La galería Espacio mínimo (Doctor Fourquet 17) presenta hasta el 23 de Julio una serie de fotografías tomadas por el fotógrafo Martin Parr en varios lugares del mundo. En esta serie no toma fotografías de la clase obrera o clase media, que fueron sus protagonistas en series anteriores, sino que esta vez se centra en la clase alta, los ricos y nuevos ricos que participan en los más elegantes y caros eventos alrededor del mundo.

El dato más curioso de la exposición es que el significado de las imágenes ha ido cambiando según se han ido tomando (desde 2003). El hecho de que todas fueran tomadas antes de 2009, nos hace reflexionar sobre el influjo que la crisis financiera global ha tenido en la clase alta, que ya no se muestra tan dispuesta a lucir sus riquezas en público.

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Espacio mínimo gallery presents until the 23rd of July a series of photographs taken by Martin Parr in several places around the world. This time he takes pictures of the upper class. Those that participate in luxurious and elegant events around the world. The interesting thing about this exhibition is that the meaning has changed with time. The fact that all the pictures were taken before 2009, makes us think about the influence that the financial crisis has had on the upper class, not so willing to show veryone their possesions anymore.

Fuente: galería Espacio mínimo

Bajo el nombre de "Mañana", el artista Gerardo Aparicio presenta sus últimas obras en la galería Antonio Machón (Conde de Xiquena 8) hasta el día 25 de Junio. Un conjunto de obras abstractas, en las que destaca el uso del cromatismo. 

El propio artista explica con pocas palabras el significado de esta exposición. Para él es el reflejo del desasosiego interior y las contradicciones que vive. Y el titulo, que a primera vista pudiera parecer optimista, lo que quiere comunicar es la incertidumbre futura, y un temor a lo que viene después.

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Under the name "Tomorrow" the artist Gerardo Aparicio presents his latest work in Antonio Machón gallery, until the 25th of June. With this title he wants to reflect the uncertainties of the future and the contradictions in which he lives in.

Fuente: Galería Antonio Machón

La galería Cayón ha reunido en el espacio habitual de Orfila 10, y en uno temporal en Castelló 19 una interesante exposición colectiva con obras de muy diversos artistas (hasta el 30 de Julio). Encontramos obras de Palazuelo, Chirino, Barbadillo, Knop Ferro o Herminio, presentadas todas juntas en un espacio mucho más grande que el habitual.

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Cayón gallery has got together in the usual space in Orfila 10 and in the temporary one in Castelló 19, an interesting compilation of artworks by different artists (until the 30th of July). We can find works by Palazuelo, Chirino, Knop Ferro or Herminio, presented all together in a space much bigger than usual.

Fuente: Galería Cayón

La galería Elvira González (General Castaños 3) expone hasta el 30 de Junio cuatro esculturas de gran formato de John Chamberlain, artista norteamericano. Las obras están hechas con acero pintado, retorcido y estrujado, que proviene de carrocerías de coches. Las obras están exentas, situadas en mitad del espacio, para que así el espectador pueda pasearse entre ellas y apreciar todos los puntos de vista que se le ofrecen.

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Elvira González gallery shows until the 30th of June four large-scale sculptures of John Chamberlain, northamerican artist. The artworks are made of painted steel, twisted and crumpled, that comes from car bodywork.

Fuente: galería Elvira González

La galería Pilar Parra & Romero (Conde de Aranda 2) presenta del 1 de Junio hasta el 31 de Julio la obra de Stefan Bruggemann. El nombre dado a la muestra es Permanent production of excess (red, green, blue).

Bruggemann utiliza para sus obras materiales diversos así como técnicas distintas. Entre los trabajos pasados he encontrado algunos que me han parecido curiosos. La colección Nothing boxes, cajas apiladas en espacios vacíos, las instalaciones lumínicas bajo el nombre de Obliteration series o las obras escritas en muros, Text pieces. Es un artista interdisciplinar que utiliza de igual manera escultura, instalaciones o dibujo en sus obras.

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Pilar Parra & Romero gallery presents from the 1st of June until the 31st of July the work of stefan Bruggemann. The name given to the show is Permanent production of excess (red, green, blue).
Bruggemann uses different techniques and materials in his artworks. Among those I found some interesting ones: Nothing boxes, the Obliteration series or the Text pieces.

Fuente: galería Pilar Parra & Romero, Stefan Bruggemann

Luis de Garrido. Geoda 2055. oficinas

En la Fundación Canal podrás disfrutar de una recopilación de proyectos relacionados con el medio ambiente y la arquitectura.
La exposición se llama “Hacia otras arquitecturas: 24 proyectos sostenibles”, fue inaugurada el 25 de Mayo y estará hasta el 25 de Julio de 2010.
Encontrarás fotografías maquetas y paneles explicativos relacionados con la construcción sostenible.
Sin duda un encuentro que cambiará nuestra percepción sobre arquitectura

Yeang. Solaris Building 

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Fundación Canal reviews 24 sustainable projects of national and International architects.

The exhibition's name is “Hacia otras arquitecturas: 24 proyectos sostenibles”, (from 25th of May until 25th of July)
Here you will find several photographs, scale model buildings and some exhibition panels related to sustainable construction.

It will undoubtedly influence our perception of architecture.

Ambasz. Eni Tower

Images & Source: Fundación Canal

Me ha llamado la atención esta descripción del artista de sí mismo que he encontrado en su web, y me ha parecido interesante compartirlo con vosotros, así como algunas de sus obras.

"Nunca soy lo que se espera de mí. Al contrario que otros de mi generación, mi obra adolece de continuidad. Sin predisposición consciente a una trayectoria desconcertante, aparezco y desaparezco con cada colección; soy un creador desobediente y mi estilo no es reconocible como el de otros. No he encontrado un solo estilo por el que guiar cada extracción de mis sentimientos, por el que filtrar cada cosa que quiero decir; que necesito decir".

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It got my attention this description that the artist does of himself in his website, and I found it interesting sharing it with you, as well as some of his works.

"I am never what I am expected to be. My work lacks continuity, as opposed to the work of others who belong to my generation. I appear and disappear in each series without a conscious predisposition to a disconcerting course. I am a disobedient creator and my style is not recognizable as that of others. I have not found one single style through which to guide the extraction of my feelings; to filter what I what to say. Nevertheless, in this lack of  continuity I still preserve a common language – the language of my profound preoccupations; of my perennial interests".

Fuente: Fernando Bayona

Richard Hamilton, pintor, grabador y teórico, es uno de los artistas vivos de más reconocimiento. Es considerado el padre del pop británico, y en estos momentos está en dos exposiciones a la vez en la capital.

Por un lado presenta una muy pequeña muestra, bajo el nombre de pequeña retrospectiva, en la galería Juana de Aizpuru (Barquillo 44, 1º), y también podéis encontrar obtras suyas en el Museo del Prado, dentro de un conjunto de obras de varios artistas en las que se representan las Meninas de Velázquez bajo el punto de vista particular de cada uno de ellos.

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Richard Hamilton, painter, engraver and theorist, is one of the alive artists more recognised. He is considered the father of the British pop and nowadays he has two exhibitions at the same time in Madrid. One in Juana de aizpuru and another one, part of a collective show in Museo del Prado.

Fuente: arteinformado, Juana de Aizpuru, Museo del Prado 

El camino entre dos puntos es un vídeo realizado por Sebastián Díaz Morales, basado en su Argentina natal. La galería Pepe Cobo (José Marañón 7) presenta este vídeo de 80 minutos del artista martes y jueves a las 20.30. Una forma diferente de presentar una obra de arte, no creéis?.

Aparecen los paisajes de la patagonia, vacíos, con el viento soplando sin parar, espacios abiertos, desolados, como si un tifón acabara de pasar por allí. El video nos lleva por el camino, sin un objetivo aparente, lo que hace preguntarse al espectador en qué acabará todo, qué nos encontraremos al final. La sensación final que permanece es que el camino seguirá ahí donde está mientras que nosotros ya nos habremos ido.

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The way between two points is a video made by Sebastián Díaz Morales, based on his hometown, Argentina. Pepe Cobo gallery presents this 81' video from the artist tuesdays and thursdays at 20.30. A different way of showing art, don't you think?

Fuente: Revista Claves de arte

En la Galería La caja negra (Fernando VI, 17, 2ºI) tienen ahora una exposición, que durará hasta el día 12 de Junio, de Jose Mª Díaz Maroto, bajo el nombre de Luz y sombra. Parece que unas cuantas galerías se han puesto de acuerdo para mostrar fotografías en las que la luz es el protagonista.

El artista quiere con ello destacar las dualidades norte-sur, frio-calor, bien y mal. Lo cierto es que resulta una muestra interesante, os recomiendo acercaros a verla si estáis por la zona. También tienen en la galería un libro del artista, en el que reúne toda la obra de este tema, y lo trata en más profundidad.

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In La caja negra gallery they have now an exhibition, until the 12th of June of photography by Jose MªDíaz Maroto, called Light and shadow (seems that many galleries have decided this month to offer us photographs in which light is the main character). Worth visiting if you are in the area.

Fuente: galería La caja negra

Hace ya tiempo que quería hablar de este artista, y me he encontrado en Distrito cuatro (Conde de aranda 4) una exposición suya, así que en lugar de sólo presentar el artista, os puedo recomendar ir a ver la exposición, del 26 de Mayo al 29 de Julio.

La muestra se llama "Ensayando la postura nacional", que supongo vendrá de la foto presentada con el mismo nombre en Madridfoto, en la que unos personajes, ataviados con distintos ropajes, posan en unas escaleras.

Alexander Apóstol es un artista fotográfico que durante los últimos años se ha dedicado a plasmar aquellos edificios o calles que se construyeron para aparentar, como símbolos de un crecimiento inexistente y que nunca llegó a triunfar como se esperaba. Unas construcciones venidas hoy a menos, y que no son más que unos cuantos ladrillos ya viejos.

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Alexander Apostol is a photographer who during the last few years has concentrated on capturing those buildings or streets built to show of, symbols of a nonexistent growth. Constructions that today mean nothing, and are nothing more than old bricks.
Distrito cuatro gallery is presenting this month a new exhibition with works by this artist, so I recommend you go see it if you liked him.

Fuente: Galería Distrito cuatro

La galería Blanca Soto (Alameda 18) presenta una exposición individual de Sergio Sotomayor, a la que le ha dado el nombre de Neurocosmos (basado en la idea de un ciberespacio en el que flota la sabiduría, que no para de crecer). La exposición, que se puede visitar hasta el 6 de Junio, consta de 4 series:

• Neurocosmos: representación de un huevo flotando esperando a encontrar un lugar en el que posarse y eclosionar y crear vida
• Átomo: como alegoría del comienzo de la existencia
• Piedra: los restos de una vida, la huella de lo que hubo antes
• Cuántica: reflexión sobre la vida en un entorno infinito

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Blanca Soto gallery presents an individual exhibition of Sergio Sotomayor, under the name Neurocosmos (based on the idea of a cyberspace in which knowledge floats, and grows nonstop). The exhibition which you can visit until the 6th of June is made of 4 series.

Fuente: Nota de prensa Galería Blanca Soto

Hasta el día 29 de Mayo podéis aún visitar la exposición de la obra de Irene Van de Mheen, Nowhere in the nowhere, en la galería Magda Bellotti (Fúcar 22). La artista muestra en su obra el dibujo y sus limitaciones, estudiando el espacio transforma bidimensional en tridimensional, pequeño en monumental. Todo su trabajo se mueve alrededor del espacio, creando espacio de la nada, o expandiendo uno ya existente. Trabaja con espacio interior o exterior.

La exposición se compone de un mural con líneas y espacios que interactúan, dibujos inéditos y otras obras en diferentes soportes, que se complementan entre sí.
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Until the 29th of may you can still visit an exhibition of the latest artwork by Irene van de Mhee, Nowhere in the nowhere, in Magda Bellotti gallery. She works with space, transforming or creating it with drawings and lines. Two dimensions become three, or small-scale becomes large-scale.

Fuente: Galería Magda Bellotti

Guillermo Pérez-Villalta, en la galería Soledad Lorenzo (Orfila 5) del 11 de Mayo al 12 de Junio.
Las obras de Villalta son narraciones muy ornamentadas, en las que no faltan símbolos religiosos y mitológicos. Se distingue claramente de los artistas de su época, y su técnica y estilo no sigue el mismo camino.

Su obra Grupo de personas en un atrio, en el que representa a muchos de sus compañeros artistas, está situado en un lugar predominante en el Museo Reina Sofía. Pérez-Villalta es otro de los artistas españoles muy destacables, y cuya obra podemos encontrar desde hace ya muchos años en los mejores museos de arte moderno.

En esta exposición presenta un conjunto muy curioso de obras de corte surrealista, aunque en otras incluye elementos geométricos más abstractos. Una interesante visita que seguro agradará a muchos.
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Guillermo Pérez-Villalta, in Soledad Lorenzo gallery, from the 11th of May to the 12th of June.
Villalta's artworks are very ornate stories in which we can find religious and mythological symbols. His work "group of people in an atrium" is in a preferential space at the Reina Sofía Museum. This time he shows a group of paintings with a more surreal cut.

Fuente: Galería Soledad Lorenzo

Eulalia Valldosera es una artista contemporánea Catalana, cuya obra se basa en la utilización de objetos cotidianos, a los que aplica luz y mediante fotografía, instalaciones o vídeo los transforma en algo nuevo. Objetos que en un principio no dicen nada, reflejan las dificultades en las relaciones entre personas. Sentimientos como angustia, enfermedad o deseo se pueden adivinar en sus obras.

Las sombras y las luces crean en su combinación nuevos espacios, en los que en muchas ocasiones el espectador es llamado a participar activamente. La artista plasma su propia experiencia en las obras, aunque no de manera autobiográfica.

Pudimos ver algunas de sus obras en el Museo Reina Sofía, como la obra Dependencias, en la que utilizaba cochecitos de bebés que al ser empujados por los visitantes, proyectaban diferentes imágenes en una pared. Imágenes rodadas en aeropuertos, supermercados y museos.

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Eulalia Valldosera is a contemporary Catalonian artist, whose work is based in reusing everyday objects. With light, photography, video and installations she transforms them in something new. We could see some of her work in Reina Sofía Mueum, in the installation Dependencias, she used baby-trolleys that when being pushes by the visitors, projected on the walls different images recorded in airports, supermarkets or museums.   

Fuente: Museo Reina Sofía; encuentro con la artista, MUSAC

En la Fábrica galería (Alameda 9) se presenta del 7 de Abril al 29 de Mayo una muestra individual de la artista Rosangela Renno, con obras de diferentes años. Además de recopilar fotografías de torbellinos para el proyecto que no pudo llevar a cabo en 2008 (unas fotografías impresionantes), junta una serie de fotografías a gran escala, que son resultado de yuxtaposiciones de material fotográfico encontrado en tiendas de segunda mano.

Un video realizado con imágenes (ralentizadas y yuxtapuestas) de un viaje a la Isla Reunión y el libro de artista con imágenes vueltas del revés son las otras dos obras que conforman esta exposición. El libro de imágenes en blanco es una metáfora sobre las más de 700 imágenes robadas a la Biblioteca Nacional de Brasil, que para la artista es como si hubiesen robado la memoria histórica del país.

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La Fábrica gallery presents from the 7th of April until the 29th of May an individual exhibition of Rosangela Renno. A compilation of Photographs of whirldwinds by other people, for the project she couldn't do in 2008, photos bought in second-hand shops, modified, a video of images of Reunion Island, and a book with images turned over, simbolising the theft of images in the Brazil National Library that left Brazilians without their historic memories.

Fuente: La Fábrica Galería

Luis Gordillo y Carlos Franco, dos artistas ya consagrados y de gran renombre vuelven a exponer esta vez en la galería Marlborough (Orfila 5, hasta el 12 de Junio). Ambos espacios estarán dedicados a estos dos grandes artistas.

Gordillo presenta obra de los años 2007, 2008 y 2010, bajo el nombre de Contrastes. Vemos esta vez un conjunto de obra sobre lienzo, papel, cartón o serigrafías. Algunas, o muy parecidas, ya las pudimos ver en la galería La caja negra en una exposición anterior. El estilo continúa siendo parecido al que ya nos tiene acostumbrados, con formas geométricas que recuerdan en cierto modo a caleidoscopios.

Carlos Franco presenta en cambio una obra toda en papel, collage, grabados... sin una temática definida. De Franco hemos visto algunas obras suyas durante el pasado verano en Marlborough en la exposición colectiva.

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Luis Gordillo and Carlos Franco, two established artists and well-known exhibit again in Marlborough gallery (until the 12th of June). Both spaces will be dedicated to these great artists.

Gordillo presents artwork from years 2007, 2008 and 2010 under the name Contrasts. Some similar works we could see them some time ago in La caja negra gallery.
Carlos Franco presents work all in paper. We saw some of his works in the collective exhibition in Marlborough last summer.

Fuente: galería Marlborough

Del 12 al 16 de Mayo se organiza en el Palacio de los deportes de la Comunidad de Madrid (Calle Felipe II- entrada por Goya) la segunda edición de MadridFoto. El formato de la feria es similar a las ferias pasadas como JustMadrid, ARCO o ArtMadrid. Las galerías, muchas de las cuales ya conocemos, presentan una pequeña muestra de fotografía que ha formado parte de exposiciones pasadas.

Nos encontramos con artistas también a los que ya conocemos como Belinchón en galería Casado Santapau, Candida Hofer en galería Fúcares, una pequeña instalación lumínica de Canogar en galería Max estrella, y las siempre impresionantes imágenes de Pablo Genovés, que no nos cansaremos de ver, por mucho que las paseen de feria en feria (galería Estiarte) Y también me llamaron la atención otros sobre los que no hemos hablado aún, como Alexander Apóstol (galería distrito cuatro), Filomena Soares, a cuya fotografía de maletas en una estantería han otorgado el premio Comunidad de Madrid o Jose Manuel Ballester en galería Estiarte.

En el espacio de El duende vimos una serie de retratos muy interesantes en el primer pasillo de la feria, Isabel Hurley mostraba en su espacio algunas imágenes sorprendentes de Tomás Ochoa y Ann Pettersson, y la galería Fernando Pradilla presentaba a su elenco más llamativo de artistas (Marcos López, Germán Gómez...). Había una presencia importante de galerías extranjeras, entre las que pudimos ver representación de ciudades como Berlín, Rotterdam, Lisboa, Nueva York o Toronto. Es un plan altamente recomendable de fin de semana, para aquellos que esteis en Madrid.

El horario es: jueves de 16 a 21h. Viernes y Sábado de 12 a 21h y Domingo de 11 a 19h.
El precio de la entrada es de 13€

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From the 12th of May until the 16th, the Palacio de deportes de la comunidad de Madrid organises the second edition of MadridFoto. The organization of the fair is similar to past fairs like ARCO, JustMadrid or ArtMadrid. The galleries, many of which we already know, present a small sample of the photographs that have been part of previous exhibitions.

We found artists we have talked about in the blog, like Sergio Belinchón (Casado Santapau gallery), Candida Hofer (Fúcares gallery), Daniel Canogar (Max estrella) or Pablo Genovés (whose photographs we would never be tired of watching, in Estiarte). And others like Alexander Apostol, Filomena Soares or Jose Manuel Ballester, whose work I found quite interesting.

In the El Duende space there were some protraits worth looking at, Isabel Hurley had in her space some surprising photos from Tomás Ochoa or ann Pettersson, and Fernando Pradilla gallery brought a wide sample of artists (Marcos López and Germán Gómez among them). There was an important presence of international galleries coming from cities such as Berlin, Lisbon, Rotterdam, Toronto or New York.

