see in Juana de Aizpuru gallery last month. Dora's artwork is characterized by the usage of different methods, and a search of identity in a conceptual way, investigating the relationship between the individual and his/her environment.

Some of the works we have seen are "Speaking pieces", "All the stories": stories written by the artist that are read aloud by an anonymous artist, "100 impossible works of art": 100 texts made of vinyl sticked on a wall, "The glass wall": two persons are in two separated spaces, and they give orders to each other. 

Fuente: galería Juana de Aizpuru, MUSAC

"Ni pena ni miedo" es el nombre de la nueva exposición que organiza Blanca Soto (Alameda 18), de artistas chilenos contemporáneos, del 4 de Febrero al 5 de Marzo. El nombre ha sido tomado de una obra de especial importancia, realizada por Raul Zurita en el desierto de Atacama, la obra más impactante de land-art en América Latina. La frase está escrita en la tierra en letras de 250 metros de largo y puede verse desde el cielo, a muy larga distancia, de hecho si lo buscais en google seguro que lo encontrais, al sur de Antofagasta. 

En esta ocasión se han juntado una serie de artistas en la galería, que no quieren sino mostrar la vitalidad del arte chileno contemporáneo en estos momentos. La variedad de soportes utilizados por cada uno de los artistas y sus diferentes inquietudes a la hora de hacer arte, permite apreciar de forma general hacia donde va el arte chileno hoy. Una buena oportunidad para conocer un poco más sobre artistas latinos.

La exposición la conforman: Arturo Cariceo, Claudio Correa, Eugenio Dittborn, Nicolas Franco, Patrick Hamilton, Diego Opazo, Fernando Prats, Demian Schopf  y Raul Zurita.

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"Without sorrow or fear" is the name of the new exhibition organized in Blanca Soto gallery from the 4th of February until the 5th of March. The name of the exhibition was taken from the name of an land-installation, made by Raul Zurita in the Atacama desert, the most shocking piece of land-art in South America.
This exhibition is an opportunity to see different trends of contemporary art in Chile, and get to know a bit more about latin artists.

Fuente: Galería Blanca Soto

Del 11 de Febrero hasta el 20 de Marzo, la Caja negra (Fernando VI 17, 2ºI) presenta ediciones del artista norteamericano John Baldessari. Baldessari es uno de los artistas contemporáneos de más renombre en norteamérica, y se le conoce sobretodo por el hecho de abandonar la pintura y concentrarse en otros soportes combinando pintura con fotografía o textos. Sus collages son más un reflejo de sí mismo que de la cultura americana.

En esta última serie, el artista lo que hace es llamar nuestra atención sobre el hecho de que en el arte tradicional, las partes de la cara con más importancia eran ojos y boca, mientras que narices y orejas pasaban desapercibidos. En estas nuevas obras, Baldessari representa solo narices y orejas, dejando fuera lo más importante, para que veamos que se cumple que cuanto más queremos ocultar algo, más presente está.
En la última edición de ARCO, pudimos ver algunas obras de Baldessari en las galerías de Los Ángeles.

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From the 11th of February until the 20th of March, La Caja negra presents the latest work of the northamerican artist John Baldessari. Baldessari is one of the best known contemporary artists in northamerica, and he is known mainly for his collage using both photography and painting. In this his last series "noses & ears" he draws our attention to the fact that eyes and mouths were the most important parts when representing faces in traditional art, and noses and ears never had the same relevance.

Fuente: La caja negra

Desde el 19 de Febrero hasta el 1 de Abril, Sergey Bratkov, artista Ucraniano residente en Moscú, presenta en la galería espacio minimo la exposición "Male Games". Un trabajo socialmente comprometido, en el que refleja la realidad Ucraniana del momento.

Al igual que en fotografías anteriores, plasma a sus habitantes tal como son en la dura realidad cambiante en la que viven. Refleja el cambio cultural y económico a través de imágenes muy personales. Imágenes que producen gran tristeza pero cuyos personajes muestran una vitalidad asombrosa.

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From the 19th of February until the 1st of April, Sergey Bratkov, Ukrainian artist living in Moscow, presents in Espacio Minimo gallery the exhibition "Male games". A socially compromised work, in which he reflects the Ukrainian reality of the moment.

Fuente: galería Espacio Minimo

Durante el pasado fin de semana se celebraron en Madrid varias ferias de arte de cierta importancia. ARCO, en Ifema, que ha supuesto siempre un referente en el arte español, o al menos así ha sido hasta ahora, ArtMadrid, en el Pabellón de Cristal, que se veía como una muestra más conservadora del arte actual, y Just Madrid, en el Matadero, y que se supone  lo más en arte emergente del momento. 

Según he leído en algunos diarios, y publicaciones diversas, la feria ARCO, referente del arte en España, ha desilusionado bastante a críticos y expertos por la falta de novedad. Lo cierto es que, como otros años, algunas obras o galerías han resultado bastante atractivas y han generado algo de polémica, pero nada que ver con ocasiones anteriores, donde la polémica y la controversia estaban a la orden del día (en esta ocasión tan sólo una obra ha llamado la atención).

A pesar de las críticas en publicaciones, la verdad es que una vez allí, no se podían ver caras de desilusión por lo que veían, al fin y al cabo, el arte es algo muy subjetivo, y uno no puede generalizar, ya que lo que no resulta atractivo ni sorprendente para uno, sí lo es para otro. Las opiniones respecto a la feria son muchas y muy diferentes, pero se puede decir que para todos fue una experiencia interesante, un lugar donde descubrir a artistas y tendencias que no conocían, y un espacio donde pasar una tranquila tarde de sábado.
 
Artistas mundialmente reconocidos ocupaban la mayor parte de las paredes de los stands, y obras de nuevos pero ya conocidos artistas, se repetían una otra vez por el espacio expositivo. Hablando con visitantes a la feria, he podido constatar que sobre el mundo del arte y más aún sobre la capacidad de atracción de las obras de arte, no se puede opinar demasiado, ya que cada uno puede dar una opinión diferente sobre lo que más le ha gustado de esta feria. Como otros años, ha sido una visita interesante para la mayoría, y esperemos que próximas ediciones sigan mejorando.

Las imágenes son algunas obras que estaban en la feria, que me gustaron a mí o a la gente con la que hablé. Seguro que muchos de vosotros habéis estado en alguna de las ferias. Me encantará conocer vuestra opinión.  
 
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During the past weekend, several art fairs were held around the city. ARCO, which has always been a referent in Spanish art, or at least it has been like that until now. ArtMadrid, seen as a more traditional modern art fair, and JustMadrid, the newest art available in the market today.

The biggest fair, ARCO, has been a little disappointing for critics and art experts all around the country. They considered that the  artworks shown were more a summary of the whole year than a show of new tendencies in art. But, art is something subjective, and everyone can have their own opinion about the work of art being shown. Like previous years, some of the galleries attracted more attention than others, but people to whom I talked to were far from disappointed, they actually enjoyed going to an art-fair and spend a nice Saturday afternoon surrounded by art and artists they didn´t know.  

I´ll be more than welcome to hear your comments about this year's art-fairs.

Fuente: mdrnart en ARCO

Otro artista contemporáneo para nuestra serie de los miércoles: Ion Mikel Euba es un artista Bilbaíno, que utiliza en su obra soportes como vídeo, instalación o dibujo. Su trabajo es un juego de imágenes confusas, extrañas, sin preparar, y sus protagonistas son o él mismo o grupos de gente joven. Nunca trabaja con un guión elaborado de antemano, y de lo que encuentra cuando sale es de donde selecciona lo que va a utilizar luego en sus obras.

Juega con la realidad y la ficción, llegando a angustiar al espectador, que no entiende lo que ve. Recurre repetidamente al coche negro, los ojos cerrados y la vestimenta negra. Son vídeos sin una línea aparente de acción.

Tiene pinta de ser una cosa fácil, no os parece? filmar todo lo que sucede a nuestro alrededor, y montarlo luego sin seguir ninguna pauta ni historia. Os atreveríais a hacer algo parecido y venderlo como arte moderno?

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Another Spanish contemporary artist for our wednesdays series: Ion Mikel Euba is an artist from Bilbao. He uses video, installations or drawings in his work. His artwork its like a game of confused images, weird, without preparation, and his characters are himself or groups of young people. Never works following a script, he selects pieces that he finds on the way, and puts them together looking to provoke in the spectator an distressing feeling.

Seems kind of easy this type of work. Would you dare go out, film something, put it together without a story behind and sell it as modern art?

Fuente: imágenes y texto MUSAC, galería Soledad Lorenzo

Shirin Neshat nació en 1957 en Irán, aunque trabaja y vive en Estados Unidos. En la Fábrica galería (Alameda 9), hasta el 31 de Marzo, podéis ver una exposición de sus fotografías. Neshat busca mover al espectador con sus imágenes, que se presentan como "Conversaciones" entre este y oeste, hombre mujer, opresor oprimido.

En este proyecto que presenta en la galería, muestra partes de una tradición en Laos que hoy se está perdiendo:el cortejo mediante el canto. Hay una verdadera emoción escondida detrás de este ritual, asegura la artista, y es por eso que ella ha querido plasmarlo.

En el video Faezeh, captura la angustia de una mujer, cuyos sueños se ven rotos por una violación. Es un vídeo que quiere mostrar dilemas sexuales y religiosos que surgieron en Irán durante estos últimos años.

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Shirin Neshat was born in 1957 in Irán, although she works and lives in the United States. In la Fábrica Galería, you can see a photographs exhibition. Neshat's objective is moving the spectator with her images, which she presents like "conversations" between east and west, man and woman, oppressor and oppressed.