Opening hours: Thursday from 16 to 21. Friday and Saturday from 12 to 21 and Sunday from 11 to 19.
The entrance price is 13€

Fuente: fotopaco, galeria Estiarte, Marcos López, MadridFoto2010, galería Casado Santapau

La Galería Javier López (José Marañón 4) del 15 de Abril al 26 de Mayo, presenta la obra "Horizons" de Jose Mª Yturralde. Una obra muy colorida, en la que el artista quiere reflejar su estudio y profundización en el espacio, lo infinito y el tiempo. Utiliza la luz de forma que podamos captar el horizonte que se abre hasta el infinito.

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Javier López gallery from the 15th of April until the 26th of May, presents "Horizons", by Jose Mª Yturralde. A very colourful collection, in which the artist wants to reflect his study of space, the infinite and time using light and the horizon as starting point.

Fuente: Galería Javier López

Candida Hofer es una artista Alemana cuya obra se centra en la fotografía de espacios públicos o semipúblicos. Su obra es en grandes formatos, y los métodos que utiliza son bastante tradicionales, su uso de nuevas tecnologías en el retoque de imágenes es muy reducido, y se basa más en lo que le gusta y encontrar el momento adecuado de captarlo, que en arreglarlo después de forma artificial.

Fotografía sobre todo bibliotecas, museos, teatros... lugares en los que el espacio es creado por la luz, mediante el uso de técnicas arquitectónicas en consonancia con el entorno. Son espacios también en los que se puede sentir la presencia de la gente aunque esta ya lo haya abandonado.

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Candida Hofer is a german photographer of public or semipublic spaces. Her work is all in big format, and her method is quite traditional. She takes pictures of libraries, museums, theatres... rooms in which the space is created by light, through the usage of the appropriate architectural techniques.

Fuente: todoarquitectura, galería Fúcares.
Imágenes: blog de libros

Hasta el 8 de Mayo, la galería Max estrella tendrá todas sus paredes cubiertas por las obras estrujadas de Javier Arce. Papel blanco recubre las paredes de la sala principal de la galería, en las que Arce ha pintado con rotulador negro obras muy conocidas y representativas del arte Español. En esta exposición hace una reflexión sobre la importancia del marco, la copia y originalidad de una obra y la clasificación que hacen los museos y expertos de lo que es una obra de arte.

Arce coloca sus obras en las paredes tapándolas por completo, enmarcadas en metacrilato, en el suelo, en una bolsa de basura, o dentro de una caja, después de haber pintado y estrujado el papel.

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Until the 8th of May, Max estrella gallery will have all its walls covered by crumpled artwork by Javier Arce. White paper, painted with black marker covers the gallery's walls. On the walls covering them completely, on trasparent frames, on the floor, in a garbage bag or inside a cardboard box.

Fuente: Galería Max estrella

Esta nueva exposición de Thilo Heinzmann, (del 25 de Marzo al 15 de Mayo) la cuarta individuasl en la galería Heinrich Ehrhardt (San Lorenzo 11, patio), es una recuperación de técnicas ya usadas en muestras anteriores, así como nuevas obras inéditas. El artista establece un interesante diálogo entre obras que no tienen nada en común a primera vista.

Los llamados por el propio artista Aicmo (superficies de aluminio perforadas), arpillera pintada y esculturas de resina (estructuras que se utilizaban en el interior de los tresnales (montones de paja piramidales) para acumular el cereal después de la siega).
Una mezcla de escultura e instalación bastante curiosa.

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In this new exhibition in Heinrich Ehrhardt (25th of March until the 15th of May), Thilo Heinzmann establishes a dialogue among his latest works and pieces based on techniques used before. An interesting mixture of sculpture and installations.

Fuente: galería Heinrich Ehrhardt

Pintura, fotografía, serigrafía y telas conforman la obra más reciente de Juan Ugalde (8 Abril-8 Mayo), expuesta en la galería Soledad Lorenzo (Orfila 5). el artista ha querido mezclar fotos de álbumes familiares, imágenes de paisajes, con materiales como azulejos y telas, re-creando según él mismo dice, la historia del arte. Toma una imagen fija, y la modifica añadiendo detalles, borrando otros, y pegando añadidos que nada tenían que ver con la obra original. El lienzo se convierte en un amasijo de realidades, de ideas, que unen los sentidos de tacto y vista. 

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Painting, photography, screen-printing and cloth shape the latest enhibition by Juan Ugalde (8th April-8th May) in Soledad Lorenzo gallery. The artist mixes family photos, landscapes, and materials like tiles and cloth re-creating art history. Printing, glueing, erasing a fixed image until it becomes something else. Joining sight and touch.

Fuente: galería Soledad Lorenzo

Gonçalo Pena, artista Portugués, presenta sus más recientes obras en la galería Fúcares (Conde de Xiquena 12), del 17 de Marzo hasta el 1 de Mayo. Pena toma elementos figurativos y los plasma de manera alegórica, mezclándolo con naturaleza, industrias, ciudades, alcobas o jardines. No establece un nexo claro en la pintura, lo que provoca extrañeza en el espectador. La presencia de monstruos y serpientes se une a la representación de ninfas desnudas que recuerdan a cuadros inspirados en mitología. Una interesante exposición que te deja con un gran interrogante ¿qué querrá decir con esto el artista?.

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Gonçalo Pena, Portuguese artist, presents his latest work in Fucares gallery, from the 17th of March until the 1st of May. He mixes figures inspired in mithology with nature, industry, cities, rooms or gardens, without a clear nexus among them. An interesting exhibition that leaves you with a question, what does the artist want to say with this?

Fuente: galería Fúcares

Sergio Belinchón es un artista Valenciano, nacido en 1971, cuya obra se centra en la fotografía. Belinchón plasma paisajes abiertos, desiertos, en los que encontramos la huella del hombre. Toma instantáneas tanto de espacios desolados ya ocupados o a punto de ser ocupados por el hombre, como de esas colmenas vacacionales, que se reparten a lo largo de la costa mediterránea.

Son todas imágenes un tanto inquietantes, que dan sensación de soledad y abandono, no os parece?. Sobre todo las de los enormes edificios vacios, que esperan la llegada de los veraneantes.

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Sergio Belinchón is a Valencian artist, born in 1971, whose work is mainly photography. Belinchón captures open spaces, deserted, in which we find human footprint. Takes photos of isolated spaces soon to be occupied, or of those vacation's beehives situated all along the mediterranean coast.
Don´t you think they give an impression of abandonment and loneliness?

Fuente: MUSAC

Txomin Badiola es un artista vasco cuya obra ha sido de gran influencia para artistas contemporáneos de los que se habla hoy en día. Sus comienzos fueron en la pintura, pero pronto se dedicó a la escultura, marcando tendencias junto con otros artistas de su generación. A partir de los años 90 comenzó a incluir en sus esculturas otros soportes como el video o la fotografía.

La madera es parte ineludible en sus instalaciones o esculturas, y lo cotidiano siempre se puede encontrar en sus obras. El artista busca el diálogo con el otro más que comunicar algo.

Este vídeo es una presentación de su último proyecto, que podéis ver en el MUSAC, el Museo de arte contemporáneo de Castilla y León, hasta el 16 de Junio de 2010. Es un interesante proyecto conjunto realizado por Sergio Prego, Ion Mikel Euba y Txomin Badiola.

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Txomin Badiola is a basque artist whose work has been of great influence to some contemporary artists. He started his career painting, but soon was dedicated to sculpture, marking a tendency with other artists from his generation. From the 90's he started mixing sculpture with video and photography. He uses wood in his installations, and everyday life details, searching for creating some sort of dialogue with the spectator.

The video (in spanish) is a presentation of his last work, which is being showen in MUSAC until the 16th of June. A collective proyect with two other artists: Sergio Prego and Ion Mikel Euba.

Fuente: MUSAC, galería Soledad Lorenzo

Salvador Cidrás es un artista gallego, nacido en 1968, cuya obra comenzo a conocerse en los años 90. Su carrera se ha visto definida por la experimentación, en términos de materiales o soportes. Una de sus primeras obras, esculturas y dibujos relacionados con la naturaleza, fue la que atrajo el interés de la crítica.

La obra de Cidrás se centra en la relación del ser humano con el entorno artificial que lo rodea: el orden social, el mundo del arte o la arquitectura. En una de sus últimas obras, 24 horas 10 minutos, expuesta en el MUSAC, reflexiona sobre la influencia de la imagen y las marcas en comportamientos sociales de jóvenes de hoy en día. El artista profundiza con esta obra en el universo adolescente y la creación de identidad utilizando para ello elementos urbanos que representan aquello que rodea al adolescente. La exposición la conforman una instalación sonora, una instalación mural, una sala con 8 grandes dibujos y un vídeo.

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Salvador Cidrás, Spanish artist born in 1968, whose artworks became well-known during the 90's. His career has been defined by experimentation, in terms of materials. One of his first works, sculptures and drawings influenced by nature got the attention of the critics.
His work is based on the relationship between human beings and the artifitial environment in which we live: social order, world of art or architecture. One of his last works, 24hours 10 minutes, reflects on the influence of the image and brands on social behaviour of teenagers nowadays.

Fuente: MUSAC

"La escuela del miedo" es el título que le ha dado Jesús Martínez Oliva a su nueva exposición en la galería Pepe Cobo (José Marañón 7).
Martínez Oliva da su visión sobre la escuela, un lugar para él contradictorio que promueve la tolerancia y la igualdad, pero siempre marcando las pautas para que los individuos encajen dentro de unos parámetros de normalización.

Para mostrar esta visión se vale de pupitres de escuela que dispone en la entrada de la galería, a modo de barrera que obstaculiza llegar más allá, a una fila de dibujos o collage colocados en la pared. Dibujos marcados por las líneas, las cuadrículas, que como rejas aprisionan, mezclados con fotografías de barreras, o símbolos supuestamente integradores pero que provocan rechazo.

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"La escuela del miedo" (The school of fear) is the title that Jesús Martínez Oliva has used for his exhibition in Pepe Cobo gallery. He offers his vision of the schools, a place for him contradictory, that promotes tolerance and equality, but always marking the path, so individuals follow certain standards.

Fuente: nota de prensa galería Pepe Cobo

Hasta el 11 de abril podéis ver en el espacio de Plaza de las Salesas 2 algunas obras de Alighiero Boetti, artista Italiano cuya obra clasificada como Arte Povera ha influenciado a muchos. Su obra está presente en algunos de los más prestigiosos museos del mundo (i.e. Reina Sofía, Tate Modern, MoMA).

En las obras de esta exposición en la galería Marta Cervera podemos ver reflejadas las palabras del artista: "Yo he trabajado mucho el concepto de orden y desorden: desordenando el orden o poniendo orden en ciertos desordenes o aún más presentando un desorden visual que fuera la representación de un orden mental."

La dualidad es una constante en sus obras (que firmaba como Alighiero e Boetti, como si fuese dos personas), y la influencia de su vida en Afganistán también es clara, así como la importancia que para él tiene Oriente Medio en el orden mundial. Hay un dato en especial que me ha llamado la atención, y es la supuesta capacidad premonitoria del artista, que unía el número 11 a imágenes de aviones y Afganistán, todo ello antes de ningún conflicto, ya que murió en el año 1994. ¿Eso ciertamente da que pensar no creéis?

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Until the 11th of April you can see in Marta Cervera gallery, in the space in Plaza de las Salesas 2, some artworks by Alighero Boetti, an Italian artist whose work, clasified as Arte Povera has influenced many. His work is nowadays present in some of the most prestigious museums (i.e Reina sofía, Tate modern, MoMA).

Duality is a constant in his work (he actually signed as Alighero e Boetti), and the influence of his life in Afghanistan is quite clear as well as the importance that for him has the Middle East in the global order.
There is a fact that catched my attention, and is the supposedly premonition-making capacity of the artist, who brought together the number 11 with images of planes and Afghanistan, and everything before any conflict, since he died in 1994. That is something to think about isn´t it?

Fuente: Galería Marta Cervera

Jaume Plensa, Barcelonés nacido en 1955, es uno de los escultores de mayor relevancia nacional en España. La obra de Plensa se caracteriza por la dualidad y el juego con los opuestos así como la relación entre el hombre y el entorno. Plensa es conocido por sus esculturas de gran formato, en las que uitiliza materiales muy diversos para conseguir el efecto esperado. La literatura es una de sus fuentes de inspiración más utilizada. 

La galería Estiarte (Almagro 44) presenta del 11 de Febrero al 25 de Marzo, obra sobre papel en gran formato, donde muestra su preocupación por el ser humano, la dignidad y los derechos individuales. Para la realización de estas obras utiliza rostros humanos rodeados de textos escritos en gran tamaño con los que reclama igualdad y derechos. Las palabras suponen un reflejo de lo que sienten o sufren estas personas. Los tonos negros, las salpicaduras, los chorreos de pintura no hacen sino subrayar lo enérgico del texto. 

“Mi obra también ha tratado de conciliar los opuestos. Tal vez sea dentro de esa fricción de dualidades en donde puedo plantear las grandes preguntas de una forma más adecuada y encontrar, en su propia imposibilidad, el camino de la emoción”, dice Plensa.

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Jaume Plensa, born in Barcelona in 1955, is one of the most relevant sculptors in Spain. His work is characterized by the duality and playing with opposites as well as the relationship between human beings and their surroundings. Plensa is well-known for his big format scultures.
This time, Estiarte gallery presents from the 11th of February until the 25th of March big format works in paper. In which he paints human faces surrounded by text reclaming equality and human rights. The big words are used as a reflection of what these people are suffering.

Fuente: Nota de prensa de la galería Estiarte, CAC Málaga

Toda narración y figuración ha sido eliminado en el trabajo de esta artista suiza, Pia Fries. La procupación central en su obra es el color. El método que utiliza es la aplicación de multitud de capas, goteo, amasado o incluso doblado. El resultado es la creación de un amasijo de color y texturas que llaman la atención. Podéis ver la exposición en Distrito 4 (Conde de Aranda 4) hasta el 1 de Abril.

Un fondo de madera pintado de blanco es el soporte de todas las obras. Además de pintura, incorpora a su obra fotografías y grabados con detalles de la naturaleza y serigrafías que sobresalen de los cuadros en diferentes perspectivas.

Lo cierto es que consigue formas y colores sorprendentes. Me ha resultado una obra especialmente atractiva aunque no sé muy bien explicar por qué. ¿No os gusta a vosotros también?
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All narrative and figurative art has been eliminated in this Swiss artist's work, Pia Fries. Her only concern is color. The method to apply it is through dripping, folding, kneads... the result is the creation of a bunch of color and texture that attracts the attention. She incorporates also photography and serigraphy to her work. You can see her latest artwork in Distrito 4, until the 1st of April.

Fuente: Galería Distrito 4

David Bestué y Marc Vives son pareja artística desde 2002. Sus obras se centran en objetos que forman parte de nuestra vida cotidiana, y que normalmente pasarían inadvertidos, de no ser por la atención que le dedican estos artistas.
Sus últimos proyectos han estado enmarcados dentro del arte de acción. Su proyecto "Acciones", se ha centrado en el estudio del espacio: Acciones en Mataró (espacio público), Acciones en casa (espacio particular-privado), Acciones en el cuerpo (un paso más hacia lo privado) y Acciones en el universo (que supone una vuelta a lo más general). Estas acciones han recibido el apoyo de la crítica, lo que les he hecho estar en el punto de mira del arte contemporáneo actual.

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Bestué and Vives are artistic couple from 2002. Their artwork concentrates in objects that are part of our everyday life and that usually will go unnoticed. The proyect that attracted the attention of the critics on them was "Actions". A proyect divided into four different actions, in which they studied the space, from public to private.
After finishing "Actions", the new proyect "Confirmation", was used as a synthesis of the four. And another proyect was presented after that one in the CA2M, called "Swans and rats".

Fuente: el cultural

La obra del artista Norteamericano Jay Heikes, expuesta hasta el 27 de Marzo en la Galería Marta Cervera (General Castaños 5), es una suerte de reconstrucción de la obra de arte, un arte que el artista no ve muriendo (los soportes de escultura y pintura), sino en rehabilitación. El artista toma imágenes, vídeos, carátulas de discos, y las altera creando nuevas relaciones entre la palabra y la imagen. Las piezas reunidas son también una metáfora sobre el intento que hacemos de reconstrucción de la historia, de darle un orden, a veces teniendo como resultado una tergiversación de la misma.

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The work of the North-american artist Jay Heikes, exhibited until the 27th of March in Marta Cervera gallery, is a sort of reconstruction of the work of art, an art that the artist doesn´t see dying but in rehab.

Fuente: Galería Marta Cervera

Takashi Murakami nace en Tokio en 1962. Pertenece a la generación Neo-pop Japonesa que surge después de la crisis económica Japonesa de los 80. Murakami es uno de los artistas más reconocidos a nivel internacional, y es considerado uno de los top ten del mundo. No hay coleccionista de arte moderno que se precie sin una obra de Murakami en su salón.

Murakami ha colaborado con multitud de marcas de fama mundial, ha realizado una película de animación, un videoclip... utiliza soportes variados como pintura, escultura, diseño industrial y animación. Se basa fundamentalmente en el arte tradicional japonés, el manga y el anime, ya que son reflejo de la cultura japonesa. Pero no solo de Japón se ha servido sino que se ven también influencias de Lichtenstein o Warhol en su obra, por algo es el representante pop de Japón.
Destacan en su carrera las obras hechas en los años 90, esculturas de gran formato, que son las que le han dado mayor reconocimiento mundial.

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Takashi Murakami was born in Tokyo in 1962. He belongs to the Japanese Neo-pop generation, which emerges after the economic crisis in the 80's. Murakami is one of the most recognized artists internationally and he is considered one of the top ten in the world. A modern art collection is not complete unless there is a Murakami within.

Murakami has collaborated with many worldwide known brands, has made an animation movie, video clip... uses painting, sculpture, industrial design and anime. His work is based on Japanese traditional arts, manga and anime, because they are a reflection of the Japanese culture. But he has not used only Japan, his artworks are also influenced by pop artists of the time like Lichtenstein and Warhol.
In his career the artworks made in the 90's stand out, big format sculptures, which gave him recognition.

Fuente: Museo Guggenheim Bilbao

Philipp Frölich es un pintor alemán del que se está hablando cada vez más en los circuitos internacionales del arte. Sus paisajes misteriosos, rodeados de penumbra y vacios resultan diferentes y con un atractivo especial. Su técnica se basa en tomar situaciones acaecidas en la vida real o inspiradas en un libro o melodía, que transforma en maquetas en su estudio para luego plasmarlas en el lienzo.

En todas las obras es constante también el juego de luces, que consigue atraer la atención del espectador hacia los puntos de la pintura que desea el artista.
Podéis ver 12 de sus obras en la galería Soledad Lorenzo (Orfila 5) hasta el 31 de Marzo.

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Philipp Frölich is a german painter who is becoming well-known in international art circuits. his landscapes, mysterious, empty, surrounded by shadows turn out to be different and somehow attractive.
You can see 12 of his latest works in Soledad Lorenzo gallery until the 31st of March.

Fuente: galería Soledad Lorenzo

Alberto García-Alix es un fotógrafo español de gran reconocimiento. Sus inicios estuvieron muy influidos por la movida madrileña, época en la que su generación protagonizó uno de los momentos más intensos en la historia reciente de la capital. Durante ese periodo se dedicó a retratar lo que le rodeaba, las ganas de vivir y el exceso que reaccionaron a un pasado dictatorial. Más adelante, su obra ha ido evolucionando hacia la abstracción y una mirada más calmada. Fue premio de fotografía en 1999.

Son bastante comunes sus retratos de yonkis, estrellas porno, escenas obscenas... (si le buscais en google encontraréis muchas) amigos, gente de la calle, artistas y él mismo son protagonistas. Ha retratado a algunas caras conocidas de la sociedad española, y es hoy en día uno de los referentes de fotografía más importantes. Ha buscado siempre un retrato íntimo, ahondar en el retratado, que siempre formaba parte de la gente que le rodeaba. La luz y el uso de blanco y negro, han favorecido un retrato más intimista.

"Retratar equivale a prestar atención a lo que te rodea, a otras personas, a tí mismo. En ese esfuerzo por ver, me autorretrato constantemente"

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Alberto Garcia-Alix is a widely recognized Spanish photographer. His career started during the so-called Movida madrileña, a period in which Madrid rebelled against a dictatorial past through recklessness and desire to live. From then on, his work has evolved, reflecting the mood of the society around him.
He uses friends, people in the street, artists and himself, and portraits of drug-addicts, porn stars and obscene scenes are quite common (if you google him you´ll find many).

"Photographing people means paying attention to your surroundings, to other people, to yourself. In that effort to see, I take self-portraits constantly"

Fuente: MUSAC, MNCARS, más imágenes en http://www.neo2.es/blog/2008/10/de-donde-no-se-vuelve/

En el espacio art&books Ivory press (Comandante Zorita 48) presenta la obra de Claes Oldenburg y Coosje Van Bruggen (hoy ya fallecida) del 16 de Febrero al 17 de Abril. La obra de estos dos artistas ha consistido en representaciones de dimensiones gigantescas de objetos cotidianos en espacios públicos.

En esta ocasión, con "The european desktop", ha tomado objetos de sobremesa del siglo pasado, tintero, pluma, calendarios, que ocupaban los escritorios europeos, y que hoy en dia no son más que un recuerdo del pasado.
Hay algunas obras en diferentes edificios, parques o espacios públicos que llaman especialmente la atención.

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In the space art&books, Ivory press presents the work of Claes Ojdenburg and Coosje Van Burggen (now deceased) from the 16th of February until the 17th of April. The work of these artists has always been representation in gigantic dimensions of everyday life objects in public spaces.

Fuente: Ivory press

Mark Rothko (1903-1970) fue un grabador y pintor nacido en el Imperio ruso, hoy Letonia. Sus inicios en el arte fueron bastante tardios, debido a circunstancias ajenas a él que le hicieron emigrar a Estados Unidos junto con su familia y buscar trabajo para ayudar a su madre y hermanos. (Al provenir de familia judía, la persecución sufrida por los cosacos en aquellos tiempos les hizo emigrar).

Una vez que conoció el mundo del arte y en contra de lo que pensaba su familia, vio en este su futuro. La influencia de maestros como Avery o Max Weber y la compaía de Gottlieb son palpables en sus comienzos, pero pronto se desmarca de ese camino y destaca por su propia genialidad. Sus cuadros de formas rectangulares con bordes difuminados, tan influenciados por sus creencias religiosas atrapan al espectador y le hacen vivir una experiencia mística al contemplar su obra. Al final de su vida su obra se va volviendo cada vez más oscura, como queriendo comunicarnos su tristeza, que desemboca en el suicidio en el año 70. Rothko fue uno de los grandes maestros del expresionismo abstracto.

Es uno de los artistas que más me gustan y espero que disfruteis con este fantástico vídeo que encontré, una recopilación perfecta de obras de este genial artista desde sus comienzos.

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Mark Rothko (1903-1970) engraver and painter from Latvia. He started his career in art not very young (he moved to the States with his family, and had to start working young) Since he visited a friend in New York, he dedicated his life to art. He became one of the masters of abstract expressionism.
The influence of other artists like Max Webber or Avery is clear in his work at the begining, but he soon discovered his own path. His rectangular difuminated shapes paintings, influenced by his religious beliefs, catch the spectator making him/her live a mystic experience when contemplating the artworks. At the end of his life, the paintings grow darker, like anticipating this genius' death.

He is one of the artists I like most. Enjoy this wonderful video I found, a perfect compilation of his best pieces from the begining of his career.

Fuente: youtube, wikipedia, epdlp, Tate modern

Del 11 febrero al 20 marzo la galería Marlborough recibe de nuevo a uno de los artistas contemporáneos españoles de mayor renombre. En esta ocasión presenta obras no expuestas anteriormente en España, así como grabados de la serie Mariana. Usa diferentes texturas, colores y luz en la representación del cuerpo humano. Podemos ver obras suyas por grandes ciudades europeas, un ejemplo lo tenemos en Madrid, La dama del manzanares.

La obra de Manolo Valdés está inspirada en los grandes maestros del arte como Goya, Velázquez, Ribera, el Greco o Zurbarán, y no sólo no lo esconde sino que subraya en los títulos que su obra viene inspirada por estos artistas. Destaca siempre imágenes especialmente significativas de sus obras. Valdés formó parte del grupo crónica y es un artista constante en esta galería.

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From the 11th of February until the 20th of March Marlborough gallery receives once again the artwork of one of the most renowned contemporary artists in Spain. This time he shows artwork never seen before in here. His work is inspired by the works of the great masters: Goya, Velázquez, Ribera, el Greco or Zurbarán. He takes parts of the works that have special significance for him and modifies them.

Fuente: Galería Marlborough

La galería Juana de Aizpuru presenta durante el mes de Marzo la obra de Tania Bruguera, una artista cubana que genera polémica allá donde va (un reparto de coca entre el público asistente a la performance, juego a la ruleta rusa en la obra "sabotaje"...)

La exposición de esta artista en Juana de Aizpuru consistirá en acciones no autorizadas que va a realizar durante el mes de la exhibición (24 de Febrero-29 de Marzo), en diferentes lugares. Esta documentación se irá recopilando en la galería en fotografías y textos, para conformar la obra "Phrónesis". La performance captará situaciones cotidianas que se dan día a día en estos espacios institucionales.

Como obra permanente en la galería, se ha instalado "plusvalía", una obra inspirada en el robo del cartel a la entrada de Auschwitz que dice "Arbeit macht frei" (el trabajo os hará libres).

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Juana de Aizpuru gallery presents during March Tania Bruguera's work, a Cuban artist who generates controversy wherever she goes (giving cocaine to the public, playing the Russian roulette...).
This time the exhibition, under the name of "Phrónesis", which will take place from the 24th of February until the 29th of March, is about a series of actions that will take place in different institutions, without permission, and which materials will be compiled in the form of photographs and texts, and put together in the gallery.

Fuente: galería Juana de Aizpuru http://performancepolitica.blogspot.com/

Hasta el 14 de Marzo, hay una curiosa exposición, "Eclipses maximum" en la galería Fúcares (Conde de Xiquena 12), una exposición en la que las obras de Pablo Vargas Lugo relacionan procesos astronómicos. La obra más representativa es un conjunto de monedas, que provienen de 52 países, que han sido recortadas y soldadas para representar una secuencia de eclipses. La elaboración de las monedas no es de forma aleatoria sino que cada una ha sido cuidadosamente diseñada.

Las otras dos obras que conforman la exposición son un conjunto de banderas de Japón y Bangladesh (que son las que representan el sol), en las que el artista ha pintado las manchas solares, y una alfombra vuelta del revés en la que ha pintado ojos de mariposa.
Una exposición un tanto ecléctica.

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Until the 14th of March, there is an odd exhibition in Fúcares gallery. Pablo Vargas Lugo has created three artworks for this exhibition: a collection of coins that come from 52 nations, cut and welded back to form an eclipses secuence, flags from Japan and Bangladesh with sunspots and a turned upside-down carpet, with butterfly eyes paintings. A quite eclectic exhibition.

Fuente: galería Fúcares

Del 18 de Febrero al 11 de Abril, la galería Javier López (José Marañón 4) presenta la primera exposición individual de KAWS.
KAWS es un artista interdisciplinar (pintor, escultor, diseñador), nacido en brooklyn en 1974, cuya obra toma imágenes de la vida real y las descontextualiza para crear así un universo nuevo, con influencia del graffiti y la publicidad.

La carrera artístioca de KAWS comenzó en las calles de Manhattan, como graffitero, pero pronto se dio a conocer por las pinturas de caras en las paradas de autobús de la ciudad. Destacan sobre todo las de dibujos animados (los Simpson, los pitufos, bob esponja o clones de la guerra de las galaxias) que él modifica pintando XX en lugar de ojos.

En esta ocasión presenta dos esculturas y tres pinturas un poco diferentes a las que conocíamos de él, mezclando bob esponja y michelin, provocando en el espectador una cierta reacción de angustia.

KAWS se ha convertido en un nuevo valor a seguir en el arte contemporáneo. No os perdáis el video si queréis conocer un poco más sobre él. (en inglés)
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From the 18th of February until the 11th of April, the gallery Javier López presents the first solo work of KAWS.
KAWS is an interdisciplinary artist (painter, sculptor, designer) born in brooklyn in 1974, whose work became well-known in the streets of Manhattan.

His career started with graffiti, but was soon recognized and valued. He usually represents cartoons that he used to watch on TV as a child such as The smurfs, the Simpsons, Bob sponge, Chum, or Star Wars' stormtroopers.

If you want to know a bit more, don´t miss the video. This is definately an artist to follow.

Fuente: youtube, Galería Javier López, Kawsone

Dora García es una artista contemporánea Vallisoletana, cuya obra pudimos ver en la galería Juana de Aizpuru el mes de Enero pasado. La obra de Dora se caracteriza por el uso de diferentes soportes, y una búsqueda de identidad de manera muy conceptual, investigando la relación del individuo con su entorno.

La última obra que hemos podido ver era "piezas habladas". En otras obras anteriores la artista utiliza los conceptos de real e irreal, lo contradictorio, lo presente y lo ausente. En "Todas las historias", una selección de textos escritos por la artista son leidos por un narrador anónimo, en "100 obras de arte imposibles", coloca 100 frases en vinilo en un muro expositivo, en "La pared de cristal", dos personas que están en espacio separados, se dan órdenes de acción, a la vez que realizan actos voluntarios, (con esta obra hace un estudio de la identidad, el espacio y la pérdida de control).

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Dora García is a contemporary artist from Valladolid, whose work we could see in Juana de Aizpuru gallery last month. Dora's artwork is characterized by the usage of different methods, and a search of identity in a conceptual way, investigating the relationship between the individual and his/her environment.

Some of the works we have seen are "Speaking pieces", "All the stories": stories written by the artist that are read aloud by an anonymous artist, "100 impossible works of art": 100 texts made of vinyl sticked on a wall, "The glass wall": two persons are in two separated spaces, and they give orders to each other. 

Fuente: galería Juana de Aizpuru, MUSAC

"Ni pena ni miedo" es el nombre de la nueva exposición que organiza Blanca Soto (Alameda 18), de artistas chilenos contemporáneos, del 4 de Febrero al 5 de Marzo. El nombre ha sido tomado de una obra de especial importancia, realizada por Raul Zurita en el desierto de Atacama, la obra más impactante de land-art en América Latina. La frase está escrita en la tierra en letras de 250 metros de largo y puede verse desde el cielo, a muy larga distancia, de hecho si lo buscais en google seguro que lo encontrais, al sur de Antofagasta. 

En esta ocasión se han juntado una serie de artistas en la galería, que no quieren sino mostrar la vitalidad del arte chileno contemporáneo en estos momentos. La variedad de soportes utilizados por cada uno de los artistas y sus diferentes inquietudes a la hora de hacer arte, permite apreciar de forma general hacia donde va el arte chileno hoy. Una buena oportunidad para conocer un poco más sobre artistas latinos.

La exposición la conforman: Arturo Cariceo, Claudio Correa, Eugenio Dittborn, Nicolas Franco, Patrick Hamilton, Diego Opazo, Fernando Prats, Demian Schopf  y Raul Zurita.

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"Without sorrow or fear" is the name of the new exhibition organized in Blanca Soto gallery from the 4th of February until the 5th of March. The name of the exhibition was taken from the name of an land-installation, made by Raul Zurita in the Atacama desert, the most shocking piece of land-art in South America.
This exhibition is an opportunity to see different trends of contemporary art in Chile, and get to know a bit more about latin artists.

Fuente: Galería Blanca Soto

Del 11 de Febrero hasta el 20 de Marzo, la Caja negra (Fernando VI 17, 2ºI) presenta ediciones del artista norteamericano John Baldessari. Baldessari es uno de los artistas contemporáneos de más renombre en norteamérica, y se le conoce sobretodo por el hecho de abandonar la pintura y concentrarse en otros soportes combinando pintura con fotografía o textos. Sus collages son más un reflejo de sí mismo que de la cultura americana.

En esta última serie, el artista lo que hace es llamar nuestra atención sobre el hecho de que en el arte tradicional, las partes de la cara con más importancia eran ojos y boca, mientras que narices y orejas pasaban desapercibidos. En estas nuevas obras, Baldessari representa solo narices y orejas, dejando fuera lo más importante, para que veamos que se cumple que cuanto más queremos ocultar algo, más presente está.
En la última edición de ARCO, pudimos ver algunas obras de Baldessari en las galerías de Los Ángeles.

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From the 11th of February until the 20th of March, La Caja negra presents the latest work of the northamerican artist John Baldessari. Baldessari is one of the best known contemporary artists in northamerica, and he is known mainly for his collage using both photography and painting. In this his last series "noses & ears" he draws our attention to the fact that eyes and mouths were the most important parts when representing faces in traditional art, and noses and ears never had the same relevance.

Fuente: La caja negra

Desde el 19 de Febrero hasta el 1 de Abril, Sergey Bratkov, artista Ucraniano residente en Moscú, presenta en la galería espacio minimo la exposición "Male Games". Un trabajo socialmente comprometido, en el que refleja la realidad Ucraniana del momento.

Al igual que en fotografías anteriores, plasma a sus habitantes tal como son en la dura realidad cambiante en la que viven. Refleja el cambio cultural y económico a través de imágenes muy personales. Imágenes que producen gran tristeza pero cuyos personajes muestran una vitalidad asombrosa.

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From the 19th of February until the 1st of April, Sergey Bratkov, Ukrainian artist living in Moscow, presents in Espacio Minimo gallery the exhibition "Male games". A socially compromised work, in which he reflects the Ukrainian reality of the moment.

Fuente: galería Espacio Minimo

Durante el pasado fin de semana se celebraron en Madrid varias ferias de arte de cierta importancia. ARCO, en Ifema, que ha supuesto siempre un referente en el arte español, o al menos así ha sido hasta ahora, ArtMadrid, en el Pabellón de Cristal, que se veía como una muestra más conservadora del arte actual, y Just Madrid, en el Matadero, y que se supone  lo más en arte emergente del momento. 

Según he leído en algunos diarios, y publicaciones diversas, la feria ARCO, referente del arte en España, ha desilusionado bastante a críticos y expertos por la falta de novedad. Lo cierto es que, como otros años, algunas obras o galerías han resultado bastante atractivas y han generado algo de polémica, pero nada que ver con ocasiones anteriores, donde la polémica y la controversia estaban a la orden del día (en esta ocasión tan sólo una obra ha llamado la atención).

A pesar de las críticas en publicaciones, la verdad es que una vez allí, no se podían ver caras de desilusión por lo que veían, al fin y al cabo, el arte es algo muy subjetivo, y uno no puede generalizar, ya que lo que no resulta atractivo ni sorprendente para uno, sí lo es para otro. Las opiniones respecto a la feria son muchas y muy diferentes, pero se puede decir que para todos fue una experiencia interesante, un lugar donde descubrir a artistas y tendencias que no conocían, y un espacio donde pasar una tranquila tarde de sábado.
 
Artistas mundialmente reconocidos ocupaban la mayor parte de las paredes de los stands, y obras de nuevos pero ya conocidos artistas, se repetían una otra vez por el espacio expositivo. Hablando con visitantes a la feria, he podido constatar que sobre el mundo del arte y más aún sobre la capacidad de atracción de las obras de arte, no se puede opinar demasiado, ya que cada uno puede dar una opinión diferente sobre lo que más le ha gustado de esta feria. Como otros años, ha sido una visita interesante para la mayoría, y esperemos que próximas ediciones sigan mejorando.

Las imágenes son algunas obras que estaban en la feria, que me gustaron a mí o a la gente con la que hablé. Seguro que muchos de vosotros habéis estado en alguna de las ferias. Me encantará conocer vuestra opinión.  
 
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During the past weekend, several art fairs were held around the city. ARCO, which has always been a referent in Spanish art, or at least it has been like that until now. ArtMadrid, seen as a more traditional modern art fair, and JustMadrid, the newest art available in the market today.

The biggest fair, ARCO, has been a little disappointing for critics and art experts all around the country. They considered that the  artworks shown were more a summary of the whole year than a show of new tendencies in art. But, art is something subjective, and everyone can have their own opinion about the work of art being shown. Like previous years, some of the galleries attracted more attention than others, but people to whom I talked to were far from disappointed, they actually enjoyed going to an art-fair and spend a nice Saturday afternoon surrounded by art and artists they didn´t know.  

I´ll be more than welcome to hear your comments about this year's art-fairs.

Fuente: mdrnart en ARCO

Otro artista contemporáneo para nuestra serie de los miércoles: Ion Mikel Euba es un artista Bilbaíno, que utiliza en su obra soportes como vídeo, instalación o dibujo. Su trabajo es un juego de imágenes confusas, extrañas, sin preparar, y sus protagonistas son o él mismo o grupos de gente joven. Nunca trabaja con un guión elaborado de antemano, y de lo que encuentra cuando sale es de donde selecciona lo que va a utilizar luego en sus obras.

Juega con la realidad y la ficción, llegando a angustiar al espectador, que no entiende lo que ve. Recurre repetidamente al coche negro, los ojos cerrados y la vestimenta negra. Son vídeos sin una línea aparente de acción.

Tiene pinta de ser una cosa fácil, no os parece? filmar todo lo que sucede a nuestro alrededor, y montarlo luego sin seguir ninguna pauta ni historia. Os atreveríais a hacer algo parecido y venderlo como arte moderno?

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Another Spanish contemporary artist for our wednesdays series: Ion Mikel Euba is an artist from Bilbao. He uses video, installations or drawings in his work. His artwork its like a game of confused images, weird, without preparation, and his characters are himself or groups of young people. Never works following a script, he selects pieces that he finds on the way, and puts them together looking to provoke in the spectator an distressing feeling.

Seems kind of easy this type of work. Would you dare go out, film something, put it together without a story behind and sell it as modern art?

Fuente: imágenes y texto MUSAC, galería Soledad Lorenzo

Shirin Neshat nació en 1957 en Irán, aunque trabaja y vive en Estados Unidos. En la Fábrica galería (Alameda 9), hasta el 31 de Marzo, podéis ver una exposición de sus fotografías. Neshat busca mover al espectador con sus imágenes, que se presentan como "Conversaciones" entre este y oeste, hombre mujer, opresor oprimido.

En este proyecto que presenta en la galería, muestra partes de una tradición en Laos que hoy se está perdiendo:el cortejo mediante el canto. Hay una verdadera emoción escondida detrás de este ritual, asegura la artista, y es por eso que ella ha querido plasmarlo.

En el video Faezeh, captura la angustia de una mujer, cuyos sueños se ven rotos por una violación. Es un vídeo que quiere mostrar dilemas sexuales y religiosos que surgieron en Irán durante estos últimos años.

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Shirin Neshat was born in 1957 in Irán, although she works and lives in the United States. In la Fábrica Galería, you can see a photographs exhibition. Neshat's objective is moving the spectator with her images, which she presents like "conversations" between east and west, man and woman, oppressor and oppressed.