Fuente: La fábrica galería

Primera exposición sobre Wyndham Lewis (Amherst, Nova Scotia, 1882-Londres, 1957) presentada en España, y la más completa realizada nunca, desde la antológica que le dedicara la Tate en 1956, un año antes de su muerte. A través de más de 150 obras y de sus más de 60 publicaciones, se ofrece un exhaustivo recorrido por la obra artística y literaria de este  polifacético y controvertido artista, una de las figuras clave del modernismo internacional de la primera mitad del siglo XX.

Creador en 1914 del Vorticismo, el único movimiento inglés de vanguardia, Wyndham Lewis fue pionero de la abstracción, pintor de guerra, gran retratista (de célebres escritores contemporáneos suyos, como Ezra Pound, T. S. Eliot, James Joyce, Rebecca West, entre otros-, novelista, ensayista, editor,  crítico literario y de arte; y creador de revistas de vanguardia como Blast o The Enemy. Lewis fue una suerte de “Vanguardia en un solo hombre”, “la personalidad más fascinante de nuestro tiempo”, como escribió T. S. Eliot en 1918: un artista fascinante y aún por descubrir por el gran público. La exposición ha sido organizada por la Fundación Juan March con la colaboración de Paul Edwards, comisario invitado y el principal conocedor de Wyndham Lewis en el mundo, además de la ayuda de otros especialistas en Lewis como Richard Humphreys, Alan Munton o Yolanda Morató, entre otros. Las obras proceden de numerosos museos  y galerías de Europa, Estados Unidos y Canadá, así como de coleccionistas privados.

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First Wyndham Lewis (1882-1957) exhibition presented in Spain, and the most complete ever done since the last exhibition the Tate organised in 1956, a year before his death. Through more than 150 works and more than 60 publications, the exhibit offers an exhaustive tour of the literary and artistic work of this versatile and controversial artist, one of the key figures in the international modernism of the first half of the 20th century.

Fuente: texto íntegro tomado de la web de la Fundación www.march.es

Alicia Framis es una artista española que actualmente vive en Shanghai, aunque podemos encontrar su obra por todo el mundo, desde Bangkok a Nueva York pasando por Barcelona.

La obra de Alicia Framis se centra en contradicciones que ve a su alrededor y a las que busca dar solución. Violencia, convivencia, soledad... son algunos de los temas que trata en sus instalaciones, performances y fotografías. Framis convierte así el arte en una herramienta que propicia una nueva mirada sobre las cosas y favorece un análisis seguido de un cambio de opinión.

Destacan algunas obras como "anti-dog" (un conjunto de vestidos diseñados con tejido anti balas, resistentes al fuego y a las agresiones de perros (violaciones), la obra "Not for sale" es una protesta sobre las condiciones precarias en que viven niños en el sudeste asiático, a merced de las mafias.

Hay unas obras que me han parecido curiosas del año 2002 como "1 refugio para sexo inmediato" (un vestido tienda de campaña), o "dos muebles para una relación eterna" (dos ataúdes compartiendo un espacio).

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Alicia Framis is a spanish artist whose work we can find mainly in Shanghai, were she lives, but also in Bangkok, New York or Barcelona. Her work concentrates on the contradictions that she sees around her, and to which she wants to give a solution. Violence, coexistence, solitude... are some of the topics in her installations, performances and photographs.

Some of her installation were quite recognised like "anti dog" (bulletproof, fireproof and dogsproof dresses), "Not for sale" is a protest for the condition in which kids in southeast asia live, a the mercy of local mafias.

She has other works that I found interesting from year 2002 like "1 refugee for inmediate sex" or "2 pices of furniture for a neverending relationship".

Fuente: aliciaframis, MUSAC

Delila's dance es la obra que podéis encontrar en estos momentos en la galería Helga de Alvear, hasta el 13 de Marzo, en Doctor Fourquet 12.
Dzama utiliza en esta exposición una paleta un tanto triste de colores, marrones y verdes oscuros, no como en obras anteriores, y sus personajes son tanto figuras humanas como animales o híbridos. El mundo de Dzama es en esta ocasión un escenario de bailarines en el que las figuras se muestran con posturas imposibles. Son a veces acciones que no se distinguen claramente, pero cuyo conjunto crea situaciones humorísticas e irónicas al tiempo.

Se ven curiosas verdad? una obra interesante

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Delila's dance is the artwork you can find now in Helga de Alvear Gallery, until the 13th of March.
Dzama uses this time a quite sad palette, made of browns and dark greens, not like in previous works, and his characters are either human figures or animals and hybrids.

Fuente: Galería Helga de Alvear

"Kepler was wrong" es el título de la exposición de este artista Danés, Olafur Eliasson, en la galería Elvira González (General Castaños 3), que estará presente del 19 de Enero hasta el 6 de Marzo.

En la exposición se presentan un conjunto de esculturas, para ser exactos 8, todas ellas relacionadas con el universo y que toman como referencia las Leyes Kepler sobre el movimiento del sol y los planetas. Hay un interés de Eliasson por las formas geométricas, los reflejos, los espejos, el caleidoscopio, astronautas, agujeros negros, meteoritos y cómo la luz incide sobre todo ello, afectando la percepción del espectador. También podemos ver una serie de fotografías del rio Jokla, una constante ya en la obra de este artista, el mezclar obra escultórica y fotografía.

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"Kepler was wrong" is the title of the exhibition Olafur Eliasson presents in Elvira González gallery, until the 6th of March.
In this exhibition he presents a group of sculptures, 8, all of them related to the universe and with reference to Kepler laws about sun and planets movement. There is an interest in geometrical shapes, reflects, mirrors, kaleidoscope, black holes, astronauts, meteorites, and how the light comes in contact with all of it, changing the spectators perception.

Fuente: Galería Elvira González

Esta exposición recibe el nombre de "En orden de aparición", refiriéndose al orden, para el espectador aleatorio, en que aparecen las pinturas en una colección, o los actores en una pelicula. Lo que para el espectador es algo sin explicación, tiene un sentido de ser.

Sandra Gamarra busca también hacer una reflexión sobre la capacidad del arte de provocar una reacción a largo plazo. Ya que piensa que incluso después de haber estado frente a la obra, hay un periodo de reflexión y crítica.

En la galería Juana de Aizpuru, Barquillo 44, del 19 de Enero al 20 de Febrero.
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In Juana de Aizpuru gallery, from the 19th of January until the 20th of February.

This exhibition receives the name "In order of appearance", referring to the order in which paintings appear in a collection, or the actors in a movie, something random for the spectator. She also underlines the capacity of art of giving a long term impression. After seeing a work of art, there is a reflection and criticizing time.

Fuente: galería Juana de Aizpuru

La obra de Fernando Sánchez Castillo se puede considerar una reflexión sobre el poder y la forma velada en que este actúa sobre los ciudadanos. Utiliza como fuentes la iconografía militar, la violencia y el efecto que esta provoca en el ser humano, verbenas y fiestas populares, animales y objetos colocados fuera de lugar (un caballo por la facultad de económicas, o un tanque civil dentro de edificios emblemáticos de diferentes ciudades...) pero una de las obras de las que más se ha hablado es la que presentó en el año 2003, bajo el nombre de Sendero Luminoso, grupo terrorista que opera en Perú.

La galería Juana de Aizpuru es la que recibe de vez en cuando a este artista.

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Fernando Sánchez-Castillo's work can be considered a reflection exercise about power and the hidden ways in which it behaves with citizens. One of the most famous works, many critics have talked about was presented in year 2003, under the name of an armed group that operates in Peru, Sendero luminoso (lightened path). This artist has shown his work in Juana de Aizpuru gallery.

Fuente: MUSAC, elcultural, juana de aizpuru

El día 14 de Enero dio comienzo una nueva exposición en la galería Antonio Machón (Conde de Xiquena 8). La exposición es la segunda individual de Laura Lio, artista argentina que reside en Madrid, y estará presente hasta el día 28 de Febrero.

Laura presenta un conjunto de esculturas y dibujos, en los que representa fuerzas opuestas. Por un lado son el reflejo de un querer quedarse en el sitio, representado por las raíces, y el deseo de volar, de ir más allá, que representa con el pájaro. La contradicción es la guía de este nuevo trabajo: sus obras dicen igual quédate pegado al suelo quieto y permanente, o muévete por el mundo.

De las esculturas, hay una muy curiosa de una casa que echa raíces hacia el suelo y ramas hacia el aire. Y las esculturas cónicas de mimbre y los dibujos reúnen en sí mismos el espacio, el sonido y el vuelo.
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The 14th of January, a new exhibition started in Antonio Machón gallery. Laura Lio will be presenting her newest work until the 28th of February. Sculptures and drawings representing opposite forces. I found very interesting one of a house that was both growing roots towards the floor and branches to the air.

Fuente: galería Antonio Machón

La obra de Juan Francisco Casas estará presente en la galería Fernando Pradilla (Claudio Coello 20) del 14 de Enero hasta el 20 de Febrero. La muestra recibe el nombre de "Foreignaffairs" y es un conjunto de dibujos hechos a boli bic y rotulador negro. La escasez de medios no es óbice para que el artista consiga sorprender al espectador, captando el momento a la perfección.

Sus retratos no son preparados, son instantáneas que sorprenden al retratado, que se muestra tal como es, sin tapujos, y que luego el artista traslada al papel. El momento del retrato es casi siempre después de una noche de marcha, en el que sus protagonistas, ajenos o despreocupados, dan el toque de vitalidad y desenfado que vemos en los dibujos.

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Juan Francisco Casas' work will be in Fernando Pradilla gallery from the 14th of January until the 20th of February. The shows receives the name "foreignaffairs" and is a group of drawings made with biro and black felt-tip pen. His portraits are not prepared, most of them were taken after a night-out, where the main protagonists show themselves as they truly are, without hiding.

Fuente: galería Fernando Pradilla

Guillermo Martin Bermejo hace una recopilación de fotos antiguas, tomadas de internet, que recorta y pega o cose, y coloca en escenarios inventados, para darles un nuevo significado, sin que olvidemos de donde vienen. Juega con la destrucción de la historia que ya sucedió, y la toma como base para representar su idea sobre la destrucción actual.