Fuente: La fábrica galería

Del 4 de Febrero al 20 de Marzo, la galería Heinrich Ehrhardt organiza una nueva exposición de André Butzer. Butzer es un artista alemás cuya obra provoca las más diversas reacciones. Hay aquellos que admiran su uso de figuras y colores, calaveras huecas, colores llamativos estilo grafitero, y otros que rechazan su reflejo de frustraciones en las obras (el hecho de que pinte varas fálicas al lado de sus figuras es claro indicador). De cualquier manera, la obra de Butzer, a medio camino entre figuración y abstracción, no pasa desapercibida.
Qué pensáis, valdrá la pena ir a verla?

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From the 4th of February until the 20th of March, Heinrich Ehrhardt gallery organises a new exhibition of Andre Butzer. Butzer is a German artist whose work provokes the most diverse reactions. Some admire his usage of shapes and colours, and others reject it because of the clear frustations reflect (a phallic stick next to some of the figures is a clear indicator). Anyway, his paintings never go unnoticed.
What do you think? Should I go see it?

Fuente: Galería Heinrich Ehrhardt, Saatchi gallery

Primera exposición sobre Wyndham Lewis (Amherst, Nova Scotia, 1882-Londres, 1957) presentada en España, y la más completa realizada nunca, desde la antológica que le dedicara la Tate en 1956, un año antes de su muerte. A través de más de 150 obras y de sus más de 60 publicaciones, se ofrece un exhaustivo recorrido por la obra artística y literaria de este  polifacético y controvertido artista, una de las figuras clave del modernismo internacional de la primera mitad del siglo XX.

Creador en 1914 del Vorticismo, el único movimiento inglés de vanguardia, Wyndham Lewis fue pionero de la abstracción, pintor de guerra, gran retratista (de célebres escritores contemporáneos suyos, como Ezra Pound, T. S. Eliot, James Joyce, Rebecca West, entre otros-, novelista, ensayista, editor,  crítico literario y de arte; y creador de revistas de vanguardia como Blast o The Enemy. Lewis fue una suerte de “Vanguardia en un solo hombre”, “la personalidad más fascinante de nuestro tiempo”, como escribió T. S. Eliot en 1918: un artista fascinante y aún por descubrir por el gran público. La exposición ha sido organizada por la Fundación Juan March con la colaboración de Paul Edwards, comisario invitado y el principal conocedor de Wyndham Lewis en el mundo, además de la ayuda de otros especialistas en Lewis como Richard Humphreys, Alan Munton o Yolanda Morató, entre otros. Las obras proceden de numerosos museos  y galerías de Europa, Estados Unidos y Canadá, así como de coleccionistas privados.

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First Wyndham Lewis (1882-1957) exhibition presented in Spain, and the most complete ever done since the last exhibition the Tate organised in 1956, a year before his death. Through more than 150 works and more than 60 publications, the exhibit offers an exhaustive tour of the literary and artistic work of this versatile and controversial artist, one of the key figures in the international modernism of the first half of the 20th century.

Fuente: texto íntegro tomado de la web de la Fundación www.march.es

Alicia Framis es una artista española que actualmente vive en Shanghai, aunque podemos encontrar su obra por todo el mundo, desde Bangkok a Nueva York pasando por Barcelona.

La obra de Alicia Framis se centra en contradicciones que ve a su alrededor y a las que busca dar solución. Violencia, convivencia, soledad... son algunos de los temas que trata en sus instalaciones, performances y fotografías. Framis convierte así el arte en una herramienta que propicia una nueva mirada sobre las cosas y favorece un análisis seguido de un cambio de opinión.

Destacan algunas obras como "anti-dog" (un conjunto de vestidos diseñados con tejido anti balas, resistentes al fuego y a las agresiones de perros (violaciones), la obra "Not for sale" es una protesta sobre las condiciones precarias en que viven niños en el sudeste asiático, a merced de las mafias.

Hay unas obras que me han parecido curiosas del año 2002 como "1 refugio para sexo inmediato" (un vestido tienda de campaña), o "dos muebles para una relación eterna" (dos ataúdes compartiendo un espacio).

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Alicia Framis is a spanish artist whose work we can find mainly in Shanghai, were she lives, but also in Bangkok, New York or Barcelona. Her work concentrates on the contradictions that she sees around her, and to which she wants to give a solution. Violence, coexistence, solitude... are some of the topics in her installations, performances and photographs.

Some of her installation were quite recognised like "anti dog" (bulletproof, fireproof and dogsproof dresses), "Not for sale" is a protest for the condition in which kids in southeast asia live, a the mercy of local mafias.

She has other works that I found interesting from year 2002 like "1 refugee for inmediate sex" or "2 pices of furniture for a neverending relationship".

Fuente: aliciaframis, MUSAC

Delila's dance es la obra que podéis encontrar en estos momentos en la galería Helga de Alvear, hasta el 13 de Marzo, en Doctor Fourquet 12.
Dzama utiliza en esta exposición una paleta un tanto triste de colores, marrones y verdes oscuros, no como en obras anteriores, y sus personajes son tanto figuras humanas como animales o híbridos. El mundo de Dzama es en esta ocasión un escenario de bailarines en el que las figuras se muestran con posturas imposibles. Son a veces acciones que no se distinguen claramente, pero cuyo conjunto crea situaciones humorísticas e irónicas al tiempo.

Se ven curiosas verdad? una obra interesante

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Delila's dance is the artwork you can find now in Helga de Alvear Gallery, until the 13th of March.
Dzama uses this time a quite sad palette, made of browns and dark greens, not like in previous works, and his characters are either human figures or animals and hybrids.

Fuente: Galería Helga de Alvear

"Kepler was wrong" es el título de la exposición de este artista Danés, Olafur Eliasson, en la galería Elvira González (General Castaños 3), que estará presente del 19 de Enero hasta el 6 de Marzo.

En la exposición se presentan un conjunto de esculturas, para ser exactos 8, todas ellas relacionadas con el universo y que toman como referencia las Leyes Kepler sobre el movimiento del sol y los planetas. Hay un interés de Eliasson por las formas geométricas, los reflejos, los espejos, el caleidoscopio, astronautas, agujeros negros, meteoritos y cómo la luz incide sobre todo ello, afectando la percepción del espectador. También podemos ver una serie de fotografías del rio Jokla, una constante ya en la obra de este artista, el mezclar obra escultórica y fotografía.

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"Kepler was wrong" is the title of the exhibition Olafur Eliasson presents in Elvira González gallery, until the 6th of March.
In this exhibition he presents a group of sculptures, 8, all of them related to the universe and with reference to Kepler laws about sun and planets movement. There is an interest in geometrical shapes, reflects, mirrors, kaleidoscope, black holes, astronauts, meteorites, and how the light comes in contact with all of it, changing the spectators perception.

Fuente: Galería Elvira González

Esta exposición recibe el nombre de "En orden de aparición", refiriéndose al orden, para el espectador aleatorio, en que aparecen las pinturas en una colección, o los actores en una pelicula. Lo que para el espectador es algo sin explicación, tiene un sentido de ser.

Sandra Gamarra busca también hacer una reflexión sobre la capacidad del arte de provocar una reacción a largo plazo. Ya que piensa que incluso después de haber estado frente a la obra, hay un periodo de reflexión y crítica.

En la galería Juana de Aizpuru, Barquillo 44, del 19 de Enero al 20 de Febrero.
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In Juana de Aizpuru gallery, from the 19th of January until the 20th of February.

This exhibition receives the name "In order of appearance", referring to the order in which paintings appear in a collection, or the actors in a movie, something random for the spectator. She also underlines the capacity of art of giving a long term impression. After seeing a work of art, there is a reflection and criticizing time.

Fuente: galería Juana de Aizpuru

La obra de Fernando Sánchez Castillo se puede considerar una reflexión sobre el poder y la forma velada en que este actúa sobre los ciudadanos. Utiliza como fuentes la iconografía militar, la violencia y el efecto que esta provoca en el ser humano, verbenas y fiestas populares, animales y objetos colocados fuera de lugar (un caballo por la facultad de económicas, o un tanque civil dentro de edificios emblemáticos de diferentes ciudades...) pero una de las obras de las que más se ha hablado es la que presentó en el año 2003, bajo el nombre de Sendero Luminoso, grupo terrorista que opera en Perú.

La galería Juana de Aizpuru es la que recibe de vez en cuando a este artista.

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Fernando Sánchez-Castillo's work can be considered a reflection exercise about power and the hidden ways in which it behaves with citizens. One of the most famous works, many critics have talked about was presented in year 2003, under the name of an armed group that operates in Peru, Sendero luminoso (lightened path). This artist has shown his work in Juana de Aizpuru gallery.

Fuente: MUSAC, elcultural, juana de aizpuru

El día 14 de Enero dio comienzo una nueva exposición en la galería Antonio Machón (Conde de Xiquena 8). La exposición es la segunda individual de Laura Lio, artista argentina que reside en Madrid, y estará presente hasta el día 28 de Febrero.

Laura presenta un conjunto de esculturas y dibujos, en los que representa fuerzas opuestas. Por un lado son el reflejo de un querer quedarse en el sitio, representado por las raíces, y el deseo de volar, de ir más allá, que representa con el pájaro. La contradicción es la guía de este nuevo trabajo: sus obras dicen igual quédate pegado al suelo quieto y permanente, o muévete por el mundo.

De las esculturas, hay una muy curiosa de una casa que echa raíces hacia el suelo y ramas hacia el aire. Y las esculturas cónicas de mimbre y los dibujos reúnen en sí mismos el espacio, el sonido y el vuelo.
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The 14th of January, a new exhibition started in Antonio Machón gallery. Laura Lio will be presenting her newest work until the 28th of February. Sculptures and drawings representing opposite forces. I found very interesting one of a house that was both growing roots towards the floor and branches to the air.

Fuente: galería Antonio Machón

Guillermo Martin Bermejo hace una recopilación de fotos antiguas, tomadas de internet, que recorta y pega o cose, y coloca en escenarios inventados, para darles un nuevo significado, sin que olvidemos de donde vienen. Juega con la destrucción de la historia que ya sucedió, y la toma como base para representar su idea sobre la destrucción actual.

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Guillermo Martin Bermejo makes a compilation of old pictures, taken from the internet, and he cuts and glues or saws them and puts them in invented sceneries, to give them a new significance. Plays with the destruction that already occurred, and develops from there his idea of the present destruction.

Fuente: galería Travesía Cuatro

"One way only", la última exposición del coreano Changha Hwang en Marta Cervera (General Castaños 5) del 12 de Enero al 13 de Febrero, es una pintura muy abstracta; un conjunto de lineas rectas en forma de red que con el uso de diagonales y ángulos así como de colores fuertes consigue darle movimiento a la obra.

Hay presentes referencias tanto geométricas, en los colores planos como orgánicas, en la pintura diluida e irregular.

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"One way only" is the latest exhibition of the Korean artist Changha Hwang in Marta Cervera (until the 13th of February). The paintings are very abstract. Based on straight lines and geometrical shapes, they manage to give movement to the paintings, using diagonals and angles. There are references both organic and geometrical in them.

Fuente: Galería Marta Cervera, www.artnet.com

Lara Almarcegui es otra de las artistas contemporáneas de las que se está hablando mucho en los últimos años. El trabajo de Lara se centra en partes del paisaje urbano que se encuentran desocupados, es decir, edificios demolidos, descampados, lugares en transformación.

Lara interviene directamente sobre estos espacios, y documenta la acción. Una guía de descampados, la reconstrucción de un mercado, la excavación de un agujero en un descampado, la transformación de una estación de tren abandonada en un hotel... estos son algunos ejemplos de las obras de esta artista que la han hecho merecedora de un hueco en el panorama artístico contemporáneo español.

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Lara Almarcegui is one of the contemporary artists that has been talked about during the past years. Lara´s work is based on parts of the urban landscape that is now vacant. Demolished buildings, empty spaces, places in transformation. Lara intervenes in these spaces and documents the action.

Fuente: MUSAC, Galería Pepe Cobo y cia , onedaysculpture, el cultural

La exposición actual en Soledad Lorenzo es cuanto menos sorprendente. Iñigo Manglano Ovalle presenta una gran tienda de campaña blanca, dada la vuelta, como arrastrada por el viento, que nos recibe en la sala principal. Un video de camiones extractores de sal pasando muy cerca de nosotros, con una planicie de sal de fondo, que arrulla al espectador y lo atrapa. Y una representación de la bomba lanzada en Nagasaki espera en la sala final. Una vuelta a un tema ya tocado por el artista en ocasiones anteriores: las armas biológicas.

El artista se pregunta: "Qué es bello y qué es monstruoso?"

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Iñigo Manglano Ovalle presents in this new exhibition in Soledad Lorenzo a huge white tent, upside-down, like carried by the wind, a video of salt-extracting-trucks and a representation of Nagasaki´s bomb.

The artist asks himself: "What is beautiful and what is montrous?"

Fuente: galería Soledad Lorenzo 

La galería Oliva Arauna (Barquillo 29) organiza esta nueva exposición de Rosa Brun, que ya ha estado en varias ocasiones presente en la galería. La obra de Brun es siempre muy colorista, y destaca por su uso de colores planos y formas geométricas. Lo cierto es que comparando con otras exposiciones anterioes, no ha habido mucho cambio, como podéis ver en estas dos fotos (una actual, y la otra del año 2008).

Superficies planas, monocromas, a las que les da la artista una explicación un tanto compleja pero de la que no veo más que un lienzo de color, muy decorativo.
Quizás vosotros veis más que yo?
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Oliva Arauna gallery presents the latest work of Rosa Brun. Monochome and colourful paintings, more decorative than anything else. Maybe you can see more than me?

Fuente: galería Oliva Arauna

Hasta el día 15 de Febrero podéis visitar una exposición que vale la pena, de uno de los artistas españoles más conocidos de la mitad del siglo XX, Manuel Rivera.Si tenéis oportunidad de ir, verdaderamente es un artista que debemos conocer.

La galería Arnes Ropke (Juan de Mena 12, 1D) presenta la obra metamorfosis, en la que Rivera utiliza como material principal planchas de metal, a las que da forma creando movimiento y espacio.

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Until the 15th of February you can visit an exhibition really worth it, in Arnes Ropke gallery. They show the work by Manuel Rivera, one very important artist from the middle years of the 20th century.

Fuente: Galería Arnes Ropke

Isabel Villar es una de las artistas Naif españolas de más renombre. Sus obras son como sacadas de sueños, en los que niñas rubias, menudas están siempre acompañadas de animales salvajes (tigres, jaguares, monos, lobos...). La figura masculina no está presente en sus obras, y son paisajes característicos españoles los que sirven de fondo para sus cuadros. 

Podéis encontrar estas obras en el fondo de galería de Juan Gris, en Villanueva 22 y la obra Niña en rio con león y guepardo, está en estos momentos dentro de la exposición colectiva conjunta en las galerías Rayuela y Juan Gris.   

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Isabel Villar is a well-known Naif artist whose work can be found in Juan Gris gallery. She always represents small blond girls accompanied by wild animals such as tigers, monkeys or wolves. A world of poetry and dreams.

Fuente: Galería Juan Gris

El artista Pierre Gonnord presenta en la Sala Alcalá 31 su última colección de fotografías hasta el 28 de Febrero. La exposición recibe el nombre de Terre de personne, y es una clara evolución respecto a sus obras anteriores. Gonnord es conocido por sus retratos, y esa capacidad de captar la mirada sin máscaras.

En esta ocasión, viajó a pueblos aislados del norte de España y Portugal, y allí fotografió no sólo habitantes de las zonas rurales como mineros, agricultores o marinos sino también el paisaje. Ha puesto su mirada de retratista en el paisaje, queriendo sacar de ellos la energía, forma y naturaleza.

Sus retratos son siempre llamativos por la fuerte personalidad de los retratados. Son personajes con carisma, y con vidas peculiares, para nosotros urbanitas.
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The artist Pierre Gonnord presents his latest work in Alcalá 31 until the 28th of February. The exhibition receives the name Terre de personne, and is a clear evolution from his previous work. Gonnord is known for his portraits, and that ability of capturing the real look, without masks.

This time, he travelled to remote villages in the north of Spain and Portugal, and there he photographed not only the rural inhabitants like miners, agriculturers or fishermen but also the landscape.

Fuente: lacomarcadepuertollano

La revista El cultural publicó un artículo hace un par de semanas con un listado de artistas considerados, según expertos en arte, representantes del arte actual. Hablaremos sobre algunos de ellos, que han participado en exposiciones en alguna de las galerías que seguimos, durante las próximas semanas.En el artículo, nombran a Cristina Lucas, Lara Almárcegui, Fernando Sánchez-Castillo, Alicia Framis o Jon Mikel Euba entre otros.

Deberíamos preguntarnos para todos y cada uno de ellos, hasta qué punto es esto arte o es más locura del "artista" y el público que lo mira. ¿Fotos a un agujero? ¿Mujeres tirándose del pelo a sí mismas? ¿Animales atados colgando del techo?

Si el arte contemporáneo significa romper con lo anterior y hacer algo más llamativo... ¿qué nos esperará la próxima década?
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El cultural magazine published an article a couple of weeks ago, in which they listed some artists considered, by experts in art, the representatives of actual art. We will talk about some of them, who have participated in exhibitions in some of the galleries we usually talk about, during the next weeks. In the article they mention Cristina Lucas, Lara Almárcegui, Fernando Sánchez-Castillo, Alicia Framis and Jon Mikel Euba among others.

We should ask about each of them, to which extent is this art, or is more artist's or public craziness. Photos of a hole? Women pulling out their own hair? Animals hanging from the ceiling?

If contemporary art means breaking with previous art and making something more shocking... what can we expect to come in the next decade?

Fuente: El cultural , artnet.com

El poeta y pintor Albert Rafols Casamada, murió en Barcelona el pasado Diciembre. Rafols formó parte de un grupo de artistas reconocidos, inmersos en el mundo de la abstracción. Su carrera fue una mezcla de escritura y pintura, que se complementarían a la perfeccción. Dejó tras de sí escritos sobre arte, teóricos, y poemas que acompañaban a sus pinturas.

Aunque sus comienzos fueron más bien impresionistas, pronto se dejó influenciar por las nuevas técnicas abstractas. Su temática se ha basado en el mediterráneo, siendo siempre capaz de plasmar esa luz que solo existe en los alrededores de este mar. Pudimos ver una de sus obras en la exposición colectiva que organizaron conjuntamente Juan Gris y Rayuela durante estas fiestas.
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The poet and painter Albert Rafols Casamada, died in Barcelona the past December. Rafols was part of a recognized artists group, immersed in the abstraction world. His career was a mixture of writing and painting, that were always perfectly complemented. He left behind art essays, and poems which accompany the paintings.

His start was more impressionist, but he was soon influenced by the new abstract techniques. His themes are based on the mediterranean sea and its colours. We could see one of his works in the collective exhibition organised by Juan Gris and Rayuela galleries.

Fuente: Galería Juan Gris, Galería Rayuela, la jornada semanal

Hasta este sábado 16 de Enero podéis visitar la exposición retrospectiva de Yolanda Blanco en la galería Movart (Conde Duque 28). Blanco muestra una colección de esculturas de madera y bronce, en las que representa figuras de acróbatas, trapecistas y figuras mitológicas. Cada una de sus esculturas es una escena cotidiana, y todas tienen rasgos reconocibles, familiares.

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Until this saturday 16th of January there is a retrospective exhibition of Yolanda Blanco in Movart gallery. Blanco shows a collection of wood and bronze sculptures in which she represents acrobats, trapeze artists and mythological figures. Each of the sculptures is a representation of an daily life situation and all have familiar features.

Fuente: Galería Movart , web yolanda blanco 

Interesante exposición de una artista checa, Swetlana Heger. Una mezcla de fotografías e instalaciones en la galería Casado Santapau (Conde de Xiquena 5). Su obra se caracteriza por la crítica social.

En esta serie, "animal farm", la artista hace referencia no solo a la novela de George Orwell sino también a la retirada de la figura de Stalin (erigida en 1961) y reconvertida en esculturas de animales que fueron posteriormente colocadas en parques Berlineses.

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Interesting exhibition by a Czech artist, Swetlana Heger. A mix of photographies and installations in Casado Santapau gallery. In this series "animal farm", the artist refers to not only the novel by George Orwell but also the withdrawal of the Stalin sculpture (built in 1961) and made into animal sculptures placed lately in Berlin parks.

Fuente: galería Casado Santapau

En la galería Heinrich Ehrhardt (San Lorenzo 11) hasta el día 30 de Enero, podéis encontrar durante estos días una interesante exposicicón "En la cuerda floja" con artistas que aún no habían estado presentes en esta galería, y que destacan por ser artistas emergentes. Participan en la muestra Busto Bocanegra, Miren Doiz, Kiko Pérez, María Jesús Garcés, Gonçalo Sena y André Romão.

Presentan un proyecto muy interesante, en el que las obras de cada uno de ellos han sido realizadas de acuerdo al lugar y en relación a las obras de los demás. Hay un reflejo de diferentes corrientes del arte como el minimalismo o arte povera, así como pintura y escultura. Se ha hablado en diferentes medios sobre esta exposición, y creo que es una buena oportunidad para conocer hacia donde va el arte hoy en día.

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In Heinrich Ehrhardt gallery, until the 30th of January, you can find during these days an interesting exhibition "On the razor´s edge", with artists that have not yet been in this gallery before, and who stand out for being emerging artists. Participating in the show are Busto Bocanegra, Miren Doiz, Kiko Pérez, María Jesús Garcés, Gonçalo Sena and André Romão. They present a very interesting project, in which each of the works is made based on location and in relation with the works of the others. There is a clear reflect of different techniques, like minimalism or arte povera, as well as painting and sculpture. There has been much talk about this exhibition in different media, and I think this is a good opportunity to see what is being done nowadays in art.

Fuente: galería Heinrich Ehrhardt

La galería Salvador Díaz, en Sánchez Bustillo 7, presenta en estos momentos la muy interesante obra de Kepa Garraza. Las obras que forman este proyecto, son una cronología de las actuaciones de un grupo terrorista imaginario, BIDA (brigada Internacional para la destrucción del arte), que tiene como objetivo acabar con las obras más importantes de los museos. Dentro de las obras "atacadas" están el David de Miguel Angel, las Señoritas d'Avignon de Picasso, o el secuestro de Damian Hirst. Garraza se pregunta de esta manera sobre la necesidad de destruir toda forma y estructura anterior, para crear a partir de ahí un arte nuevo y mejor.

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The gallery Salvador Díaz presents during these days a very interesting exhibition of Kepa Garraza. The paintings in this project are a chronology of the acting of an imaginary terrorist group, which objective is to destroy the most famous works of art. They attack the David by Miguel Angel, Picasso's Señoritas d'Avignon or kidnap Damian Hirst.

Fuente: Galería Salvador Díaz

En la galería Pepe Cobo y cia (José Marañón 7), se muestra en estos momentos la obra reciente de Gabriele di Matteo. "Quadro di famiglia", consiste en la copia del cuadro de las Meninas de Velázquez, a tamaño real, pero en 16 partes cada cuadro (costumbre que se seguía en ciertas épocas, para así vender más fácilmente los cuadros). Un total de 400 lienzos es lo que el artista ha pintado, copiando en la medida de lo posible la obra inicial.

El resultado es un conjunto de lienzos, todos del mismo tamaño, y todos diferentes, que son a la vez copia y auténtico, ya que al fin y al cabo llevan algo del propio artista.
Interesante verdad? así todos podemos tener una pequeña parte de tan reconocido cuadro en casa.

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In Pepe Cobo y cia gallery, they are showing now the most recent work of Gabriele di Matteo. "Quadro di famiglia" (family portrait), consists of a copy of Las Meninas, from Velázquez, in real size, but in 16 pieces each. a total of 400 pieces is what the artist has painted, copying, as good as he could, the first painting. The result is a group of paintings, that can be considered both copies and originals, since the artist himself is reflected in each work.

Interesting right? this way we can all have a tiny part of a famous painting at home.

Fuente: Galería Pepe cobo y cia

Hasta el 23 de enero, la Galería Fúcares (Conde de Xiquena 12) presenta en su sede de Madrid una exposición de los últimos trabajos de Carlos Schwartz. Un conjunto de obras formado por esculturas, fotografías y objetos ensamblados. Escaleras que no llevan a ninguna parte, rampas que se estrellan contra la pared, todo ello iluminado con focos, tubos fluorescentes y bombillas que dejan ver sus cables. La exposición se convierte así, con cada obra, en un camino imposible de realizar.

Un árbol de listones que crece hacia la luz, una farola de pantalla transparente… lo que el artista llama “tropismo positivo”, esa búsqueda de luz de todo ser. Humano, animal o vegetal.
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Until the 23rd of January, Fúcares gallery presents in their Madrid space the latest works of Carlos Schwartz. Stairs that take you nowhere, a ramp that ends in a wall, all illuminated with spotlights, fluorescent tubes and  light bulbs whose cables can be seen. The exhibition becomes this way, with each work, a path impossible to follow.

A tree made of wood sticks, growing towards the light, a transparent shade street-lamp…what the artist calls “positive tropism”, a light search of every being. Human, animal or plant.

Fuente: galería Fúcares

En la galería Fernando Pradilla (Claudio Coello 20) organizan durante este mes, hasta el 9 de Enero una exposición del artista Venezolano Starsky Brines.

La obra de Brines deja entrever una cierta nostalgia por la magia de la infancia. Utiliza en sus obras trazos fuertes y violentos, con colores planos primarios principalmente. Sus personajes transmiten una gran carga irónica, y la obra se muestra como elemental y poco realista pero muy intensa. El artista refleja seres que muestran su exterior e interior.

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In Fernando Pradilla gallery (Claudio Coello 20) they organize this month, until the 10th of January an exhibition of the recent work of Starsky Brines, a Venezuelan artist.

Fuente: Starsky Brines, Fernando Pradilla  

Damas, desnudos, curas y cópulas son los nombres con los que el propio Saura denominó a sus colecciones relacionadas con el erotismo.  Gran parte de los dibujos fueron realizados en una época en la que la censura era común y es por eso que Saura utilizó sus dibujos para caricaturizar a los curas.

Estos dibujos y obra gráfica muestran a la mujer  y su desnudo como elemento central. El conjunto constituye parte de la obra de Saura que desde el 2005 muestra la galería La Caja Negra (Fernando VI  17, 2ºI).

Saura es un artista reconocido internacionalmente, dato que podemos constatar por las obras suyas que poseen numerosos museos. Es uno de los fundadores de el Paso, junto a Millares, Feito y Canogar, un movimiento artístico que ya en el 57 huía de la abstracción formal. 

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Ladies, nudes, priests and copulations are the names Saura himself gave to his collections related to eroticism. Most of the drawings were made in a time when censorship was quite common. The collection is part of the showing that since 2005 La Caja Negra gallery organizes. 
Saura is a world-wide recognized artist, whose works are all around the world in different museums.

Fuente: Galería la caja Negra

Desde el año 1909 la Galería Joan Gaspar ha mostrado en sus espacios de Barcelona y Madrid obras de gran importancia de artistas muy conocidos. Es por eso que durante este mes de Diciembre, en el espacio de Madrid (General Castaños 9) , podréis disfrutar de obras que han pasado por esta galería desde hace ya muchos años. Obras de grandes maestros como Picasso, Miró, Braque o Clavé, y artistas modernos consolidados como Brinkmann, Isern o Sampol.  Además, la galería pone a disposición del visitante, información sobre su propia historia, lo que comenzó como una tienda de marcos, es hoy una galería de referencia en el arte moderno.

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Since year 1909 Joan Gaspar Gallery has been showing important artist’s work in both Barcelona and Madrid spaces. This month, to celebrate 100 years in the arts-world, they organize an exhibition with works by great masters like Picasso, Miró, Braque or Clavé, and modern artists like Brinkmann, Isern or Sampol.

Fuente: galería Joan Gaspar

La galería May Moré, en General Pardiñas 50, organiza una exposición que recibe el nombre de “Vaheada” pintura de agua, de Sergio Barrera, desde el 11 de diciembre hasta el 23 de enero.

Barrera consigue plasmar la relación entre las sombras y el agua en sus cuadros. La pintura al secarse sigue reflejando una cierta fluidez, las pinceladas alargadas y curvas hacen que asomen figuras cóncavas y convexas en los lienzos planos.

Barrera se ha basado en esta ocasión en la idea de que la pintura comenzó antes de que nos diéramos cuenta en los reflejos de la naturaleza en el agua, y las sombras de los árboles sobre la tierra; a partir de esta idea toma sombras y agua como referencia en su obra más actual.
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May Moré gallery shows the latest work by Sergio Barrera, called “Vaheada” (water paint) from the 11^th of December until the 23^rd of January.  Barrera manages to capture the relationship among shadows and water in his paintings.

When the paint dries, still reflects a certain fluency, long and curved strokes make concave and convex shapes appear. His work is based on the idea that painting started with the reflections of nature in the water and shadows of trees on the earth. From this idea, he takes shadows and water as a reference for his latest work.

Fuente: Galería May More

Hasta el día 11 de Enero se muestra en el museo Reina Sofía una colección de pinturas, carteles, fotografías y esculturas de los artistas Popova y Rodchenko, representantes principales del constructivismo ruso.
Ambos artistas realizaron sus trabajos entre los años 1917 y 1929, y se centraron en la abstracción geométrica. Aunque en los primeros años se centraron en la pintura, poco a poco fueron dando más importancia a otros soportes como carteles, medios audiovisuales o incluso ropa.

Kandinsky fue para ambos una gran influencia, lo que se puede observar en algunas de sus primeras obras, aunque pronto rechazaron su uso del color. El movimiento constructivista surgió después de la revolución soviética en 1917, como forma de avanzar en el arte y la arquitectura, hacia el socialismo. Este hecho hizo que las vanguardias rusas constituyeran una ruptura aún mayor que las europeas, ya que estaban reforzadas por un apoyo institucional.

Esta exposición de Popova y Rodchenko, organizada por la Tate Modern, es una muestra de las teorías constructivistas que consiguieron cambiar el arte ruso.

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Until the 11th of January, you can visit in Reina sofía Museum a collection of paintings, posters, photos and sculptures of the artists Popova and Rodchenko, main representatives of the Russian constructivism.

Both artists did this work between 1917 and 1929, and concentrated on geometric abstraction. Although at the beginning they did paint, soon gave more importance to other types of art such as posters, audiovisual media or even cloths.

Kandinsky was for both a great influence, which we can observe in some of the first works, although they soon rejected his usage of colour. The constructivism movement was born after the soviet revolution, in 1917, as a way of moving towards socialism in architecture and arts. This fact made Russian avant-garde a greater rupture than that of the Europeans, since they were reinforced by institutional support.

This Popova and Rodchenko exhibition, organized by the Tate Modern, is a sample of the constructivism theories that changed Russian art.

Fuente: Museo Reina Sofía

Mark Tobey es un artista americano, que vivió entre 1890 y 1976, cuya obra ha influido mucho en el movimiento expresionista. La diferencia de Tobey es que ninguna de sus obras las realiza de forma espontánea, sino que el artista sigue un proceso de observación y contemplación de lo que le rodea, ya sea el movimiento continuo de la sociedad, las variaciones en la naturaleza...

Su rechazo a la cultura occidental después de la primera guerra mundial, hizo que se interesara por la caligrafía china y la pintura zen. Lo que vemos reflejado en varias de sus obras.

La galería Cayón, en Orfila 10, presenta durante este mes una selección de 14 obras de Tobey.

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Mark Tobey is a north-american artist who lived between 1890 and 1976, whose work has greatly influenced the expressionist movement. The artist follows an observation and contemplation process of those things that surround him; the constant change of society, variations in nature...
Cayón gallery in Orfila 10 shows during this month a selection of 14 works by Tobey.

Fuente: galería Cayón

"Twice removed" es el título que le ha dado Susan Collis a su exposición en la galería Espacio Mínimo (Doctor Fourquet 17), hecha con objetos encontrados a los que les da una segunda vida, utilizando en su transformación piedras preciosas o semi-preciosas.

A primera vista lo que nos encontramos es un barullo de objetos, que como restos de una exposición anterior se extienden por el espacio. Tornillos, maderas rotas, restos de pintura, trapos sucios... pero al acercarnos, podemos observar que no son lo que aparentan ser sino que la artista los ha querido transformar en algo diferente mediante el uso de clavos de oro o platino, pintura que es en realidad lapislázuli y manchas en trapos que no son tales sino bordados.

Hace la artista un curioso juego de percepción y realidad. Materiales que a primera vista son de desecho, y que creemos sin ningún valor, se convierten al acercarnos en materiales económicamente valiosos. Con esto parece que la artista consigue una mayor interacción con el espectador, haciendo que este busque el material que hace a la obra en cuestión un objeto de más valor. A mí personalmente no me pareció nada interesante a primera vista pero, tengo que admitir que diferente es. Vuestros comentarios serán bien recibidos.

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Twice removed is the title Susan Collis has given her exhibition in Espacio minimo gallery, made with found objects to which she gives them a second life by transforming them with precious or semi-precious stones.

At first sight, we see the exhibtion as a group of objects, left from another exhibit, but, when you get closer, you can see they are not what they look like. The artist transformed them by using golden or platinum nails, lapislazuli painting and stained cloth that is not stained but embroidered. It is game of perception and reality. Objects that look at first sight like something with no value, become precious.

Fuente: Galeria Espacio mínimo

Me he tomado la libertad de tomar las palabras publicadas por el cultural, el día 30 de Octubre, ya que son una buena síntesis de la misma:

[] Esta monográfica fotográfica del gran escultor ruso presenta nada menos que 125 obras -en su mayoría, impresiones de época- traídas del Musée Nicéphore Niépce (Chalon-sur-Saône, Francia). La muestra, ordenada por géneros, contribuye a “justificar” la opinión que defiende que “la actividad de Rodchenko como fotógrafo quizás sea la más original y duradera de su producción”, destacando sus propósitos de “abstracción de la imagen”, que él buscaba a través de exploraciones poco habituales de ángulos, perspectivas, picados y contrapicados. Enfocando exageradamente la cámara hacia arriba o hacia abajo, obtenía unos poderosos sistemas de diagonales -denominados “perspectiva y escorzo rodchenkianos”-, al tiempo que utilizaba de manera escultórica el juego modelador de la luz y la sombra.

Estos registros situaron a Rodchenko entre los artistas que en los años 20 vincularon la fotografía con el cine. Por su fuerza objetiva -casi escultórica- y por su penetración psicológica destaca en esta exposición la serie de retratos de personalidades del entorno del artista, captados todos ellos “con el misterio individual de su carisma”. Sorprende, de otra parte, su capacidad para expresar el movimiento del cuerpo humano y de las masas populares, y el ingenio y poderío plásticos de sus fotomontajes.
Escrito por José Marín Medina

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I took the liberty of taking some words written in "el cultural", since it´s a good explanation of the exhibition. Here its a summary: In Fundación Canal there is an exhibition of 125 photoghaphs of Rodchenko whose objective was the abstraction in photoghaphs. The usage of perspective and counterperspectives, light and shadows, situated this artists in the filming-photography world in the 20's. He had a special ability to express the movement of the human body and of the masses and he was able to make amazing photomontage.

Fuente: Fundacion canal, El cultural,

En Caixaforum se puede visitar hasta el 21 de Febrero una exposición de Hannah Collins. La artista presenta tres films y fotografías relacionadas con estos. Presenta en esta exposición su visión sobre "la fugacidad de la vida moderna y la interrelación entre memoria e historia" plasmándolo mediante imágenes.
Presenta tres videos bajo los nombres: La Mina, Paralelo e Historia en curso. Trabajos hechos en España, Francia, Rusia, Inglaterra, Italia, Turquía y Suráfrica. Y refleja con ellos la realidad del mundo con sus complejidades, deseando siempre un mundo mejor.

La Mina, presenta la vida actual de la comunidad gitana en Barcelona; Parallel, las experiencias de tres inmigrantes africanos en diferentes ciudades de Europa y Current history, filmado en la Rusia central, durante catorce días en invierno, presenta la vida de una familia.
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Hannah Collins presents until the 21st of February in Caixaforum, three films about different perspectives on modern life. The Mine, about the gipsy community in Barcelona; Parallel, three inmigrants in Europe, and Current history, the story of a family in central Rusia.

Fuente: Caixaforum, artium

En la galería Metta exponen hasta el 10 de Enero el trabajo de Elisabeth Aro "Big show", y quien mejor que la propia artista para que nos cuente por qué decidió hacer esto... a continuación, un texto tomado de la página de la galería Metta.

"Estoy interesada en formas que reflejen la complejidad de sentimientos, ideas, pensamientos y problemas que ocurren dentro del ser humano. A veces quiero llegar al interior y hacerlo visible porque estos pensamientos o problemas, se hacen tan grandes, tan obsesivos, que no dejan espacio moverse. Me interesa proyectar esos pensamientos y memorias de forma física; para mí, es entonces cuando se convierten en objetos a nuestro alrededor, se convierten en accesorios."

"Muchas de mis esculturas están creadas con materiales delicados como el terciopelo y brocado, lo que les confiere un poderoso impacto. En otras, el uso de otros materiales menos fuertes como fieltro y raso permiten as espectador concentrarse en la iconografía de la imagen."
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In Metta gallery there is an Elisabeth Aro exhibition until the 10th of January, and who better than the artist to explain why she did it. This text was taken from Metta gallery webpage.  

"I am interested in forms that reflect the complexity of feelings, ideas, memories, thoughts and problems occurring inside a human being." "Many of my sculptures are created from delicate and rich materials including velvet and brocade which confer a powerful impact. In other sculptures the use of less powerful materials such as felt and satin allow the viewer to concentrate on the iconography of the image."

Fuente: Gallería Metta

"Amiga de un amigo", es el título de la primera exposición de Kate Sheperd en la galería Elvira González, exposición que está teniendo lugar del 19 de Noviembre al 6 de Enero.

La obra de Kate Sheperd sufre un profundo cambio en el año 96, y desde entonces se centra en composiciones geométricas, como las que podemos ver hoy en la galería. En su obra, primero utiliza una capa monocroma, en colores brillantes, lacados, en superficies lisas, para luego encima, crear con finas lineas dibujos geométricos. Dibujos que pasan de ser simples líneas atravesando el dibujo a complejas redes que atrapan al espectador.

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"Friend of a friend" is the title of the first exhibition of Kate sheperd in Elvira González gallery. It takes place from the 19th of November until the 6th of January. Kate Sheperd´s work consists of a first layer of a bright lacquered colour, and then thin lines in white, which make a geometrical figure. Drawings that from being simple lines that cross the painting become complex webs that catch the spectator.

Fuente: galería Elvira González 

Hasta el próximo 10 de Enero hay una exposición en el Museo de Arte contemporáneo del Centro Conde Duque (calle Conde Duque 9) de César Lucas que recibe el nombre "El oficio de mirar". Es una muestra retrospectiva de este fotorreportero. Ofrece una visión de buena fotografía, que hoy en dia está perdiendo vigencia en el mundo periodístico.

Son todo fotografías hechas por encargo, nada es por gusto personal. Lucas ha mantenido su línea de trabajo desde el principio de su carrera, y ha logrado un reconocimiento que pocos han tenido. Estas fotografías son una parte importante de la historia de España, ya que fueron tomadas en la transición. La fotografía de Marisol (cantante y actriz) para interviu fue especialmente polémica.