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Guillermo Martin Bermejo makes a compilation of old pictures, taken from the internet, and he cuts and glues or saws them and puts them in invented sceneries, to give them a new significance. Plays with the destruction that already occurred, and develops from there his idea of the present destruction.

Fuente: galería Travesía Cuatro

"One way only", la última exposición del coreano Changha Hwang en Marta Cervera (General Castaños 5) del 12 de Enero al 13 de Febrero, es una pintura muy abstracta; un conjunto de lineas rectas en forma de red que con el uso de diagonales y ángulos así como de colores fuertes consigue darle movimiento a la obra.

Hay presentes referencias tanto geométricas, en los colores planos como orgánicas, en la pintura diluida e irregular.

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"One way only" is the latest exhibition of the Korean artist Changha Hwang in Marta Cervera (until the 13th of February). The paintings are very abstract. Based on straight lines and geometrical shapes, they manage to give movement to the paintings, using diagonals and angles. There are references both organic and geometrical in them.

Fuente: Galería Marta Cervera, www.artnet.com

Lara Almarcegui es otra de las artistas contemporáneas de las que se está hablando mucho en los últimos años. El trabajo de Lara se centra en partes del paisaje urbano que se encuentran desocupados, es decir, edificios demolidos, descampados, lugares en transformación.

Lara interviene directamente sobre estos espacios, y documenta la acción. Una guía de descampados, la reconstrucción de un mercado, la excavación de un agujero en un descampado, la transformación de una estación de tren abandonada en un hotel... estos son algunos ejemplos de las obras de esta artista que la han hecho merecedora de un hueco en el panorama artístico contemporáneo español.

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Lara Almarcegui is one of the contemporary artists that has been talked about during the past years. Lara´s work is based on parts of the urban landscape that is now vacant. Demolished buildings, empty spaces, places in transformation. Lara intervenes in these spaces and documents the action.

Fuente: MUSAC, Galería Pepe Cobo y cia , onedaysculpture, el cultural

La exposición actual en Soledad Lorenzo es cuanto menos sorprendente. Iñigo Manglano Ovalle presenta una gran tienda de campaña blanca, dada la vuelta, como arrastrada por el viento, que nos recibe en la sala principal. Un video de camiones extractores de sal pasando muy cerca de nosotros, con una planicie de sal de fondo, que arrulla al espectador y lo atrapa. Y una representación de la bomba lanzada en Nagasaki espera en la sala final. Una vuelta a un tema ya tocado por el artista en ocasiones anteriores: las armas biológicas.

El artista se pregunta: "Qué es bello y qué es monstruoso?"

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Iñigo Manglano Ovalle presents in this new exhibition in Soledad Lorenzo a huge white tent, upside-down, like carried by the wind, a video of salt-extracting-trucks and a representation of Nagasaki´s bomb.

The artist asks himself: "What is beautiful and what is montrous?"

Fuente: galería Soledad Lorenzo 

La galería Oliva Arauna (Barquillo 29) organiza esta nueva exposición de Rosa Brun, que ya ha estado en varias ocasiones presente en la galería. La obra de Brun es siempre muy colorista, y destaca por su uso de colores planos y formas geométricas. Lo cierto es que comparando con otras exposiciones anterioes, no ha habido mucho cambio, como podéis ver en estas dos fotos (una actual, y la otra del año 2008).

Superficies planas, monocromas, a las que les da la artista una explicación un tanto compleja pero de la que no veo más que un lienzo de color, muy decorativo.
Quizás vosotros veis más que yo?
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Oliva Arauna gallery presents the latest work of Rosa Brun. Monochome and colourful paintings, more decorative than anything else. Maybe you can see more than me?

Fuente: galería Oliva Arauna

Cristina Lucas es una de las artistas contemporáneas de las que más se está hablando últimamente. Es una de las 10 personas seleccionadas por el crítico Perán, incluídas dentro del artículo del cultural sobre el arte en la última década.

Lucas utiliza medios como instalaciones, fotografía, vídeo o dibujo en sus obras. Obras con un marcado carácter crítico, tanto de las estructuras de poder como del deseo del hombre de dominar la naturaleza.

En una de sus obras, hace una crítica a la iglesia Católica, en otra critica a jóvenes narcisistas con síndrome de Peter Pan, en otra cuestiona la relación entre artista, público y obra... siempre teniendo como telón de fondo la vanidad, suficiencia y arrogancia del ser humano.

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Cristina Lucas is a contemporary artist whose work has been talked about in the last decade in Spain. She uses installations, photography, video or drawings, criticising power structures and the human desire of dominating nature.
In her works she criticises the Catholic church, narcisist youngsters with Peter Pan syndrome, or the relationship among artists, works of art and the public.

Fuente: El cultural, MUSAC

La galería Estiarte (calle Almagro 44)  organiza en estos momentos una exposición de tres grandes artistas Británicos. Podréis visitarla hasta el día 7 de Febrero. Los artista que colaboran en la exposicición son:

Ian Davenport, cuya obra abstracta crea a partir del deslizamiento de la pintura sobre el óleo, creando formas rectas u onduladas según como manipule la obra, Michael Craig-Martin, que presenta una obra digital que modifica obras reales, en este caso, utiliza la obra de Velázquez, las Meninas, con la que juega digitalemente.

Y finalmente, Julien Opie, que toma retratos, paisajes, y los reduce a su mínima expresión. Manipula digitalmente fotografías hasta que se convierten en simples trazos.

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Estiarte gallery, organizes these days a collective exhibition of three great British artists. You can go visit it until the 7th of February. The artists present are: Ian Davenport, with his abstract works, Michael Craig-Martin, deconstructing Velázquez, and Julien Opie, whose photographs he manipulates digitally until they are mere traces.

Fuente: Galería Estiarte

Luis Feito es un pintor Español nacido en Madrid. Feito formó parte del grupo El Paso en el año 57, junto con otros artistas de renombre como Saura, Millares, Chirino o Rivera. El grupo se dedicó a la pintura de vanguardia, el informalismo y el expresionismo abstracto. Aunque el artista comenzó con un periodo figurativo, seguido de experimentación cubista, pronto se decantó por la abstracción.

Feito utiliza en sus comienzos superficies en colores blanco, negro y ocre, y mezclas de óleo y arena. Utilizará formas geométricas a lo largo de su obra, e irá incluyendo nuevos colores para dar intensidad a su obra. El rojo será una constante en su obra. 

Pudimos ver alguna de sus obras en la colectiva conjunta de Rayuela y Juan Gris.

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Luis Feito is a Spanish painter born in Madrid. Feito took part in the group El paso, in the year 57, with other artists as well known as Saura, Millares, Chirino or Rivera. The group was dedicated to avant-garde, informalism and abstract expressionism.

Feito uses in his work surfaces white, black and ochre coloured. He used geometrical shapes along his art life, and started adding new colours (mostly red) which give intensity to the paintings.

Fuente: web del artista Luis Feito

Hasta el día 15 de Febrero podéis visitar una exposición que vale la pena, de uno de los artistas españoles más conocidos de la mitad del siglo XX, Manuel Rivera.Si tenéis oportunidad de ir, verdaderamente es un artista que debemos conocer.

La galería Arnes Ropke (Juan de Mena 12, 1D) presenta la obra metamorfosis, en la que Rivera utiliza como material principal planchas de metal, a las que da forma creando movimiento y espacio.

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Until the 15th of February you can visit an exhibition really worth it, in Arnes Ropke gallery. They show the work by Manuel Rivera, one very important artist from the middle years of the 20th century.

Fuente: Galería Arnes Ropke

Isabel Villar es una de las artistas Naif españolas de más renombre. Sus obras son como sacadas de sueños, en los que niñas rubias, menudas están siempre acompañadas de animales salvajes (tigres, jaguares, monos, lobos...). La figura masculina no está presente en sus obras, y son paisajes característicos españoles los que sirven de fondo para sus cuadros. 

Podéis encontrar estas obras en el fondo de galería de Juan Gris, en Villanueva 22 y la obra Niña en rio con león y guepardo, está en estos momentos dentro de la exposición colectiva conjunta en las galerías Rayuela y Juan Gris.   

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Isabel Villar is a well-known Naif artist whose work can be found in Juan Gris gallery. She always represents small blond girls accompanied by wild animals such as tigers, monkeys or wolves. A world of poetry and dreams.

Fuente: Galería Juan Gris

El artista Pierre Gonnord presenta en la Sala Alcalá 31 su última colección de fotografías hasta el 28 de Febrero. La exposición recibe el nombre de Terre de personne, y es una clara evolución respecto a sus obras anteriores. Gonnord es conocido por sus retratos, y esa capacidad de captar la mirada sin máscaras.

En esta ocasión, viajó a pueblos aislados del norte de España y Portugal, y allí fotografió no sólo habitantes de las zonas rurales como mineros, agricultores o marinos sino también el paisaje. Ha puesto su mirada de retratista en el paisaje, queriendo sacar de ellos la energía, forma y naturaleza.

Sus retratos son siempre llamativos por la fuerte personalidad de los retratados. Son personajes con carisma, y con vidas peculiares, para nosotros urbanitas.
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The artist Pierre Gonnord presents his latest work in Alcalá 31 until the 28th of February. The exhibition receives the name Terre de personne, and is a clear evolution from his previous work. Gonnord is known for his portraits, and that ability of capturing the real look, without masks.

This time, he travelled to remote villages in the north of Spain and Portugal, and there he photographed not only the rural inhabitants like miners, agriculturers or fishermen but also the landscape.

Fuente: lacomarcadepuertollano

La revista El cultural publicó un artículo hace un par de semanas con un listado de artistas considerados, según expertos en arte, representantes del arte actual. Hablaremos sobre algunos de ellos, que han participado en exposiciones en alguna de las galerías que seguimos, durante las próximas semanas.En el artículo, nombran a Cristina Lucas, Lara Almárcegui, Fernando Sánchez-Castillo, Alicia Framis o Jon Mikel Euba entre otros.

Deberíamos preguntarnos para todos y cada uno de ellos, hasta qué punto es esto arte o es más locura del "artista" y el público que lo mira. ¿Fotos a un agujero? ¿Mujeres tirándose del pelo a sí mismas? ¿Animales atados colgando del techo?

Si el arte contemporáneo significa romper con lo anterior y hacer algo más llamativo... ¿qué nos esperará la próxima década?
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El cultural magazine published an article a couple of weeks ago, in which they listed some artists considered, by experts in art, the representatives of actual art. We will talk about some of them, who have participated in exhibitions in some of the galleries we usually talk about, during the next weeks. In the article they mention Cristina Lucas, Lara Almárcegui, Fernando Sánchez-Castillo, Alicia Framis and Jon Mikel Euba among others.

We should ask about each of them, to which extent is this art, or is more artist's or public craziness. Photos of a hole? Women pulling out their own hair? Animals hanging from the ceiling?

If contemporary art means breaking with previous art and making something more shocking... what can we expect to come in the next decade?

Fuente: El cultural , artnet.com

El poeta y pintor Albert Rafols Casamada, murió en Barcelona el pasado Diciembre. Rafols formó parte de un grupo de artistas reconocidos, inmersos en el mundo de la abstracción. Su carrera fue una mezcla de escritura y pintura, que se complementarían a la perfeccción. Dejó tras de sí escritos sobre arte, teóricos, y poemas que acompañaban a sus pinturas.

Aunque sus comienzos fueron más bien impresionistas, pronto se dejó influenciar por las nuevas técnicas abstractas. Su temática se ha basado en el mediterráneo, siendo siempre capaz de plasmar esa luz que solo existe en los alrededores de este mar. Pudimos ver una de sus obras en la exposición colectiva que organizaron conjuntamente Juan Gris y Rayuela durante estas fiestas.
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The poet and painter Albert Rafols Casamada, died in Barcelona the past December. Rafols was part of a recognized artists group, immersed in the abstraction world. His career was a mixture of writing and painting, that were always perfectly complemented. He left behind art essays, and poems which accompany the paintings.

His start was more impressionist, but he was soon influenced by the new abstract techniques. His themes are based on the mediterranean sea and its colours. We could see one of his works in the collective exhibition organised by Juan Gris and Rayuela galleries.

Fuente: Galería Juan Gris, Galería Rayuela, la jornada semanal

Hasta este sábado 16 de Enero podéis visitar la exposición retrospectiva de Yolanda Blanco en la galería Movart (Conde Duque 28). Blanco muestra una colección de esculturas de madera y bronce, en las que representa figuras de acróbatas, trapecistas y figuras mitológicas. Cada una de sus esculturas es una escena cotidiana, y todas tienen rasgos reconocibles, familiares.

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Until this saturday 16th of January there is a retrospective exhibition of Yolanda Blanco in Movart gallery. Blanco shows a collection of wood and bronze sculptures in which she represents acrobats, trapeze artists and mythological figures. Each of the sculptures is a representation of an daily life situation and all have familiar features.

Fuente: Galería Movart , web yolanda blanco 

Interesante exposición de una artista checa, Swetlana Heger. Una mezcla de fotografías e instalaciones en la galería Casado Santapau (Conde de Xiquena 5). Su obra se caracteriza por la crítica social.

En esta serie, "animal farm", la artista hace referencia no solo a la novela de George Orwell sino también a la retirada de la figura de Stalin (erigida en 1961) y reconvertida en esculturas de animales que fueron posteriormente colocadas en parques Berlineses.

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Interesting exhibition by a Czech artist, Swetlana Heger. A mix of photographies and installations in Casado Santapau gallery. In this series "animal farm", the artist refers to not only the novel by George Orwell but also the withdrawal of the Stalin sculpture (built in 1961) and made into animal sculptures placed lately in Berlin parks.

Fuente: galería Casado Santapau

En la galería Heinrich Ehrhardt (San Lorenzo 11) hasta el día 30 de Enero, podéis encontrar durante estos días una interesante exposicicón "En la cuerda floja" con artistas que aún no habían estado presentes en esta galería, y que destacan por ser artistas emergentes. Participan en la muestra Busto Bocanegra, Miren Doiz, Kiko Pérez, María Jesús Garcés, Gonçalo Sena y André Romão.

Presentan un proyecto muy interesante, en el que las obras de cada uno de ellos han sido realizadas de acuerdo al lugar y en relación a las obras de los demás. Hay un reflejo de diferentes corrientes del arte como el minimalismo o arte povera, así como pintura y escultura. Se ha hablado en diferentes medios sobre esta exposición, y creo que es una buena oportunidad para conocer hacia donde va el arte hoy en día.

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In Heinrich Ehrhardt gallery, until the 30th of January, you can find during these days an interesting exhibition "On the razor´s edge", with artists that have not yet been in this gallery before, and who stand out for being emerging artists. Participating in the show are Busto Bocanegra, Miren Doiz, Kiko Pérez, María Jesús Garcés, Gonçalo Sena and André Romão. They present a very interesting project, in which each of the works is made based on location and in relation with the works of the others. There is a clear reflect of different techniques, like minimalism or arte povera, as well as painting and sculpture. There has been much talk about this exhibition in different media, and I think this is a good opportunity to see what is being done nowadays in art.

Fuente: galería Heinrich Ehrhardt

La galería Salvador Díaz, en Sánchez Bustillo 7, presenta en estos momentos la muy interesante obra de Kepa Garraza. Las obras que forman este proyecto, son una cronología de las actuaciones de un grupo terrorista imaginario, BIDA (brigada Internacional para la destrucción del arte), que tiene como objetivo acabar con las obras más importantes de los museos. Dentro de las obras "atacadas" están el David de Miguel Angel, las Señoritas d'Avignon de Picasso, o el secuestro de Damian Hirst. Garraza se pregunta de esta manera sobre la necesidad de destruir toda forma y estructura anterior, para crear a partir de ahí un arte nuevo y mejor.

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The gallery Salvador Díaz presents during these days a very interesting exhibition of Kepa Garraza. The paintings in this project are a chronology of the acting of an imaginary terrorist group, which objective is to destroy the most famous works of art. They attack the David by Miguel Angel, Picasso's Señoritas d'Avignon or kidnap Damian Hirst.

 

Fuente: Galería Salvador Díaz

En la galería Pepe Cobo y cia (José Marañón 7), se muestra en estos momentos la obra reciente de Gabriele di Matteo. "Quadro di famiglia", consiste en la copia del cuadro de las Meninas de Velázquez, a tamaño real, pero en 16 partes cada cuadro (costumbre que se seguía en ciertas épocas, para así vender más fácilmente los cuadros). Un total de 400 lienzos es lo que el artista ha pintado, copiando en la medida de lo posible la obra inicial.

El resultado es un conjunto de lienzos, todos del mismo tamaño, y todos diferentes, que son a la vez copia y auténtico, ya que al fin y al cabo llevan algo del propio artista.
Interesante verdad? así todos podemos tener una pequeña parte de tan reconocido cuadro en casa.

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In Pepe Cobo y cia gallery, they are showing now the most recent work of Gabriele di Matteo. "Quadro di famiglia" (family portrait), consists of a copy of Las Meninas, from Velázquez, in real size, but in 16 pieces each. a total of 400 pieces is what the artist has painted, copying, as good as he could, the first painting. The result is a group of paintings, that can be considered both copies and originals, since the artist himself is reflected in each work.

Interesting right? this way we can all have a tiny part of a famous painting at home.

Fuente: Galería Pepe cobo y cia

Para Crewdson, el hecho de que la fotografía sea algo estático, sin un antes y un después, no es una limitación sino una fuerza, tal como él mismo dice. Es su forma de conseguir que el espectador se meta en la imagen y le de su propia explicación.

Crewdson capta en esta serie de fotografías situaciones de la vida cotidiana americana, en las que los personajes se ven envueltos por una atmósfera de angustia. Estas situaciones no son aleatorias, sino que él mismo, junto con un equipo de filmación prepara la escena para tomar las fotos. Sus fotografías son parte de una narración, de la que es imposible adivinar el antes o el después.

Esta exposición se podrá visitar en la Fábrica galería, en la calle Alameda 11 hasta el 30 de Enero.

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For Crewdson, the fact the photography is static, without a before or after, it´s not a limitation but a strength, like he himself says. It is his way of achieving that the spectator gets into the image and gives his/her own explanation.

Crewdson, with the help of a filming team, prepares the scene to take the picture, which is always a reflection of the north-american life. His photos are a part of a narration process, of which you never see the continuation.
You can visit this exhibition in la Fábrica gallery, until the 30th of January.

Fuente: la Fábrica galería

Hasta el 23 de enero, la Galería Fúcares (Conde de Xiquena 12) presenta en su sede de Madrid una exposición de los últimos trabajos de Carlos Schwartz. Un conjunto de obras formado por esculturas, fotografías y objetos ensamblados. Escaleras que no llevan a ninguna parte, rampas que se estrellan contra la pared, todo ello iluminado con focos, tubos fluorescentes y bombillas que dejan ver sus cables. La exposición se convierte así, con cada obra, en un camino imposible de realizar.

Un árbol de listones que crece hacia la luz, una farola de pantalla transparente… lo que el artista llama “tropismo positivo”, esa búsqueda de luz de todo ser. Humano, animal o vegetal.
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Until the 23rd of January, Fúcares gallery presents in their Madrid space the latest works of Carlos Schwartz. Stairs that take you nowhere, a ramp that ends in a wall, all illuminated with spotlights, fluorescent tubes and  light bulbs whose cables can be seen. The exhibition becomes this way, with each work, a path impossible to follow.