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Until the 10th of January there is an exhibtion of Cesar Lucas "The looking job". It is a retrospective of this photo-reporter. Offers a vision of good photography, which is losing its importance in the journalism world. These are all non-personal photos, all assignments.

Fuente: Centro Conde Duque

Del día 23 de Noviembre al 10 de Enero podeís visitar en la galería Travesía Cuatro (Travesía San Mateo 4) la tercera exposición individual de Gloria García Lorca. En esta ocasión la exposición recibe el nombre de "Natural History". La artista basa su trabajo en la naturaleza y sus formas, y sus obras sugieren lugares familiares y formas anteriormente vistas aún sin llegar a ser tomadas de ningún lugar concreto. 

Los materiales que utiliza son muy diversos, dependiendo de la forma que le quiera dar a su obra, y siempre son trabajos estáticos, aun dando la sensación de movimiento.
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From the 23rd of November until the 10th of January you can visit in Travesía Cuatro gallery the latest work of gloria García Lorca. Her work is based on nature, and she takes elements from it, whitout being from an specific location, giving the impression of a familiar place. The materials she uses are very diverse, depending on the result she wants to achieve. These are always static, although they look like they are in movement.

Fuente: galería Travesía cuatro

Ana Laura Aláez es una joven artista Bilbaína que presenta su último trabajo en la galería Soledad Lorenzo (Orfila 5), del 24 de Noviembre al 5 de Enero.
Aláez busca desde sus comienzos destacar en lado hedonista de la vida. La moda y la cosmética es el pilar central de su obra, y ha recurrido a ellos en cada exposición. Sus proyectos de video e instalaciones a menudo la tienen a ella como protagonista. La estética pop es un estilo recurrente en su trayectoria.

En esta ocasión sin embargo, esa referencia pop y brillante no es tan clara, y nos sorprende con una colección de esculturas, instalaciones y fotografía que en nada se parecen a proyectos anteriores.
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Ana Laura Aláez is a Spanish artist who presents her latest work in Soledad Lorenzo gallery, from the 24th of November until the 5th of January. This time the pop style we are accustomed to with Aláez changes, and she shows us a collection of installations, sculptures and photographs, not at all like the work we have seen before.

Fuente: Galería Soledad Lorenzo

Francis Bacon fue uno de los grandes pintores del siglo XX. De origen irlandés, centró su obra en la representación del ser humano angustiado por la vida. Representó la fragilidad, la muerte y la nostalgia mediante autorretratos, y una plasmación "postpicassianas" del cuerpo humano.

Es común en su obra la presencia de una sola figura, hombre o mujer, dentro de una estancia cerrada. Hay una mezcla de estilos desde el expresionismo al surrealismo. Es uno de los pintores más influyentes del siglo XX a pesar de haber dejado la pintura de lado durante muchos años, y no haber conseguido reconocimiento en mucho tiempo. El alcohol, su afición al juego y su homosexualidad asumida son fuertes condicionantes de la vida de este artista, que posteriormente traslada a su obra.
El Museo del Prado realizó una exposición sobre este artista a principios de 2009.
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Francis Bacon was one of the most important painters of the 20th Century. He concentrated his work in representing the anxiety of the human being. He represented fragility, death and nostalgia through self-portraits. He is one of the most influential painters of our time. Alcohol, gaming and an assumed homosexuality were determining factors of his life.
Prado Museum had a exhibition of this artist at the begining of 2009.

Fuente: Museo del Prado

Luis Fernández (1900-1973) fue un genial pintor asturiano cuya obra nunca llegó a alcanzar el reconocimiento que merecía. Su lentitud en el pintar y los malos marchantes con los que se relacionó, hicieron que a pesar de tener amistades de importancia que adquirieron sus cuadros y le podrían haber ayudado, su obra fuera poco reconocida durante su vida.
Picasso, Breton, Braque o Miró fueron algunos artistas con los que se relacionó y que influyeron de una u otra manera en su trabajo.

Una exposición en París en 1972, es la que muestra que en los últimos años de vida, algún reconocimiento recibió, pero al no ser exhibida en España, esto supuso un gran desencanto para el artista.hoy en día muchas instituciones españolas y grandes coleccionistas reconocidos tienen obras de este gran pintor.
Hoy podemos ver una selección de 20 obras en la galería Guillermo de Osma (Claudio Coello 4), hasta el 15 de Enero. Un conjunto de dibujos, pinturas e incluso una escultura, estarán en la muestra.

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Luis Fernández was a great Spanish painter who lived in Paris, whose recognition came after life. His slow painting method and the bad luck he had with merchants kept him from becoming well-known. His work was not much known during his life, although some of his important friends like Picasso or Breton had some of his works. Only at the very end of his life his work was getting some attention in Paris, but it never got to Spain.
Today we can see a selection of his work, a collection of drawings, paintings and a sculpture in Guillermo de Osma gallery.

Fuente: Galería Guillermo de Osma 

La galería Marlborough (sita en Orfila 5) presenta hasta el 2 de Enero, una nueva exposición de Daniel Quintero. Aunque de Quintero ya hemos visto algunas obras anteriores, con sus edificios caídos, en perspectivas extrañas, esta vez la galería nos trae otra parte de la obra de este artista. En esta ocasión son sus retratos, algunos de ellos de personas conocidas de la vida política Española. Es obra bastante reciente, realizada entre 2008 y 2009. Sobre todo destaca su atracción por el tema sefardí y personajes conocidos malagueños.

Hay un algo que transmiten estos retratos, que ya veréis si tenéis oportunidad de verlos. Quintero logra mediante la aplicación de diferentes tonalidades de fondo, según el personaje al que retrata, dar una imagen diferente y producir una sensación específica sobre esa persona.

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Marlborough gallery organises a new exhibition until the 2nd of January, by Daniel Quintero. We already know some of his works, like those falling down buildings, in strange perspectives. But in this exhibition, the gallery shows a different part of this artis's work, his portraits.

Fuente: Marlborough gallery

Michal Rovner es una artista israelí, poco conocida en España, cuya obra está durante estos días en Ivory press (Comandante Zorita 48). La exposición, que recibe el nombre de Frequency, está compuesta por documentos y objetos que evidencian la necesidad de comunicación en el ser humano. El espacio art+books se torna perfecto para una exposición de estas características.

La obra Fields of fire, rodada en los campos de petróleo de Kazajstán, es también parte de esta exposición, y es una obra de gran impacto emocional dado el uso que hace del sonido y de la imagen. El video se proyecta en una sala con una pantalla enorme, y de esta forma consigue meter al espectador en ambiente. El rugido del fuego resulta sobrecogedor. Es una muestra muy completa de la obra de esta artista, que logra mediante el silencio, el ruido y la luz, ese impacto buscado en el espectador. Las proyecciones móviles de pequeñas personas sobre rocas, resultan muy atrayentes y tienen un extraño efecto hipnótico.
Si aún no conocéis este espacio, esta es una muy buena ocasión para ir a verlo, es una exposición impresionante.

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Michal Rovner is an Israeli artist, not well-known in Spain, whose work is now being shown in Ivory press. The exhibition is formed by documents and objects related to communication, and videos and images that she took while in Kazajstan, visiting the oil fields.

Fuente: web de Michal Rovner, Ivory press

Un error electrónico fue lo que originó el cambio en la trayectoria artística de Zimmermann. Las imágenes figurativas en las iba a basar su obra, se transformaron poco a poco en formas abstractas, que consiguen crear un algo nuevo partiendo de lo real.

Los trabajos que presenta en esta ocasión están realizados con resina epoxy y medios digitales. El sofá brillante es el único que no pertenece a su obra más reciente. Y saliéndose de lo que suele hacer, las gotas en la pared hechas con resina se consolidan como protagonistas de la exposición, pareciendo haberse escapado de la pintura de las obras de alrededor. Es una exposición definitivamente muy colorista y atractiva a la vista. La podéis ver hasta el 28 de Enero en Distrito 4 (Conde de Aranda 4).

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A mistake in the electronic process of some images, was the turning point in this artists' work. Since then, he started to use those images as the starting point for the creation of more abstract paintings.
In this exhibition he uses resin and digital materials. The sofa is the only not-recent work, and the resin in the walls makes itself the most original work in the space, looking like dripping that came from the other paintings around it. You can see it until the 28th of January in Distrito 4 gallery.

Fuente: web del artista Peter Zimmermann, galería distrito4

Pablo Genovés utiliza en su nueva exposición en la galería Estiarte (Almagro 44), espacios culturales como bibliotecas, un museo, palacios, iglesias, y los transforma mediante la fotografía en espacios invadidos por la naturaleza.

Hace de estos espacios una suerte de apocalipsis cultural. Con esto no quiere sino llamar la atencion sobre los cambios en la cultura y en la sociedad. Lo cultural ya no se valora como debiera, solo importa lo nuevo, lo material es lo que está a la orden del día, y aquellos espacios que en forma de postales se enviaban por el mundo, han perdido vigencia.

Genovés retoma en esta ocasión una fotografía más clásica que en sus anteriores trabajos, y vuelve al papel y al chorro de tinta tradicionales. Podéis visitar la exposición hasta el día 15 de Diciembre.
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Pablo Genovés uses in his new exhibition in Estiarte gallery spaces like libraries, museums, a church or a palace, transforming them by the usage of photography in spaces invaded by nature. He wants to reflect the changes in society and culture. The cultural spaces are not as valuable, and nowadays capitalism is the king. You can visit the exhibition until the 15th of December.

Fuente: galería Estiarte

"El ojo de la pasión necesita leche para ser sangre" es el título de la exposición que presenta Ana Crespo en Astarté (calle Montesquinza 8), durante los meses de Noviembre y Diciembre.

Ana Crespo es una artista interdisciplinar que trabaja con pintura, fotografía, instalación o escultura. Elige los materiales a partir de lo que para ella simbolizan. Investiga diferentes tradiciones, y busca respuestas que pongan en relación la vida, el arte y lo espiritual.

Según sus propias palabras: “Creo que la imaginación es una de las mayores responsabilidades en manos del ser humano, lo imaginado abre una puerta, traza un surco por el cual futuros “caminantes” podrán discurrir."
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"The passion eye needs milk to be blood" is the title of the new exhibition Ana Crespo shows in Astarté (Montesquinza 8) during the months of November and December. She is a very versatile artist and uses painting, photography, installation and sculpture. She chooses the materials based on the symbolism they represent for her.

Fuente: arteinformado, Astarté

La serie fotográfica The Kitchen:Homage to Saint Therese, de la Yugoslava Marina Abramovic se presenta por primera vez en la Fábrica galería (calle alameda 9), del 6 de Noviembre al 12 de Diciembre.

La obra de Abramovic es de gran importancia dentro del arte de la performance, y está presente en las colecciones de grandes museos. La influencia de su tierra natal, Yugoslavia, se ve reflejada en toda su trayectoria artística. En esta ocasión la artista hace un homenaje a la vida de Santa Teresa de Ávila, tomando como escenario las cocinas de la sede La Laboral en Gijón. Estas 9 fotografías serán parte de una exposición "The artists is present" que tendrá lugar en la primavera de 2010 en el MoMA de NY.

Estas fotografías se basan en unos textos escritos por la Santa sobre su experiencia en la levitación:
"[ ] a veces mi cuerpo entero ha estado influido hasta el punto de ser elevado desde el suelo. Parecía que cuando intentaba resistirme una gran fuerza me levantara. Confieso que me metía de lleno un gran miedo, un gran miedo es más al principio: viendo un cuerpo que se eleva de la tierra, aunque el espíritu se detiene (con gran dulzura como sin resistencia), los sentidos no se pierden; al fin era tanto yo como poder ver que estaba siendo elevada... Después el éxtasis se terminó, Tengo que decir que mi cuerpo parecía a menudo flotar, como si todo el peso hubiera ido, tanto que de vez en cuando apenas supe que mis pies tocaban el suelo..."
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The photography series "The Kitchen: Homage to Saint Therese", from the Yugoslavian Marina Abramovic, will be present for the first time in La Fábrica gallery (Alameda 9), from the 6th of November to the 12th of December.

Abramovic´s work is of great importance in the performances art, and she is present in well-known museum´s collections. In this occasion, pays tribute to Saint Therese of Ávila and her experience in levitation. These 9 photos will be part of a bigger exhibition "The artists is present" in the next spring in MoMA NY.

Fuente: La fábrica galería

La galería Max Estrella (Santo Tomé 6)  presenta del día 10 de Noviembre al 9 de Enero la exposición "super-posiciones" de Carlos León.

En esta nueva muestra del artista, plasma paisajes, jardines, abordando de nuevo el expresionismo abstracto. Utiliza nuevos materiales, que le permiten en algunas obras una vuelta a la geometría que nunca ha dejado de estar presente en su trayectoria pictórica. La obra de Carlos León se ha caracterizado desde sus promeras exposiciones por una pintura monocroma que en esta ocasión evoluciona a una paleta de colores más amplia en cada obra. Siguen predominando los colores de la tierra, verdes, rosas y marrones, entremezclándose. Las super-posiciones son series de 3 hasta 5 láminas transparentes, pintadas cada una con unos tonos, que el artista une creando así nuevas obras partiendo de otras anteriores.
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Max Estrella (Santo Tomé 6) gallery presents the 10th of November until the 9th of January "super-positions", from Carlos León.

In this new exhibition, the artist captures the esence of gardens and landscapes, using the abstract expressionism technique. Uses new materials that allow him going back to geometry, which has always been prersent in his work. He mainly uses earth colours in his paintings, such as greens, pinks and browns.

Fuente: Galería Max Estrella

Me he topado con la muy curiosa obra de Sandra Gamarra y me ha parecido interesante compartirlo con vosotros. La obra de esta artista Peruana se mueve alrededor de la creación de un Museo de arte contemporáneo ficticio en Lima, al que le ha dado el nombre de Li-Mac. En este museo ficticio, ella articula su propia obra, apropiándose de obras de otros artistas que piensa deberían estar en el museo, y que ella plasma en pintura, e incluye en el catálogo. Toma tanto instalaciones como otras pinturas o fotografía, que materializa mediante la pintura. Este proceso no constituye una simple apropiación sino que también lleva parte de la artista.

El proyecto comenzó en el año 2002, y según cuenta la propia artista, ha tenido tan buena acogida que hasta una aerolínea contactó con ella para incluirlo en las rutas por la ciudad de Lima. Con gran sentido del humor, Gamarra pone en tela de juicio la necesidad cultural de un país como Perú, donde la falta de un Museo de arte contemporáneo hace que destaque la poca atención a la cultura. Esto hace que nos preguntemos, ¿Hasta qué punto es necesario el museo físico? ¿No se mueven el catálogo, las postales y los souvenirs más fácilmente de mano en mano?
Aquí tenéis un link a la galería Juana de Aizpuru, donde ha realizado exposiciones hace un tiempo.
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Sandra Gamarra. I have found this artist´s work very interesting, so I decided to share it with you. The work of this artist has been since 2002, the creation of a fiction museum for the city of Lima, in Perú. Since there is no museum of contemporary art in this city, Gamarra decided to create in her own way a whole collection, with its souvenirs and catalogue. She takes works of other artists, that she thinks should be in the museum, and paints them, to include them in a catalogue. Using always her own vision of the installations, photographs or paintings.
With sense of humor, she wonders the necessity of having a contemporary arts museum in a non developed country like Perú. Is it necessary to have the actual physical space? Aren´t the catalogues and souvenirs giving enough notice?
Here you have a link to Juana de Aizpuru gallery, where she showed her work some time ago.

Fuente: artmotiv.com, lasiega.org , MUSAC I, Juana de Aizpuru

Juan Gris es considerado como unos de los más importantes precursores del movimiento cubista, junto con Picasso y Braque, que fuero los que le iniciaron en este estilo. Gris vivió en Paría desde 1910, y toda su vida la vivió en Francia, considerándose a sí mismo más Francés que Español.

Llegó a convertirse en referente artístico alrededor de los años 20. Murió muy joven, a los 40 años, con lo que sólo nos queda imaginar las obras que habría podido dejar. Habría sido un segundo Picasso? nunca lo sabremos...

Sus obras destacan por el uso del collage y el cubismo al mismo tiempo, lo que le da originalidad dentro del movimiento. La mayor parte de ellas son obras muy coloristas con composiciones de bodegones y objetos caseros, tales como guitarras, botellas, periódicos...
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Juan Gris is considered one of the most important precursors of the Cubist movement, with Picasso and Braque, who were the ones who initiated him in this style. Gris lived in Paris since 1910, and all his life he lived in France, considering himself more French than spanish.

He became an artistic referent around the 20´s. He died very young, with 40 years old, so we can just imagine the paintings he could have done. Could he have been another Picasso? we will never know...

His paintings stand out for the usage of collage and cubism at the same time, which makes it very original in the movement. Most of them are very colourful works, with compositions of everyday life objects such as guitars, bottles, newspapers...

Fuente: fundación telefónica, spanisharts, artehistoria.

La galería La Caja negra (en la calle Fernando VI, 17 2ºI ) presenta una nueva exposición de John Beech, que podrá verse hasta el día 5 de Diciembre. La obra de John Beech es muy colorista, tanto en instalaciones como en dibujos, como podemos ver en estas fotos de anteriores trabajos. Promete ser una exposición interesante, y llamativa.

Ha realizado multitud de dibujos de contenedores en diferentes ciudades del mundo, mobiliario urbano, instalaciones, y fotografía dibujada. En esta página podéis encontrar multitud de obras de este artista.
En esta ocasión muestra una recopilación de obras que son a la vez pintura y fotografía, o pintura y escultura. Toma objetos extraños, plataformas, embalajes, y los modifica mediante la pintura, o recubriéndolos de otros materiales. Las fotografías pintadas en esta exposición se convierten en tres obras dentro de una, ya que tanto pintura como fotografía por separado podrían considerarse obras de arte.

Estoy seguro que cada uno vemos algo diferente... ¿Ves pintura? ¿o ves Fotografía?

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La caja Negra gallery organises a new John Beech exhibition, which can be seen until the 5th of December. Beech´s work is very colourful and it is sure to be an interesting exhibition. He shows in this exhibit a compilation of painted photos, which can be seen as three artworks in one, since photo and painting are artworks themselves.

I am sure we all see different things... Do you see a painting? or a photograph?

Fuente: La caja Negra nota de prensa

Ruth Gómez es una artista Vallisoletana, cuya obra busca reflejar las realidades cotidianas que la rodean mediante la utilización de vídeos de animación, música y dibujo digital.

La obra de Ruth Gómez se muestra en esta ocasión algo diferente a anteriores exposiciones. El color rosa ya no es el color predominante, aunque sigue habiendo un uso destacado, y el escenario selvático de sus dibujos le dan un nuevo sentido a sus animaciones. Con influencias de la publicidad y el cómic.
Su nueva exposición, recibe el nombre de "Las ilusiones fantásticas" queriendo reflejar con ello esa ilusión o fantasía que nos permite seguir adelante en momentos difíciles.

La exposición se podrá visitar en la Galería Oliva Arauna, en Barquillo 11, hasta Diciembre.
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Ruth Gómez exhibition in Oliva Arauna looks to reflect the everyday life realities that surround her, using animation videos, music and digital drawings. this new exhibition, with the name "Fantastic illusions" shows those illusions that allow us to keep forward in difficult times.

Fuente: Galería Oliva Arauna

Elvira González (Calle General Castaños nº3) muestra durante este mes (hasta el 14 de Noviembre) un conjunto de obras de Adolfo Schlosser.