A tree made of wood sticks, growing towards the light, a transparent shade street-lamp…what the artist calls “positive tropism”, a light search of every being. Human, animal or plant.

Fuente: galería Fúcares

En la galería Fernando Pradilla (Claudio Coello 20) organizan durante este mes, hasta el 9 de Enero una exposición del artista Venezolano Starsky Brines.

La obra de Brines deja entrever una cierta nostalgia por la magia de la infancia. Utiliza en sus obras trazos fuertes y violentos, con colores planos primarios principalmente. Sus personajes transmiten una gran carga irónica, y la obra se muestra como elemental y poco realista pero muy intensa. El artista refleja seres que muestran su exterior e interior.

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In Fernando Pradilla gallery (Claudio Coello 20) they organize this month, until the 10th of January an exhibition of the recent work of Starsky Brines, a Venezuelan artist.

Fuente: Starsky Brines, Fernando Pradilla  

Damas, desnudos, curas y cópulas son los nombres con los que el propio Saura denominó a sus colecciones relacionadas con el erotismo.  Gran parte de los dibujos fueron realizados en una época en la que la censura era común y es por eso que Saura utilizó sus dibujos para caricaturizar a los curas.

Estos dibujos y obra gráfica muestran a la mujer  y su desnudo como elemento central. El conjunto constituye parte de la obra de Saura que desde el 2005 muestra la galería La Caja Negra (Fernando VI  17, 2ºI).

Saura es un artista reconocido internacionalmente, dato que podemos constatar por las obras suyas que poseen numerosos museos. Es uno de los fundadores de el Paso, junto a Millares, Feito y Canogar, un movimiento artístico que ya en el 57 huía de la abstracción formal. 

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Ladies, nudes, priests and copulations are the names Saura himself gave to his collections related to eroticism. Most of the drawings were made in a time when censorship was quite common. The collection is part of the showing that since 2005 La Caja Negra gallery organizes. 
Saura is a world-wide recognized artist, whose works are all around the world in different museums.

Fuente: Galería la caja Negra

Desde el año 1909 la Galería Joan Gaspar ha mostrado en sus espacios de Barcelona y Madrid obras de gran importancia de artistas muy conocidos. Es por eso que durante este mes de Diciembre, en el espacio de Madrid (General Castaños 9) , podréis disfrutar de obras que han pasado por esta galería desde hace ya muchos años. Obras de grandes maestros como Picasso, Miró, Braque o Clavé, y artistas modernos consolidados como Brinkmann, Isern o Sampol.  Además, la galería pone a disposición del visitante, información sobre su propia historia, lo que comenzó como una tienda de marcos, es hoy una galería de referencia en el arte moderno.

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Since year 1909 Joan Gaspar Gallery has been showing important artist’s work in both Barcelona and Madrid spaces. This month, to celebrate 100 years in the arts-world, they organize an exhibition with works by great masters like Picasso, Miró, Braque or Clavé, and modern artists like Brinkmann, Isern or Sampol.

Fuente: galería Joan Gaspar

La galería May Moré, en General Pardiñas 50, organiza una exposición que recibe el nombre de “Vaheada” pintura de agua, de Sergio Barrera, desde el 11 de diciembre hasta el 23 de enero.

Barrera consigue plasmar la relación entre las sombras y el agua en sus cuadros. La pintura al secarse sigue reflejando una cierta fluidez, las pinceladas alargadas y curvas hacen que asomen figuras cóncavas y convexas en los lienzos planos.

Barrera se ha basado en esta ocasión en la idea de que la pintura comenzó antes de que nos diéramos cuenta en los reflejos de la naturaleza en el agua, y las sombras de los árboles sobre la tierra; a partir de esta idea toma sombras y agua como referencia en su obra más actual.
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May Moré gallery shows the latest work by Sergio Barrera, called “Vaheada” (water paint) from the 11^th of December until the 23^rd of January.  Barrera manages to capture the relationship among shadows and water in his paintings.

When the paint dries, still reflects a certain fluency, long and curved strokes make concave and convex shapes appear. His work is based on the idea that painting started with the reflections of nature in the water and shadows of trees on the earth. From this idea, he takes shadows and water as a reference for his latest work.

Fuente: Galería May More

Hasta el día 11 de Enero se muestra en el museo Reina Sofía una colección de pinturas, carteles, fotografías y esculturas de los artistas Popova y Rodchenko, representantes principales del constructivismo ruso.
Ambos artistas realizaron sus trabajos entre los años 1917 y 1929, y se centraron en la abstracción geométrica. Aunque en los primeros años se centraron en la pintura, poco a poco fueron dando más importancia a otros soportes como carteles, medios audiovisuales o incluso ropa.

Kandinsky fue para ambos una gran influencia, lo que se puede observar en algunas de sus primeras obras, aunque pronto rechazaron su uso del color. El movimiento constructivista surgió después de la revolución soviética en 1917, como forma de avanzar en el arte y la arquitectura, hacia el socialismo. Este hecho hizo que las vanguardias rusas constituyeran una ruptura aún mayor que las europeas, ya que estaban reforzadas por un apoyo institucional.

Esta exposición de Popova y Rodchenko, organizada por la Tate Modern, es una muestra de las teorías constructivistas que consiguieron cambiar el arte ruso.

 

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Until the 11th of January, you can visit in Reina sofía Museum a collection of paintings, posters, photos and sculptures of the artists Popova and Rodchenko, main representatives of the Russian constructivism.

Both artists did this work between 1917 and 1929, and concentrated on geometric abstraction. Although at the beginning they did paint, soon gave more importance to other types of art such as posters, audiovisual media or even cloths.

Kandinsky was for both a great influence, which we can observe in some of the first works, although they soon rejected his usage of colour. The constructivism movement was born after the soviet revolution, in 1917, as a way of moving towards socialism in architecture and arts. This fact made Russian avant-garde a greater rupture than that of the Europeans, since they were reinforced by institutional support.

This Popova and Rodchenko exhibition, organized by the Tate Modern, is a sample of the constructivism theories that changed Russian art.

Fuente: Museo Reina Sofía

"Twice removed" es el título que le ha dado Susan Collis a su exposición en la galería Espacio Mínimo (Doctor Fourquet 17), hecha con objetos encontrados a los que les da una segunda vida, utilizando en su transformación piedras preciosas o semi-preciosas.

A primera vista lo que nos encontramos es un barullo de objetos, que como restos de una exposición anterior se extienden por el espacio. Tornillos, maderas rotas, restos de pintura, trapos sucios... pero al acercarnos, podemos observar que no son lo que aparentan ser sino que la artista los ha querido transformar en algo diferente mediante el uso de clavos de oro o platino, pintura que es en realidad lapislázuli y manchas en trapos que no son tales sino bordados.

Hace la artista un curioso juego de percepción y realidad. Materiales que a primera vista son de desecho, y que creemos sin ningún valor, se convierten al acercarnos en materiales económicamente valiosos. Con esto parece que la artista consigue una mayor interacción con el espectador, haciendo que este busque el material que hace a la obra en cuestión un objeto de más valor. A mí personalmente no me pareció nada interesante a primera vista pero, tengo que admitir que diferente es. Vuestros comentarios serán bien recibidos.

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Twice removed is the title Susan Collis has given her exhibition in Espacio minimo gallery, made with found objects to which she gives them a second life by transforming them with precious or semi-precious stones.

At first sight, we see the exhibtion as a group of objects, left from another exhibit, but, when you get closer, you can see they are not what they look like. The artist transformed them by using golden or platinum nails, lapislazuli painting and stained cloth that is not stained but embroidered. It is game of perception and reality. Objects that look at first sight like something with no value, become precious.

Fuente: Galeria Espacio mínimo

Me he tomado la libertad de tomar las palabras publicadas por el cultural, el día 30 de Octubre, ya que son una buena síntesis de la misma:

[] Esta monográfica fotográfica del gran escultor ruso presenta nada menos que 125 obras -en su mayoría, impresiones de época- traídas del Musée Nicéphore Niépce (Chalon-sur-Saône, Francia). La muestra, ordenada por géneros, contribuye a “justificar” la opinión que defiende que “la actividad de Rodchenko como fotógrafo quizás sea la más original y duradera de su producción”, destacando sus propósitos de “abstracción de la imagen”, que él buscaba a través de exploraciones poco habituales de ángulos, perspectivas, picados y contrapicados. Enfocando exageradamente la cámara hacia arriba o hacia abajo, obtenía unos poderosos sistemas de diagonales -denominados “perspectiva y escorzo rodchenkianos”-, al tiempo que utilizaba de manera escultórica el juego modelador de la luz y la sombra.

Estos registros situaron a Rodchenko entre los artistas que en los años 20 vincularon la fotografía con el cine. Por su fuerza objetiva -casi escultórica- y por su penetración psicológica destaca en esta exposición la serie de retratos de personalidades del entorno del artista, captados todos ellos “con el misterio individual de su carisma”. Sorprende, de otra parte, su capacidad para expresar el movimiento del cuerpo humano y de las masas populares, y el ingenio y poderío plásticos de sus fotomontajes.
Escrito por José Marín Medina

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I took the liberty of taking some words written in "el cultural", since it´s a good explanation of the exhibition. Here its a summary: In Fundación Canal there is an exhibition of 125 photoghaphs of Rodchenko whose objective was the abstraction in photoghaphs. The usage of perspective and counterperspectives, light and shadows, situated this artists in the filming-photography world in the 20's. He had a special ability to express the movement of the human body and of the masses and he was able to make amazing photomontage.

Fuente: Fundacion canal, El cultural,

En Caixaforum se puede visitar hasta el 21 de Febrero una exposición de Hannah Collins. La artista presenta tres films y fotografías relacionadas con estos. Presenta en esta exposición su visión sobre "la fugacidad de la vida moderna y la interrelación entre memoria e historia" plasmándolo mediante imágenes.
Presenta tres videos bajo los nombres: La Mina, Paralelo e Historia en curso. Trabajos hechos en España, Francia, Rusia, Inglaterra, Italia, Turquía y Suráfrica. Y refleja con ellos la realidad del mundo con sus complejidades, deseando siempre un mundo mejor.