Adolfo Schlosser es un artista de origen austríaco, socio fundador de la revista Humo (formado también por los artistas Eva Lootz, Juan Navarro Baldeweg y Patricio Bulnes). La obra de Schlosser se centra en la naturaleza que le rodea, que le inspira y de la que toma materiales como barro, hollín, paja, ramas y piedras. 

Destacan las obras que utilizan troncos de árboles y ramas, con los que crea escenarios que recuerdan a cultos ancestrales y ritos solares prehistóricos (como su obra el cielo sobre la tierra, a imagen del Templo del cielo en Beijing). Siente una especial predilección por el uso de materiales encontrados y utiliza en sus obras materiales blandos como la arpillera o piel recubierta de grasa.
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Adolfo Schlosser is an austrian artist who lives in Madrid. He is co-founder of Humo (an artists magazine in collaboration with Eva Lootz, Juan Navarro and Patricio Bulnes). Schlosser´s work concentrates on the nature that surrounds him, which inspires him and from which he takes materials like mud, straw, soot, branches and stones.  You can see his latest work in Elvira González.

source: Elvira Gonzalez gallery

Me he tomado la libertad de tomar las palabras de un poeta que he encontrado en Internet, que ilustran muy bien estos cuadros:
"Para él, un simple asterisco no es otra cosa que una estrella y esos círculos violetas, nada menos que lejanas constelaciones siderales."
"For him a simple asterisk is nothing but a star and those purple circles, far away constelations."

"A la luna le enseño que podía ser azul, verde, anaranjada o de cualquier otro color."
"The moon, he showed him she could be blue, green, orange or any other colour."

"“Tenía la necesidad de escapar…” decía, y se escapaba libremente del arte de academias."
""Had the need to escape..." he said, and he escaped freely for academy art."

Fuente: soho-art.com, fundación Miró, masdearte, blog de un poeta

Imanol Marrodán es un artista interdisciplinar, que lo mismo realiza esculturas de gran tamaño, como son "Conversaciones entre Oteiza y Serra", o "la deriva del cielo", videos, pintura mural, instalaciones como "materia de sueño"...

En esta ocasión presenta un conjunto de obras realizadas con técnica mixta, escultoarquitectura, pintura, impresiones con tinta de carbón, fotografía e instalaciones... un poco de todo dentro de un mismo espacio. La exposición recibe el nombre de "What you see is what you get" (Lo que ves es lo que recibes), y estará expuesta desde el 29 de Octubre hasta el día 10 de diciembre en la galería Blanca Soto (Alameda 18).

Si tenéis la posibilidad de ver la exposición, me gustaría conocer vuestra opinión. ¿Veis un hilo conductor en las obras expuestas? Personalmente me da una impresión un tanto desordenada... ¿qué os parece?

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Imanol Marrodán is an interdisciplinary artist who uses very different techniques. In this occasion he uses sculpture-architecture, painting, coal ink printings, photography and instalations. A bit of everything in one space. The exhibition receives the name "What you see is what you get", and will be exhibited until the 10th of December in Blanca Soto gallery (Alameda 18).

Fuente: Galería Blanca Soto

En la galería Magda Bellotti hay hasta el día 28 de Noviembre una curiosa exposición de fotos de escaleras, de un artista Colombiano, Juan Fernando Herrán.

Herrán parte de la escultura pública existente en la ciudad de Medellín, como parte de un proyecto gubernamental de fomentar en arte en el espacio urbano, y a partir de ahí encuentra elementos, espacios, en zonas menos urbanas, que bien podrían considerarse también escultura urbana, pero que están fuera de esa catalogación.

Las escaleras, ya sean de obra, o por mitad de una colina, simbolizan el afán de superación de la población, y el deseo de conquista de espacios. La ciudad se ve lejana, distante, y es por eso que los habitantes de estas zonas buscan ocupar estos espacios, que consiguen mediante obstinación y resistencia.
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Juan Fernando Herrán is a Colombian artist, whose new work is about stairs. Stairs that people who live in the suburbs build to conquer the space, the terrain, and who fight to be able to occupy these spaces. His idea started in Medellín, seeing the public art, funded by the government, that was installed in the city. He then looked for those elements in the city that could be art, but are not catalogued like art.

Fuente: nota de prensa Magda Bellotti  

Creo que todos hemos oído hablar de Warhol, y hemos visto más o menos de sus obras. Las fotografías de Marilyn, los retratos de gente tan conocida como Mao, Elizabeth Taylor o Elvis Presley han dado la vuelta al mundo. Pero eso, ya lo conocemos, lo que no conocemos es lo que aquí interesa.

En una pequeña galería en la calle José Marañón número 7, en la galería Pepe Cobo y cía, he encontrado una exposición de fotografías inéditas de Warhol, que nada tienen que ver con lo que tanto conocemos de él. En esta exposición, lo que encontramos son imágenes con objetos del día a día, de la cultura popular, objetos que a nosotros no nos llamarían la atención pero que al artista, por el motivo que sea, le han hecho pararse y fotografiarlo.

Nos encontramos unas sillas, muñecos, gente en un mercadillo, una señora rodeada de palomas... hay también unas fotos curiosas de montones de objetos, queriendo reflejar con ello, o al menos eso parece, el espíritu materialista del mundo de hoy. son un conjunto de fotografías que no se parecen en nada a la idea de Warhol que podemos tener, pero que sirven para dar una idea más cercana de lo que pasaba por la cabeza de este artista.

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We have all heard and seen something from Warhol, like Marilyn´s pictures, Elizabeth Taylor´s... but, in this case, what I found was not the Warhol we all know, but a different one. In a small gallery in José Marañón 7, Pepe Cobo shows a group of unknown pictures, in black and white, taken in the streets. Everyday life objects are the center of the photos. We can find chairs, dolls, a woman surrounded by pigeons... totally different from that Warhol we all had in our head.  

Fuente: Pepe cobo y cía nota de prensa, imágenes con copyright: 2009, the andy Warhol foundation for the visual arts,Inc.

Seducción, decadencia y corrupción, plasmados en gigantescos óleos con forma de figuras femeninas, en los que podemos identificar conocidas caras de la moda y el cine del momento (Kate Moss es una imagen recurrente). Bernhardt utiliza trazos gruesos y pintura sin mezclar, teniendo como resultado formas abstractas con un aire expresionista.

Estas son algunas de sus obras en exposiciones pasadas, realizadas en Canadá. En Madrid podréis ver algunas de sus obras en la galería Marta Cervera (General Castaños 5) del 15 de Octubre al 14 de Noviembre.

¿Qué os parecen? Me gustaría conocer vuestra opinión sobre esta artista, así que si tenéis la oportunidad de ir, espero vuestros comentarios...  

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Seduction, decadence and corruption. The result of the work of Katherine Bernhardt. You can see some of her works in Marta Cervera gallery in Madrid from the 15th of October until the 14th of November.

Fuente: Saatchi gallery, galería Marta Cervera

La temática religiosa gana influencia en la obra de Pelayo Ortega, y se convierte en un tema recurrente. Su nueva exposición es según el propio artista, una prolongación de una preocupación que ya existía en sus trabajos anteriores. La exposición está formada por acrílicos y óleos, de gran formato la mayoría, auque algo hay más pequeño. 

Vemos señas inconfundibles de la obra pasada de este artista en esta exposición como son el uso de formas simples y colores uniformes unidos a un uso más expresionista del color. ¿Conocíais ya a este artista? ¿Qué os parece su obra?

Podréis conocer más sobre él visitando la galería Marlborough Madrid en Orfila 5. Estará expuesto durante este mes hasta el 14 de Noviembre.

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Religious theme gains influence in Pelayo Ortega paintings, and becomes a recurring topic. We can see unmistakable signs of this artist´s work, like the usage of simple shapes and plain colours mixed with a more expresionist usage of the colour. What do you think of his work? To know more about him, go visit Marlborough gallery until the 14th of November.

Fuente: galería Marlborough exposición actual y pasadas

Luis Cruz Hernández es un pintor Vallisoletano que está exponiendo en estos momentos en la Galería Metta (Calle Villanueva 36), y cuya obra será exhibida hasta finales de octubre.

La exposición, con el nombre "A las cosas hay que mirarlas", son un conjunto de lienzos, realizados en técnica mixta, en los que se destaca aún más la capacidad de cambio y evolución de este artista. Cruz sigue un camino, en constante evolución, de constante cambio, que sin duda alguna anuncia más cambios aún.

Su obra quiere ser un reflejo honesto de la realidad, que plasma sin subterfugios, haciendo que los colores llamativos desaparezcan, y el conjunto de la obra quede con un tono apagado, como la realidad que nos rodea. Su pintura comenzó por el camino de la abstracción, añadiendo aquí y allá guiños a la figuración, hasta que en esta última serie, la figuración se ha convertido en el eje central, el protagonista, alrededor del cual se mueve lo abstracto, que para nada ha sido abandonado.

Otro detalle que destaca en su obra, es la perspectiva divergente, utilizada a la contra de lo que dictan las técnicas tradicionales del arte. Su mirada se convierte en el centro del cuadro, desde el que pinta, en perspectivas diferentes, formas y trazos. Con esto consigue que el espectador se esfuerce en mirar la obra, que un simple vistazo no sea suficiente para verla. En los cuadros aparecen personajes inesperados, que no tienen sentido de estar ahí, que rompen la superficie del lienzo, e invitan a la contemplación. La simple mirada permite ir más allá, y encontrar algo que antes no se veía, eso es lo que el artista parece querer decirnos en esta nueva serie.  

Fuente: galería Metta  

En la galería Antonio Machón (Conde de Xiquena 8), podréis ver hasta el día 20 de Octubre una fantástica colección llamada "Abstracción, informalismo y pop" compuesta por obras de algunos de los artistas españoles más conocidos del momento. Son todo artistas consagrados que han alcanzado un gran renombre en los circuitos internacionales del arte.

Nada más entrar, nos da la bienvenida una pequeña escultura de Oteiza. Podemos encontrar artistas tan conocidos como Saura, Millares, Rafael Canogar, Martín Chirino, Dario Villalba, Gordillo o Chillida. Una o dos obras de cada uno, no más. Para aquellos que no conozcáis mucho, esta es una muy buena oportunidad de ver fuera de un museo, a estos artistas tan conocidos todos juntos. 

Fuente: Galería Antonio Machón

Marcos López es un fotógrafo argentino que viene de la publicidad, y que hace cosas que me parecen muy divertidas. Podréis verle en la galería Fernando Pradilla (Claudio Coello 20) durante este mes. Hace fotografías en blanco y negro, paisajes urbanos, pop-art, siempre mirándolo desde un punto de vista irónico.

Refleja una realidad de Argentina, que él mismo dice que no existe, que en el fondo lo que él hacía es una caricatura, y lo que antes le hacía reir, ahora le hace llorar. La Argentina de hoy es cada vez más desigual, hay más diferencias sociales, y sus fotos él mismo las asemeja a Puerto Madero o el Puente de Calatrava, a los que ve como las actuales máscaras que él antes usaba en sus fotos durante los 90. 

Esta foto suya, "El asado en Mendiolaza", que de vez en cuando sacan en el Reina Sofía, me parece buenísima ¡!


Fuente: web del artista Marcos López

La galería Juana de Aizpuru, en Barquillo 44, presenta hasta finales de Octubre la obra de Jordi Colomer. Colomer utiliza como soportes el vídeo, la instalación y la fotografía, para plasmar historias de personajes extraños. Obras que presentan decorados interesantes y ambiguos personajes en extrañas circunstancias. En esta ocasión, presenta unos videos tomados en una calle de México, avenida Ixtapaluca, en las que se repite el escenario de casas adosadas. Graba una calle entera, tomada a nivel de calle, en otro sobrevuela urbanizaciones de casas todas iguales... pero esta igualdad y esta constancia se rompen cuando lo vemos a pie de calle, ya que los ruidos, la gente, los diferentes ambientes y decoraciones de los jardines, las hacen parecidas aunque no iguales.

Hay un gran interés del artista por la arquitectura, tanto los espacios colectivos como los privados, y la influencia que estos tienen en sus habitantes. Cuestiones como el decorado o el hábitat vienen estructurando el trabajo de este artista desde hace tiempo. Hay un intento por parte de Colomer de entender las estructuras individuales y colectivas desde el punto de vista artístico.
En su obra predominan escenarios construidos entorno a objetos o materiales, en los que hay una narración, un relato centrado en el individuo y las relaciones sociales, con un enfoque muy teatral.

Fuente: web del artista: Jordi Colomer  galeria Juana de Aizpuru

Durante los primeros años del siglo XX, el cubismo es el movimiento que triunfa entre los más renombrados artistas. Las formas y los espacios se reinterpretan y poco a poco se va pasando a una nueva forma de expresión, las vanguardias. Durante estos años (entre 1900 y 1940), también surgirá un movimiento de protesta hacia la evolución de las artes que el cubismo supone. Y este es el Futurismo.

El Futurismo da comienzo en Italia, como contraposición, que no evolución, del cubismo Francés y Español y el expresionismo Alemán. Los manifiestos "Manifiesto de la pintura Futurista" o "Manifiesto de la escultura Futurista" marcan la diferencia respecto a los otros movimientos. Este manifiesto, escrito por Marinetti, tiene como base el movimiento, lo agresivo y la simultaneidad. Además de Marinetti, la parte central del movimiento lo conforman artistas como Boccioni, Carrá, Balla y Severini.

"El Futurismo no era una transformación de la sensibilidad y de la cultura, ni una revolución de la visión, sino la concepción y estructuración del vanguardismo, es el movimiento más organizado y con más minifiestos. Los otros movimientos de principios de siglo como los impresionistas, neo-impresionistas, cubistas, expresionistas, fauvistas... aparecen como continuadores y renovadores de la pintura, sólo los futuristas se alzan enfrentándose al pasado, realizando un arte colocado contra sus predecesores." Esto marcará una diferencia en la evolución de los diferentes movimientos artísticos posteriores.

Fuente: enciclopedia de arte Skira Carroggio, Museo del novecento comune di Milano, historiarte, arteespana.com  

Prudencio Irazabal es un pintor vasco cuyo rasgo más llamativo en su obra es el uso del color. Este se mezcla sin definir las formas, permitiendo mediante la difuminación de uno y otro cambiar de tonalidades. Nunca ha buscado la tridimensionalidad en su obra, aunque es cierto que en esta, su más reciente exposición, hay una cierta definición en la aplicaciones de las capas finales. Con esto consigue modificar las capas inferiores, dando una mayor impresión de movimiento en el cuadro.

Irazabal es un pintor que no ha seguido los cánones actuales de pintura, y es por ello de debemos valorar el que siga su propia tendencia. La galería Helga de Alvear, en la calle Doctor Fourquet 12 recibe este mes la segunda exposición de este artista. Esta se podrá visitar desde el 22 de Septiembre hasta el 19 de Noviembre. Esta exposición ya veréis que es un poco diferente de las anteriores, de las que he sacado estas fotos. En las nuevas obras, hay formas un tanto más marcadas, una presencia más firme de la figuración aunque no olvida ni el color, ni la difuminación. Espero vuestros comentarios.

Fuente: galería Helga de Alvear, colección actual y pasadas, blog  

Georg Baselitz es uno de los artistas vivos más importantes de su época, ha sido una importante figura en el desarrollo del arte en la Alemania de posguerra, y multitud de artistas han seguido su estela. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos durante su vida, y su obra ha llamado la atención por transgresora en diferentes épocas.

Sus primeras obras se caracterizaban por el uso de imágenes sexuales explícitas, luego pintó figuras monumentales, y un día en 1969, decidió darle la vuelta a un cuadro que pintaba, y desde entonces, pinta las figuras en sus cuadros del revés. Según dice el propio artista, "Para empezar, no sigo pintando así porque esté loco. Estoy bastante bien de la cabeza, y ese planteamiento es algo en lo que pienso constantemente. En segundo lugar, una idea fija puede durar mucho tiempo, toda la vida. En tercero, un artista tiene que hacer algo distinto. Aunque sea un cambio muy pequeño, alguien tiene que ser el autor de ese cambio, de ese distintivo."  

Baselitz es también conocido por sus grabados y por sus esculturas en madera. Algunas de sus obras se pueden ver hoy en Madrid, expuestas en la galería Heinrich Ehrhardt (situada en el patio interior de San Lorenzo 11). No es un espacio muy grande, pero se puede apreciar bien el estilo de la obra más reciente de este artista en obras como Braunung o Verdunkelung. Baselitz presenta en Madrid una serie pintada a principios de este año, cuya temática es el pintor frente a la obra. El artista que se enfrenta a un lienzo en blanco, en que sólo ve su propia sombra. en esta ocasión vuelve a retomar la figuración invertida, que provoca un sentimiento de desorientación en el espectador.

Fuente: Nota de prensa galeria Heinrich Ehrhardt, epdlp.com

Pipo Hernández es un artista canario cuya obra es ya más que reconocida en los circuitos artísticos españoles, y es según los expertos uno de los valores más reconocidos del archipiélago. El artista se centra en la idea del cuadro como dos dimensiones, jugando con formas y colores para provocar la reacción en el espectador.

Fuente: Galería Manuel Ojeda, galería Fernando Pradilla

Las obras de DJ Simpson son dibujos abstractos tridimensionales, medio escultóricos, y que se aproximan al bajorrelieve. La técnica que utiliza es mediante una radial (o una fresadora, en el caso de su última colección de espejos), aplica presión y tiempo a superficies de conglomerado industrial para dibujar en estas trazos de diferentes tonalidades. Según la profundidad del lijado, los tonos de la madera y del plástico cambiarán.

Se trata de un proceso simple, dibujar con una herramienta industrial, un trazo en una superficie lisa. Se establece de esta manera un juego entre el espacio, el vacio, la luz y los colores. El dibujo sigue el movimiento circular de la lija, y de esta forma crea trazos ondulados de distintas tonalidades, según el material que va lijando. Estas dos fotos son de su colección anterior.

Esta interesante técnica ha hecho que DJ Simpson sea incluido en exposiciones sobre "pintura expandida" en las que se investigan formas de pintura sin usar pigmento o pincel. En su primera exposición en España, en 2005, hizo un brillante juego con el espacio de la galería Helga de Alvear, rompiendo con las líneas rectas, colocando la obra en diagonal para así dar un efecto más de instalación que de pintura bidimensional.

En esta ocasión, DJ Simpson trae a Madrid su obra más reciente que estará expuesta hasta el 19 de Noviembre.

Fuente: Galería Sue Crockford, artnet.com, warwick.ac.uk , galería Helga de Alvear

Los impresionistas y neo-impresionistas ya han roto con las tendencias anteriores del romanticismo y el realismo, y ahora, los artistas buscan dar un paso más, romper aún más con los academicismos que hacían de ellos más fotógrafos que pintores. Las primeras vanguardias se constituyen como una búsqueda de la exaltación del sentimiento, ya sea mediante cambios en las estructuras de color o de las formas.  

Hay una necesidad por encontrar un nuevo lenguaje pictórico que refleje el sentimiento del artista, y eso lo consiguen mediante el color. Los fauvistas, van más allá de los impresionistas, reflejando en sus obras los colores que ven. Una montaña azul, un tronco de árbol rojo, una nariz verde... Utilizan una gama de colores brillante, y aunque no rompen con las formas tradicionales, sí que emplean el color de forma subjetiva, alterando la composición. Para ellos la pintura es la liberación del sentimiento, mediante la plasmación de vivos colores, dan paso a la primera de las vanguardias del arte moderno.
 

El expresionismo, este movimiento es uno de los más prolíficos, y uno de los más largos. Hay muchos artistas encuadrados en esta tendencia, pero no hay un grupo definido como en otros. La pintura es para los expresionistas el reflejo de la experiencia vital. El artista mismo decide cómo plasma esa experiencia en el óleo, obviándose todo academicismo. Destacan por su uso de una gama cromática oscura, pinceladas gruesas y pinturas que pueden resultar duras o desagradables.
 