La Mina, presenta la vida actual de la comunidad gitana en Barcelona; Parallel, las experiencias de tres inmigrantes africanos en diferentes ciudades de Europa y Current history, filmado en la Rusia central, durante catorce días en invierno, presenta la vida de una familia.
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Hannah Collins presents until the 21st of February in Caixaforum, three films about different perspectives on modern life. The Mine, about the gipsy community in Barcelona; Parallel, three inmigrants in Europe, and Current history, the story of a family in central Rusia.

Fuente: Caixaforum, artium

Hasta el día 31 de Diciembre en la galería Marta Cervera, en General Castaños 5, hay una exposición colectiva, con obras de artistas americanos. Son un conjunto de obras de formato pequeño, casi demasiado pequeño para el tamaño de la galería.

La temática de esta exposición podría definirse como pintura sin pintura. Una constante en la obra de Aldrich es el uso de técnicas como cortes, estiramientos y collage en sus pinturas, que acaban siendo todo menos pinturas cuando uno se acerca a ellas. La obra three figures, de Aldrich, es una de las más conocidas del artista. Los otros dos artistas, Bianca Beck y Josh brand, también utilizan en sus obras seleccionadas para esta exposición esta misma técnica, dando como resultado una exposición poco colorida y un poco vacía.
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until the 32st of December, in the gallery Marta Cervera in General Castaños 5, there is a collective exhibition, with works by american artists. it´s a group of works of small format. The tecnique used by the three artists could be painting without paint. Stretching, cutting and collaging are constants in Aldrich's work.

Fuente: Galería Marta Cervera 

En la galería Metta exponen hasta el 10 de Enero el trabajo de Elisabeth Aro "Big show", y quien mejor que la propia artista para que nos cuente por qué decidió hacer esto... a continuación, un texto tomado de la página de la galería Metta.

"Estoy interesada en formas que reflejen la complejidad de sentimientos, ideas, pensamientos y problemas que ocurren dentro del ser humano. A veces quiero llegar al interior y hacerlo visible porque estos pensamientos o problemas, se hacen tan grandes, tan obsesivos, que no dejan espacio moverse. Me interesa proyectar esos pensamientos y memorias de forma física; para mí, es entonces cuando se convierten en objetos a nuestro alrededor, se convierten en accesorios."

"Muchas de mis esculturas están creadas con materiales delicados como el terciopelo y brocado, lo que les confiere un poderoso impacto. En otras, el uso de otros materiales menos fuertes como fieltro y raso permiten as espectador concentrarse en la iconografía de la imagen."
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In Metta gallery there is an Elisabeth Aro exhibition until the 10th of January, and who better than the artist to explain why she did it. This text was taken from Metta gallery webpage.  

 

"I am interested in forms that reflect the complexity of feelings, ideas, memories, thoughts and problems occurring inside a human being." "Many of my sculptures are created from delicate and rich materials including velvet and brocade which confer a powerful impact. In other sculptures the use of less powerful materials such as felt and satin allow the viewer to concentrate on the iconography of the image."

Fuente: Gallería Metta

"Amiga de un amigo", es el título de la primera exposición de Kate Sheperd en la galería Elvira González, exposición que está teniendo lugar del 19 de Noviembre al 6 de Enero.

La obra de Kate Sheperd sufre un profundo cambio en el año 96, y desde entonces se centra en composiciones geométricas, como las que podemos ver hoy en la galería. En su obra, primero utiliza una capa monocroma, en colores brillantes, lacados, en superficies lisas, para luego encima, crear con finas lineas dibujos geométricos. Dibujos que pasan de ser simples líneas atravesando el dibujo a complejas redes que atrapan al espectador.

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"Friend of a friend" is the title of the first exhibition of Kate sheperd in Elvira González gallery. It takes place from the 19th of November until the 6th of January. Kate Sheperd´s work consists of a first layer of a bright lacquered colour, and then thin lines in white, which make a geometrical figure. Drawings that from being simple lines that cross the painting become complex webs that catch the spectator.

Fuente: galería Elvira González 

Hasta el 10 de Enero, seguirá en la Fundación Telefónica (Gran Vía 28) una exposición del arquitecto contemporáneo Oscar Niemeyer. La exposición está formada por fotos, películas, maquetas y documentos que reflejan la originalidad de los proyectos que han dado renombre internacional a este arquitecto Brasileño.
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Until the 10th of January will continue in Fundación Telefónica an exhibition of the contemporary architect Oscar Niemeyer's work. The exhibition consists of photos, films, scale models and documents that reflect the originality of the projects that made this Brasilian architect become world-wide known.

Fuente: Fundación Telefónica

Del día 23 de Noviembre al 10 de Enero podeís visitar en la galería Travesía Cuatro (Travesía San Mateo 4) la tercera exposición individual de Gloria García Lorca. En esta ocasión la exposición recibe el nombre de "Natural History". La artista basa su trabajo en la naturaleza y sus formas, y sus obras sugieren lugares familiares y formas anteriormente vistas aún sin llegar a ser tomadas de ningún lugar concreto. 

Los materiales que utiliza son muy diversos, dependiendo de la forma que le quiera dar a su obra, y siempre son trabajos estáticos, aun dando la sensación de movimiento.
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From the 23rd of November until the 10th of January you can visit in Travesía Cuatro gallery the latest work of gloria García Lorca. Her work is based on nature, and she takes elements from it, whitout being from an specific location, giving the impression of a familiar place. The materials she uses are very diverse, depending on the result she wants to achieve. These are always static, although they look like they are in movement.

Fuente: galería Travesía cuatro

Ana Laura Aláez es una joven artista Bilbaína que presenta su último trabajo en la galería Soledad Lorenzo (Orfila 5), del 24 de Noviembre al 5 de Enero.
Aláez busca desde sus comienzos destacar en lado hedonista de la vida. La moda y la cosmética es el pilar central de su obra, y ha recurrido a ellos en cada exposición. Sus proyectos de video e instalaciones a menudo la tienen a ella como protagonista. La estética pop es un estilo recurrente en su trayectoria.

En esta ocasión sin embargo, esa referencia pop y brillante no es tan clara, y nos sorprende con una colección de esculturas, instalaciones y fotografía que en nada se parecen a proyectos anteriores.
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Ana Laura Aláez is a Spanish artist who presents her latest work in Soledad Lorenzo gallery, from the 24th of November until the 5th of January. This time the pop style we are accustomed to with Aláez changes, and she shows us a collection of installations, sculptures and photographs, not at all like the work we have seen before.

Fuente: Galería Soledad Lorenzo

Francis Bacon fue uno de los grandes pintores del siglo XX. De origen irlandés, centró su obra en la representación del ser humano angustiado por la vida. Representó la fragilidad, la muerte y la nostalgia mediante autorretratos, y una plasmación "postpicassianas" del cuerpo humano.

Es común en su obra la presencia de una sola figura, hombre o mujer, dentro de una estancia cerrada. Hay una mezcla de estilos desde el expresionismo al surrealismo. Es uno de los pintores más influyentes del siglo XX a pesar de haber dejado la pintura de lado durante muchos años, y no haber conseguido reconocimiento en mucho tiempo. El alcohol, su afición al juego y su homosexualidad asumida son fuertes condicionantes de la vida de este artista, que posteriormente traslada a su obra.
El Museo del Prado realizó una exposición sobre este artista a principios de 2009.
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Francis Bacon was one of the most important painters of the 20th Century. He concentrated his work in representing the anxiety of the human being. He represented fragility, death and nostalgia through self-portraits. He is one of the most influential painters of our time. Alcohol, gaming and an assumed homosexuality were determining factors of his life.
Prado Museum had a exhibition of this artist at the begining of 2009.

Fuente: Museo del Prado

Michal Rovner es una artista israelí, poco conocida en España, cuya obra está durante estos días en Ivory press (Comandante Zorita 48). La exposición, que recibe el nombre de Frequency, está compuesta por documentos y objetos que evidencian la necesidad de comunicación en el ser humano. El espacio art+books se torna perfecto para una exposición de estas características.

La obra Fields of fire, rodada en los campos de petróleo de Kazajstán, es también parte de esta exposición, y es una obra de gran impacto emocional dado el uso que hace del sonido y de la imagen. El video se proyecta en una sala con una pantalla enorme, y de esta forma consigue meter al espectador en ambiente. El rugido del fuego resulta sobrecogedor. Es una muestra muy completa de la obra de esta artista, que logra mediante el silencio, el ruido y la luz, ese impacto buscado en el espectador. Las proyecciones móviles de pequeñas personas sobre rocas, resultan muy atrayentes y tienen un extraño efecto hipnótico.
Si aún no conocéis este espacio, esta es una muy buena ocasión para ir a verlo, es una exposición impresionante.

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Michal Rovner is an Israeli artist, not well-known in Spain, whose work is now being shown in Ivory press. The exhibition is formed by documents and objects related to communication, and videos and images that she took while in Kazajstan, visiting the oil fields.

Fuente: web de Michal Rovner, Ivory press

La exposición "Lágrimas de Eros" es una suerte de itinerario pictórico que va desde la representación de la inocencia, a la tentación, y llega hasta la muerte pasando por la pasión. Esta exposición se ha realizado de forma conjunta por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, y se puede visitar hasta el 31 de Enero, comprando las entradas de manera anticipada en el Thyssen.

Se muestran un conjunto amplio de obras que van desde el siglo XVI hasta hoy. Hay todo tipo de estilos representados en la muestra, y alguna obra de estilo moderno o contemporáneo está también incluída. Como la fotografía de Marina Abramovic a la que ya conocemos por su exposición en La Fábrica galería.

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The exhibition "Tears of Eros" is a pictoric itinerary that represents inocence, tentation, passion and death. This is a combined exhibition, organised by thyssen Museum and Caja Madrid foundation. It can be visited until the 31st of January. (entrance ticket can be bought in Thyssen Museum in advanced).
The show is a group of paintings from the XVI century until today. Some modern art has been included in the show. Like this photograph from Marina Abramovic, who we already know from her exhibition in La Fábrica gallery.

Fuente: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid

Un error electrónico fue lo que originó el cambio en la trayectoria artística de Zimmermann. Las imágenes figurativas en las iba a basar su obra, se transformaron poco a poco en formas abstractas, que consiguen crear un algo nuevo partiendo de lo real.

Los trabajos que presenta en esta ocasión están realizados con resina epoxy y medios digitales. El sofá brillante es el único que no pertenece a su obra más reciente. Y saliéndose de lo que suele hacer, las gotas en la pared hechas con resina se consolidan como protagonistas de la exposición, pareciendo haberse escapado de la pintura de las obras de alrededor. Es una exposición definitivamente muy colorista y atractiva a la vista. La podéis ver hasta el 28 de Enero en Distrito 4 (Conde de Aranda 4).

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A mistake in the electronic process of some images, was the turning point in this artists' work. Since then, he started to use those images as the starting point for the creation of more abstract paintings.
In this exhibition he uses resin and digital materials. The sofa is the only not-recent work, and the resin in the walls makes itself the most original work in the space, looking like dripping that came from the other paintings around it. You can see it until the 28th of January in Distrito 4 gallery.

Fuente: web del artista Peter Zimmermann, galería distrito4

Pablo Genovés utiliza en su nueva exposición en la galería Estiarte (Almagro 44), espacios culturales como bibliotecas, un museo, palacios, iglesias, y los transforma mediante la fotografía en espacios invadidos por la naturaleza.

Hace de estos espacios una suerte de apocalipsis cultural. Con esto no quiere sino llamar la atencion sobre los cambios en la cultura y en la sociedad. Lo cultural ya no se valora como debiera, solo importa lo nuevo, lo material es lo que está a la orden del día, y aquellos espacios que en forma de postales se enviaban por el mundo, han perdido vigencia.

Genovés retoma en esta ocasión una fotografía más clásica que en sus anteriores trabajos, y vuelve al papel y al chorro de tinta tradicionales. Podéis visitar la exposición hasta el día 15 de Diciembre.
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Pablo Genovés uses in his new exhibition in Estiarte gallery spaces like libraries, museums, a church or a palace, transforming them by the usage of photography in spaces invaded by nature. He wants to reflect the changes in society and culture. The cultural spaces are not as valuable, and nowadays capitalism is the king. You can visit the exhibition until the 15th of December.

Fuente: galería Estiarte

La exposición está compuesta por una serie de vitrinas con maniquíes en su interior y dos instalaciones. Cada obra es un “comentario” sobre el mundo en el que vivimos, "complejo, caótico, cruel, pero a la vez hermoso y espléndido”, según el propio artista. Del 9 de Octubre al 5 de Enero de 2010.
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The exhibition consists of a series of showcases and two installations. Each work is a "comment" by the artist of the world we live in, "complex, chaotic, cruel, but beautiful and splendid" at the same time. From the 9th of October until the 5th of January.

Fuente: La casa encendida

9 de octubre de 2009 – 10 de enero de 2010
Co-producción de Laboral Centro de Arte y Creación Industrial y CA2M Centro de Arte Dos de Mayo

Auto. Sueño y materia analiza la presencia del automóvil en el arte contemporáneo. A través de más de un centenar de obras de sesenta artistas, procedentes de España y del extranjero, la exposición plantea la relación entre la cultura del coche y la creación artística durante las últimas décadas. La práctica totalidad de las obras presentadas corresponden a las dos últimas décadas, pero con un fuerte acento en el momento actual, un periodo a lo largo del cual la lectura e interpretaciones acerca del coche desde el campo artístico han ido adquiriendo tanta densidad y complejidad como perspectiva crítica y distanciada acidez. El automóvil ha sido y continúa siendo uno de los medios más eficaces de encarnación material de los sueños. Ahora los artistas se preguntan sobre la realidad de dichos sueños.
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Cars.Dream and materia analises the presence of cars in contemporary art. More than 100 works from more 60 artists, both Spanish and foreigners. The exhibition looks at the relationship between art creation and car culture. Cars have been and still are the most eficient material incarnation of dreams. From the 9th of October until the 10th of January.

Fuente: Centro de Arte 2 de Mayo

"El ojo de la pasión necesita leche para ser sangre" es el título de la exposición que presenta Ana Crespo en Astarté (calle Montesquinza 8), durante los meses de Noviembre y Diciembre.

Ana Crespo es una artista interdisciplinar que trabaja con pintura, fotografía, instalación o escultura. Elige los materiales a partir de lo que para ella simbolizan. Investiga diferentes tradiciones, y busca respuestas que pongan en relación la vida, el arte y lo espiritual.

 

Según sus propias palabras: “Creo que la imaginación es una de las mayores responsabilidades en manos del ser humano, lo imaginado abre una puerta, traza un surco por el cual futuros “caminantes” podrán discurrir."
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"The passion eye needs milk to be blood" is the title of the new exhibition Ana Crespo shows in Astarté (Montesquinza 8) during the months of November and December. She is a very versatile artist and uses painting, photography, installation and sculpture. She chooses the materials based on the symbolism they represent for her.

Fuente: arteinformado, Astarté

 

La serie fotográfica The Kitchen:Homage to Saint Therese, de la Yugoslava Marina Abramovic se presenta por primera vez en la Fábrica galería (calle alameda 9), del 6 de Noviembre al 12 de Diciembre.

La obra de Abramovic es de gran importancia dentro del arte de la performance, y está presente en las colecciones de grandes museos. La influencia de su tierra natal, Yugoslavia, se ve reflejada en toda su trayectoria artística. En esta ocasión la artista hace un homenaje a la vida de Santa Teresa de Ávila, tomando como escenario las cocinas de la sede La Laboral en Gijón. Estas 9 fotografías serán parte de una exposición "The artists is present" que tendrá lugar en la primavera de 2010 en el MoMA de NY.

Estas fotografías se basan en unos textos escritos por la Santa sobre su experiencia en la levitación:
"[ ] a veces mi cuerpo entero ha estado influido hasta el punto de ser elevado desde el suelo. Parecía que cuando intentaba resistirme una gran fuerza me levantara. Confieso que me metía de lleno un gran miedo, un gran miedo es más al principio: viendo un cuerpo que se eleva de la tierra, aunque el espíritu se detiene (con gran dulzura como sin resistencia), los sentidos no se pierden; al fin era tanto yo como poder ver que estaba siendo elevada... Después el éxtasis se terminó, Tengo que decir que mi cuerpo parecía a menudo flotar, como si todo el peso hubiera ido, tanto que de vez en cuando apenas supe que mis pies tocaban el suelo..."
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The photography series "The Kitchen: Homage to Saint Therese", from the Yugoslavian Marina Abramovic, will be present for the first time in La Fábrica gallery (Alameda 9), from the 6th of November to the 12th of December.

Abramovic´s work is of great importance in the performances art, and she is present in well-known museum´s collections. In this occasion, pays tribute to Saint Therese of Ávila and her experience in levitation. These 9 photos will be part of a bigger exhibition "The artists is present" in the next spring in MoMA NY.

Fuente: La fábrica galería

La galería Max Estrella (Santo Tomé 6)  presenta del día 10 de Noviembre al 9 de Enero la exposición "super-posiciones" de Carlos León.

En esta nueva muestra del artista, plasma paisajes, jardines, abordando de nuevo el expresionismo abstracto. Utiliza nuevos materiales, que le permiten en algunas obras una vuelta a la geometría que nunca ha dejado de estar presente en su trayectoria pictórica. La obra de Carlos León se ha caracterizado desde sus promeras exposiciones por una pintura monocroma que en esta ocasión evoluciona a una paleta de colores más amplia en cada obra. Siguen predominando los colores de la tierra, verdes, rosas y marrones, entremezclándose. Las super-posiciones son series de 3 hasta 5 láminas transparentes, pintadas cada una con unos tonos, que el artista une creando así nuevas obras partiendo de otras anteriores.
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Max Estrella (Santo Tomé 6) gallery presents the 10th of November until the 9th of January "super-positions", from Carlos León.

In this new exhibition, the artist captures the esence of gardens and landscapes, using the abstract expressionism technique. Uses new materials that allow him going back to geometry, which has always been prersent in his work. He mainly uses earth colours in his paintings, such as greens, pinks and browns.

Fuente: Galería Max Estrella

La galería La Caja negra (en la calle Fernando VI, 17 2ºI ) presenta una nueva exposición de John Beech, que podrá verse hasta el día 5 de Diciembre. La obra de John Beech es muy colorista, tanto en instalaciones como en dibujos, como podemos ver en estas fotos de anteriores trabajos. Promete ser una exposición interesante, y llamativa.

Ha realizado multitud de dibujos de contenedores en diferentes ciudades del mundo, mobiliario urbano, instalaciones, y fotografía dibujada. En esta página podéis encontrar multitud de obras de este artista.
En esta ocasión muestra una recopilación de obras que son a la vez pintura y fotografía, o pintura y escultura. Toma objetos extraños, plataformas, embalajes, y los modifica mediante la pintura, o recubriéndolos de otros materiales. Las fotografías pintadas en esta exposición se convierten en tres obras dentro de una, ya que tanto pintura como fotografía por separado podrían considerarse obras de arte.

Estoy seguro que cada uno vemos algo diferente... ¿Ves pintura? ¿o ves Fotografía?

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La caja Negra gallery organises a new John Beech exhibition, which can be seen until the 5th of December. Beech´s work is very colourful and it is sure to be an interesting exhibition. He shows in this exhibit a compilation of painted photos, which can be seen as three artworks in one, since photo and painting are artworks themselves.

I am sure we all see different things... Do you see a painting? or a photograph?

Fuente: La caja Negra nota de prensa

Ruth Gómez es una artista Vallisoletana, cuya obra busca reflejar las realidades cotidianas que la rodean mediante la utilización de vídeos de animación, música y dibujo digital.

La obra de Ruth Gómez se muestra en esta ocasión algo diferente a anteriores exposiciones. El color rosa ya no es el color predominante, aunque sigue habiendo un uso destacado, y el escenario selvático de sus dibujos le dan un nuevo sentido a sus animaciones. Con influencias de la publicidad y el cómic.
Su nueva exposición, recibe el nombre de "Las ilusiones fantásticas" queriendo reflejar con ello esa ilusión o fantasía que nos permite seguir adelante en momentos difíciles.

La exposición se podrá visitar en la Galería Oliva Arauna, en Barquillo 11, hasta Diciembre.
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Ruth Gómez exhibition in Oliva Arauna looks to reflect the everyday life realities that surround her, using animation videos, music and digital drawings. this new exhibition, with the name "Fantastic illusions" shows those illusions that allow us to keep forward in difficult times.

Fuente: Galería Oliva Arauna

Elvira González (Calle General Castaños nº3) muestra durante este mes (hasta el 14 de Noviembre) un conjunto de obras de Adolfo Schlosser.

Adolfo Schlosser es un artista de origen austríaco, socio fundador de la revista Humo (formado también por los artistas Eva Lootz, Juan Navarro Baldeweg y Patricio Bulnes). La obra de Schlosser se centra en la naturaleza que le rodea, que le inspira y de la que toma materiales como barro, hollín, paja, ramas y piedras. 

Destacan las obras que utilizan troncos de árboles y ramas, con los que crea escenarios que recuerdan a cultos ancestrales y ritos solares prehistóricos (como su obra el cielo sobre la tierra, a imagen del Templo del cielo en Beijing). Siente una especial predilección por el uso de materiales encontrados y utiliza en sus obras materiales blandos como la arpillera o piel recubierta de grasa.
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Adolfo Schlosser is an austrian artist who lives in Madrid. He is co-founder of Humo (an artists magazine in collaboration with Eva Lootz, Juan Navarro and Patricio Bulnes). Schlosser´s work concentrates on the nature that surrounds him, which inspires him and from which he takes materials like mud, straw, soot, branches and stones.  You can see his latest work in Elvira González.

source: Elvira Gonzalez gallery

 

Imanol Marrodán es un artista interdisciplinar, que lo mismo realiza esculturas de gran tamaño, como son "Conversaciones entre Oteiza y Serra", o "la deriva del cielo", videos, pintura mural, instalaciones como "materia de sueño"...

En esta ocasión presenta un conjunto de obras realizadas con técnica mixta, escultoarquitectura, pintura, impresiones con tinta de carbón, fotografía e instalaciones... un poco de todo dentro de un mismo espacio. La exposición recibe el nombre de "What you see is what you get" (Lo que ves es lo que recibes), y estará expuesta desde el 29 de Octubre hasta el día 10 de diciembre en la galería Blanca Soto (Alameda 18).

Si tenéis la posibilidad de ver la exposición, me gustaría conocer vuestra opinión. ¿Veis un hilo conductor en las obras expuestas? Personalmente me da una impresión un tanto desordenada... ¿qué os parece?

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Imanol Marrodán is an interdisciplinary artist who uses very different techniques. In this occasion he uses sculpture-architecture, painting, coal ink printings, photography and instalations. A bit of everything in one space. The exhibition receives the name "What you see is what you get", and will be exhibited until the 10th of December in Blanca Soto gallery (Alameda 18).

Fuente: Galería Blanca Soto

Luis Cruz Hernández es un pintor Vallisoletano que está exponiendo en estos momentos en la Galería Metta (Calle Villanueva 36), y cuya obra será exhibida hasta finales de octubre.

La exposición, con el nombre "A las cosas hay que mirarlas", son un conjunto de lienzos, realizados en técnica mixta, en los que se destaca aún más la capacidad de cambio y evolución de este artista. Cruz sigue un camino, en constante evolución, de constante cambio, que sin duda alguna anuncia más cambios aún.

Su obra quiere ser un reflejo honesto de la realidad, que plasma sin subterfugios, haciendo que los colores llamativos desaparezcan, y el conjunto de la obra quede con un tono apagado, como la realidad que nos rodea. Su pintura comenzó por el camino de la abstracción, añadiendo aquí y allá guiños a la figuración, hasta que en esta última serie, la figuración se ha convertido en el eje central, el protagonista, alrededor del cual se mueve lo abstracto, que para nada ha sido abandonado.

Otro detalle que destaca en su obra, es la perspectiva divergente, utilizada a la contra de lo que dictan las técnicas tradicionales del arte. Su mirada se convierte en el centro del cuadro, desde el que pinta, en perspectivas diferentes, formas y trazos. Con esto consigue que el espectador se esfuerce en mirar la obra, que un simple vistazo no sea suficiente para verla. En los cuadros aparecen personajes inesperados, que no tienen sentido de estar ahí, que rompen la superficie del lienzo, e invitan a la contemplación. La simple mirada permite ir más allá, y encontrar algo que antes no se veía, eso es lo que el artista parece querer decirnos en esta nueva serie.  

Fuente: galería Metta  

La galería Juana de Aizpuru, en Barquillo 44, presenta hasta finales de Octubre la obra de Jordi Colomer. Colomer utiliza como soportes el vídeo, la instalación y la fotografía, para plasmar historias de personajes extraños. Obras que presentan decorados interesantes y ambiguos personajes en extrañas circunstancias. En esta ocasión, presenta unos videos tomados en una calle de México, avenida Ixtapaluca, en las que se repite el escenario de casas adosadas. Graba una calle entera, tomada a nivel de calle, en otro sobrevuela urbanizaciones de casas todas iguales... pero esta igualdad y esta constancia se rompen cuando lo vemos a pie de calle, ya que los ruidos, la gente, los diferentes ambientes y decoraciones de los jardines, las hacen parecidas aunque no iguales.

Hay un gran interés del artista por la arquitectura, tanto los espacios colectivos como los privados, y la influencia que estos tienen en sus habitantes. Cuestiones como el decorado o el hábitat vienen estructurando el trabajo de este artista desde hace tiempo. Hay un intento por parte de Colomer de entender las estructuras individuales y colectivas desde el punto de vista artístico.
En su obra predominan escenarios construidos entorno a objetos o materiales, en los que hay una narración, un relato centrado en el individuo y las relaciones sociales, con un enfoque muy teatral.

Fuente: web del artista: Jordi Colomer  galeria Juana de Aizpuru

 

Georg Baselitz es uno de los artistas vivos más importantes de su época, ha sido una importante figura en el desarrollo del arte en la Alemania de posguerra, y multitud de artistas han seguido su estela. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos durante su vida, y su obra ha llamado la atención por transgresora en diferentes épocas.

Sus primeras obras se caracterizaban por el uso de imágenes sexuales explícitas, luego pintó figuras monumentales, y un día en 1969, decidió darle la vuelta a un cuadro que pintaba, y desde entonces, pinta las figuras en sus cuadros del revés. Según dice el propio artista, "Para empezar, no sigo pintando así porque esté loco. Estoy bastante bien de la cabeza, y ese planteamiento es algo en lo que pienso constantemente. En segundo lugar, una idea fija puede durar mucho tiempo, toda la vida. En tercero, un artista tiene que hacer algo distinto. Aunque sea un cambio muy pequeño, alguien tiene que ser el autor de ese cambio, de ese distintivo."  

Baselitz es también conocido por sus grabados y por sus esculturas en madera. Algunas de sus obras se pueden ver hoy en Madrid, expuestas en la galería Heinrich Ehrhardt (situada en el patio interior de San Lorenzo 11). No es un espacio muy grande, pero se puede apreciar bien el estilo de la obra más reciente de este artista en obras como Braunung o Verdunkelung. Baselitz presenta en Madrid una serie pintada a principios de este año, cuya temática es el pintor frente a la obra. El artista que se enfrenta a un lienzo en blanco, en que sólo ve su propia sombra. en esta ocasión vuelve a retomar la figuración invertida, que provoca un sentimiento de desorientación en el espectador.

 

Fuente: Nota de prensa galeria Heinrich Ehrhardt, epdlp.com

Luis Gordillo es un artista español, nacido en Sevilla, que formó parte de las vanguardias españolas de la década de los 50. Tras una estancia en París, se comenzó a interesar por las vanguardias, y siguió la estética de grupos como Dau al set o Art Autre. Más tarde la figuración y el pop-art llaman su atención. En las décadas 80 y 90, Gordillo se sitúa a caballo entre las tendencias figuracionistas anteriores, y una técnica más abstracta. Gordillo es una de las figuras más importantes en la evolución hacia las vanguardias primero y la abstracción después del panorama artístico español.  

Podréis ver algunas de sus obras en la galería la caja negra. Del 17 de septiembre al 24 de octubre presenta su último trabajo gráfico, llamado "Archipiélago". Un conjunto muy colorista de 12 serigrafías. Es una obra que refleja muy bien el estilo pictórico de Gordillo, tanto su tratamiento del color como de la forma. En estas serigrafías se tocan temas que el artista ha ido incluyendo continuamente en su obra, lo que hace que estas se conformen como un vocabulario esencial de su trabajo, un compendio de básicos sobre su obra. La muestra son piezas destacadas que muestran su método de trabajo, en el que usa la seriación, alteración y reconstrucción de imágenes. A partir de mediados de mes habrá disponible un catálogo de la exposición con textos del artista, Luis Gordillo y David Barro.

Fuente: artespain, losclaveles.info, elpais.com, arteinformado