El cubismo en cambio, sí es una destrucción de las formas, se juega menos con el color y más con la perspectiva. El cubismo se enfrenta al cromatismo de sus congéneres. Mantienen el monocromatismo en sus cuadros, aunque siempre rompiendo las formas, haciando múñltiples planos de una figura, cambiando la perspectiva dentro del mismo cuadro. Plasman en los cuadros el objeto desde todos los puntos de vista, para dar a conocer el objeto en su totalidad, y no sólo una vista definida del mismo. 

Fuente: Skira Carroggio  

Stephen Dean es un artista Francés que reside en Nueva York, y cuya obra muestra una gran versatilidad. Utiliza recursos variados en sus exposiciones como vídeos, escultura y fotografía. A veces recurre también a objetos encontrados, que reusa, buscando siempre color. El color se convierte en protagonista absoluto en sus obras, y esto se ve reflejado en sus videos Fever hechos en Tokyo, en los que utiliza tecnología térmica (captación de la temperatura corporal en personas y animales). Se centra sobre todo en multitudes y en captar los colores de estas, invisibles al ojo humano. 

En la Galería Max Estrella (Santo Tomé 6) presentan la obra más reciente hasta el 31 de Octubre, realizada durante los últimos San Fermines en Pamplona. Las multitudes y sus cambios de temperatura son el reflejo perfecto de esa búsqueda de cambios cromáticos por el artista. Los animales y las personas se juntan, desapareciendo la forma humana, y dejando sólo el color y la forma abstracta generada por la temperatura. El ambiente festivo hace de este nuevo trabajo una evolución interesante respecto de sus anteriores vídeos. Pulse, Volta o Bloco, en los que destacan las multitudes y el color, sin el uso de tecnología térmica. Hay fotos de su exposición anterior en Madrid en www.maxestrella.com

Estas fotos y las del post en inglés son instantáneas tomadas de los videos del artista, expuestos en la galería. El tomado en Pamplona es especialmente interesante, y le dedican una sala con proyector. Es un video de unos minutos, que comienza con un encierro, que sigue con unos recortes de una vaquilla en la plaza, y termina con una tomas de una corrida con su consiguiente retirada del toro muerto de la plaza. También hay otros videos de un mercado de pescado en Japón, una estación de tren...etc.

Fuente: Galería Baldwin, tokyoartbeat, Galería Max Estrella, Stephen Dean  

En el primer piso del número 12 de la calle Conde de Xiquena, se encuentra la galería Fúcares, que muestra en estos momentos una muy interesante exposición de Jonathan Hammer, un artista norteamericano muy versátil. En esta exposición podréis ver diferentes obras muy dispares de este artista. Llaman la atención la lámina gigante de un tiburón martillo o los dibujos de tentetiesos de porcelana. Unos juguetes que representan fragilidad y valentía a la vez, y que están basados en una instalación de esculturas realizada anteriormente.   

Hammer plasma en sus obras parte de la historia del arte europeo, del que recibe gran influencia, y lo mezcla con las últimas tendencias del arte actual. Las cabezas de martillo se ven como monstruos bellos, tendencia que viene del modernismo, que consiste en pintar una imagen deforme o desagradable de tal modo que resulte bonita. Y lo cierto es que consigue que esta cabeza especialmente se vea bella.  

La estancia de Hammer en España definitivamente influencia su obra en mayor o menor medida. Los biombos presentes en esta exposición, son claras referencias a Don Quijote. El uso del cuero en el arte no es algo muy común, y es por eso que destaca el uso de la marquetería en esta exposición.

Fuente: galería Fúcares

Ruth Quirce es una joven artista madrileña cuya obra puede verse en estos momentos en la galería Blanca Soto, en la calle Alameda 18. La exposición recibe el nombre de "Entropía" que se refiere al grado de desorden que tiene un sistema. Al caos al que toda cosa tiende según pasa el tiempo. La cita de Baudelaire "Nosotros causantes también del universo, de su creación y de su futura destrucción” define bien el efecto buscado por la artista.

Según las afirmaciones de Quirce, la energía es el único enlace entre la realidad y el hombre. El orden y el caos se retroalimentan y esa tensión inestable entre ellos crea un campo enormemente creativo. La enorme paradoja que se crea es justo el punto de partida de esta exposición: «para que exista el orden es necesario el desorden, así como el concepto de que la entropía es realmente una especie de progreso para la destrucción y esto es justamente lo que ocurre en el transcurso de la vida».

Fuente: el cultural, el diario montañés, galería Blanca Soto

La Galería Marlborough presenta como primera exposición de temporada, del 10 de Septiembre al 10 de Octubre a los artistas Cristóbal Hara y Manuel Franquelo. La muestra de Hara es un conjunto de fotografías en blanco y negro realizadas antes de 1985, fecha en que el artista ya solo trabaja en color.

Sus fotografías captan esos pequeños detalles que retratan la vida de provincias en España en aquellos años (me pareció buenísima la fotografía de las dos señoras bailando). Algunos de los retratados que encontraréis en la galería son mendigos londinenses con los que se topó durante su estancia en la ciudad británica. El tema de los toros en las fiestas de los pueblos también le atrajo poderosamente. Su relación con la fotografía comenzó desde muy jóven, pero hasta que no conoció la obra de Cartier-Bresson, no se dedicó por entero a ello.

La obra de Franquelo, pintura y dibujo, es bien distinta. Esta es la primera exposición individual del artista en la galería, y en esta ocasión se muestran dibujos, óleos y estudios preparatorios. Todas las obras han sido cedidas de colecciones privadas para esta ocasión. Franquelo capta en sus óleos y plasma hasta el más mínimo detalle del objeto que ve, y le da una apariencia casi real. Es una obra realista en extremo, tanto que parecen fotos.

Fuente: Notas de prensa y fotos galería Marlborough

La galería Cayón es un pequeño pero interesante espacio en la calle Orfila. Durante este mes, tienen expuestas algunas obras de Vasarely muy llamativas. La obra en la entrada, esta que tenéis arriba a la izquierda es la que me ha hecho entrar a ver las demás. El artista consigue perfectamente las 3 dimensiones en una superficie plana. Es una obra fantástica. Si estáis por la zona, dedicadle 5 minutos, que este artista vale la pena.

Vasarely es considerado como el padre del op-art, el arte abstracto de aspecto geométrico, que tradicionalmente se incluye dentro de las segundas vanguardias. Consigue mezclando figuras geométricas movimiento y dimensión. Crea efectos ópticos juntando diferentes formas y colores, usando las sombras de manera magistral. Gran número de obras son esferas que sobresalen del cuadro, o cuadrados que se meten unos en otros, siempre dando la sensación de que se salen de la superficie en la que están pintados. 

Las imágenes lo dicen todo, disfrutadlas.

Fuente: Galería Cayón

Luis Gordillo es un artista español, nacido en Sevilla, que formó parte de las vanguardias españolas de la década de los 50. Tras una estancia en París, se comenzó a interesar por las vanguardias, y siguió la estética de grupos como Dau al set o Art Autre. Más tarde la figuración y el pop-art llaman su atención. En las décadas 80 y 90, Gordillo se sitúa a caballo entre las tendencias figuracionistas anteriores, y una técnica más abstracta. Gordillo es una de las figuras más importantes en la evolución hacia las vanguardias primero y la abstracción después del panorama artístico español.  

Podréis ver algunas de sus obras en la galería la caja negra. Del 17 de septiembre al 24 de octubre presenta su último trabajo gráfico, llamado "Archipiélago". Un conjunto muy colorista de 12 serigrafías. Es una obra que refleja muy bien el estilo pictórico de Gordillo, tanto su tratamiento del color como de la forma. En estas serigrafías se tocan temas que el artista ha ido incluyendo continuamente en su obra, lo que hace que estas se conformen como un vocabulario esencial de su trabajo, un compendio de básicos sobre su obra. La muestra son piezas destacadas que muestran su método de trabajo, en el que usa la seriación, alteración y reconstrucción de imágenes. A partir de mediados de mes habrá disponible un catálogo de la exposición con textos del artista, Luis Gordillo y David Barro.

Fuente: artespain, losclaveles.info, elpais.com, arteinformado 

En el Thyssen nos encontramos con una obra un tanto desconocida de Matisse. Son los trabajos realizados en el periodo de entreguerras, entre 1914 y 1940. Desde las primeras obras, Matisse buscaba un lenguaje pictórico nuevo. Busca sacar a flote una nueva sensibilidad, que en sus primeros momentos no consigue, y estos trabajos se ven condenados al fracaso.

Aquí teneis un video que he encontrado en YouTube, que tiene como nombre Matisse, de eggman 913. Me ha parecido una recopilación muy interesante de pinturas de Matisse, espero que os guste.

Después de la primera guerra mundial, su estilo que anteriormente era tan solo decorativo, muy simple, sigue otra dirección más intimista. Evita los academicismos, como la perspectiva o el claro-oscuro, y se centra en buscar una nueva manera de plasmar la profundidad espacial. Esto es lo que estructura la vida de Matisse durante estos años. El uso de la ventana es un recurso muy utilizado, como marco desde el que se ve la obra en cuestión.

La ventana se convierte en el paradigma principal de su obra. Con ella establece la relación entre lejano y próximo. Tratará el espacio exterior, tan importante para los impresionistas, de forma crítica, basándose en la técnica impresionista pero corrigiéndola. Verá el exterior como si lo mirara desde fuera, desde un teatro. En esta muestra podemos encontrar también algunos de sus desnudos, que desarrolla a la vez en pintura y escultura.

Durante los últimos 20 años de este periodo, descubrimos en el artista cierta inseguridad, que le llevará a dejar de pintar durante un tiempo. Cuando lo retoma, se ve plasmada en su obra esta sensación de fracaso. Utiliza el lenguage del dibujo para representar lo experimentado, siempre viendo el tiempo como cada vez más oscuro, la cercanía de la segunda guerra mundial le afecta, y le vemos sumergido, aislado, melancólico, y manteniendo la distancia entre el arte y la vida.

Fuente: fotos tomadas de masdearte.com, elangelcaido.org, magazine.artepick.com.

Aunque esta galería no se encuentra dentro de mis favoritas, me he topado con su fondo de galería, y me ha parecido interesante compartirlo aquí con vosotros.
El día 10 de septiembre comenzó una exposición del artista que ha estado llevando esta galería durante muchos años, y que ahora se dedica a la enseñanza, Soto Mesa. La obra que tienen suya en la galería me ha parecido curiosa, son trabajos muy geométricos, formas y colores planos cuidadosamente retorcidos. Dan una impresión de movimiento constante.

En el fondo de galería hay una mezcla de estilos, autores, colores, formas, tamaños... me ha parecido destacable la obra surrealista Szenczi-Mañas, los trabajos paisajísticos de Maurizio Lanzillota, y la pintura colorista de Roberto Mollá (con influencia japonesa).

Este último, comenzó su andadura en la pintura en Tokio en el año 94, y desde entonces ha realizado multitud de exposiciones tanto en Japón como en España. La influencia de las geishas es palpable en toda su obra, y su daltonismo, supuestamente un problema para un pintor, le ha llevado a tener que reducir su paleta de colores más por obligación que por propia elección, resultando de ahí una obra basada en tres colores, blanco, negro y otro que el artista va modificando. 

Fuente: galería tercer espacio   

En Cahiers d´Art VI en 1931 apareció un artículo que el artista escribió como respuesta a una crítica a sus tendencias en pintura. En el articulo, Mondrian, como buen precursor de las segundas vanguardias, defiende que el arte abstracto puede seguir provocando emociones, y que si este no lo hace no es por culpa de la técnica, sino que es problema del artista en cuestión. Que este nuevo arte no es sólo un compendio de líneas geométricas y colores planos, como un estudio matemático, sino que estas líneas buscan el reflejo de una realidad más compleja, no es un arte decorativo u ornamental sino que refleja un todo, las líneas y los espacios marcan un ritmo y provocan una emoción al espectador.

Los colores, que como bien destacó Kandinsky, pueden ser según se combinen frios o calientes, dan el sentido a la pintura, no es una combinación aleatoria, sino un estudio de la composición profundo y con un objetivo claro de emocionar.
Tampoco se ha llegado a un callejón sin salida, si bien es cierto que la neoplástica se ha establecido como el tope máximo de la obra cubista (según él), el cubismo como tal, la obra plástica, puede seguir infinitos caminos. La obra neoplástica puede ser perfeccionada, pero no podrá evolucionar, ya que ha llegado a su final.

Mondrian se constituyó como el mayor seguidor de las líneas rectas, verticales y horizontales como expresión artística, que él veía como única posible en la línea de la neoplástica, detalle en el que su colega pintor Van Doesburg disentía. El uso de la línea diagonal en sus composiciones, detalle no tolerado por Mondrian, hizo que la distancia aumentara y llegara a provocar el abandono del grupo de Mondrian. Sus formas romboides u octogonales encuadrando a verticales y horizontales, no daban cabida a una estética más dadaísta o Bauhausiana, sino que seguían una línea más Futurista.

Obras: Muestran la evolución del artista hasta sus obras más conocidas.
Fuente: ARTE carroggio enciclopedia

Guinovart, pintor y grabador que perteneció al grupo Dau al Set, junto con Cuixart y Tápies. Durante los primeros años de su carrera artística realiza murales, escenarios de teatro, carteles... su estancia en París le permite familiarizarse con el cubismo y artistas ya consagrados, lo que le marcará posteriormente. 

Se siente pronto atraído por el informalismo y la abstracción. a finales de los 50 comienza a utilizar también objetos en sus pinturas, y hace una especie de collage o assemblage en la pintura, casi toda de gran formato. Utiliza materiales tan dispares como madera quemada, bidones, cajas, etc. Hay una mezcla de símbolos de la naturaleza, el campo y la tierra. Hay un gusto constante por el uso de las tres dimensiones en sus obras.

En los años 80 es cuando recibe reconocimiento tanto de su patria, España, como internacional. Le fueron concedidos aún en vida varios galardones de importancia. El Museo Agramunt, localidad a la que siempre estuvo unido, guarda parte de sus obras. Podéis encontrar algunos de sus cuadros en el fondo de Galería de Antonio Machón.  

Fuente: artelista.com, galería Antonio Machón, picassomio.es, elpais.com, tallerdelprado.com

Broto es un genial pintor aragonés neo-abstracto cuya obras está ahora expuesta en la galería Soledad Lorenzo (calle Orfila 5). Impresionante este artista, aunque no me sorprende ya que todo lo que lleva Soledad, ya sabe ella muy bien qué vale la pena. Sus elecciones son siempre fantásticas, no dejéis de ir a ver esta galería.

La obra de Broto, quien perteneció al grupo Trama, se ve influenciada por el grupo francés Support(s)-Surface(s), aunque desde 1970, hay un cambio claro en su estilo. Pasa de representar formas geométricas con colores planos, a unas figuras más abstractas, que incluso mezcla con signos matemáticos o símbolos musicales. Hay también un cambio en el color, con objeto de ser más expresivo, las pinceladas son visiblemente más coloristas. Y como el mismo artista dice, puede que hayan sido los colores mediterráneos de la isla de Mallorca los que han producido esa explosión de color en sus cuadros. En sus obras hay cierta influencia también del cubismo y Cezanne, así como del expresionismo abstracto. El uso de materiales y técnicas es diverso; utiliza acrílico y alquitranes, superposiciones de pintura líquida y hasta dripping.

"Creo que la pintura todavía relata cosas, pero yo no soy un pintor literario ni figurativo. Prefiero los cuadros elípticos, ir dando huellas para que cada uno reconstruya a su manera"."Ya no hay una solución global, ni un estilo triunfador, ni una forma artística ganadora, sino una variedad ecléctica".

Fuente: galería Soledad Lorenzo , files.publico.es

Me pasé por la exposición nueva de Marta Cervera y la verdad es que me resultó muy interesante. La galería está dividida en dos espacios de exposición y cada uno tiene ahora cosas muy diferentes. Del 10 de Septiembre al 10 de octubre, ambos tendrán exposiciones muy interesantes, que os recomiendo ir a ver, de escultura e instalaciones.son ambos espacios pequeños pero acogedores.

En el espacio de General Castaños 5, estará expuesto el último trabajo de Nuria Fuster, una joven artista que realiza instalaciones con objetos usados que se encuentra, y que junta, ensamblaje, dándoles extrañas formas que recuerdan a pinturas abstractas pero con objetos. En sus instalaciones también usa tubos fluorescentes, lo que da un aire futurista. Ha realizado exposiciones en Estados Unidos, Barcelona y muchas en Madrid, y ahora podéis ver sus trabajos en Marta Cervera, fotografía de instalaciones e instalaciones.

Y en el otro espacio, muy cerca, en la plaza de las Salesas 2, podemos ver obras del reconocido Juan Muñoz. Estos trabajos son otros distintos a los mostrados en el museo Reina Sofía durante el verano, así que para los que os gustó, os recomiendo ver estos también ya que nos muestran una cara más profunda del artista. Son obras más pequeñas entre las que encontramos una de las pinturas del tema mobiliario, en blanco y negro. 

Fuente: www.nuriafuster.com, Galería Marta cervera

"The concepsts of fuel&full" es un estudio de Gamaliel Rodríguez, un artista puertorriqueño, sobre los diferentes tipos de energía que se usan actualmente. Refleja en sus láminas desde combustibles fósiles hasta energías limpias y donde nos lleva el uso de estas energías, que no es a un planeta mejor cuidado, sino a la posesión de armas más evolucionadas... analiza así todas las posibles fuentes de energía desde muy primarias como son los cereales, hasta elaboradas como centrales nucleares.

Pinta sus dibujos con bolígrafo, lo que le da una gran semejanza a grabados, parecidos en cierto modo a planos de arquitectura. Muestra dibujos de diferentes espacios grandes que le han llamado la atención como posibles centros de almacenamiento de estas energías. "Waiting for the sunrise" es el dibujo más destacado de la exposición, no solo por su gran tamaño sino también por la significación que conlleva.

La Galería Espacio mínimo, en Doctor Fourquet 17 le dedica más de un mes (10 Septiembre-17 Octubre) a este artista y a sus dibujos en papel.  

Fuente: Galería espacio mínimo

De la relación entre la música y el arte, entre las formas y los colores, lo espiritual reflejado en el arte según Kandinsky.
La música está en el interior de las personas y así como las melodías provocan sensaciones diferentes en cada uno, los colores, a su vez, provocan una melodía. Hay una afinidad especial entre las artes; música y pintura están relacionadas. Los colores son infinitos, pero la mente les pone límites, las posibles tonalidades y combinaciones no tienen fin, así como las formas, que pueden combinarse y mezclarse.

Cada forma, con cada color, tienen una melodía interior que transmite un sentimiento al espectador; transmite una melodía, unas sensaciones. Pero estas formas, no deben combinarse con los colores de forma aleatoria, según nos dice el artista, ya que no es lo mismo el efecto que produce un círculo azul, que un triángulo amarillo. La potenciación del color es muy diferente según la forma en que este se utilice. En el caso de usar una forma inadecuada, cito: "no estamos ante una disonancia, sino ante una nueva posibilidad, es decir, una nueva armonía". Con lo que concluye que, todo es posible.

A partir de el año 1925, Kandinsky se introduce aún más en el estudio de la geometría en la pintura. abandona esos cuadros coloridos sin formas definidas, y busca la claridad y el rigor en composiciones geométricas. La cercanía de una línea vertical y una horizontal, un triángulo rozando un círculo, para él todo tiene una tensión y significación especial.

El círculo se constituye como figura geométrica predominante en esos años, como antes lo había sido el caballo. Dice: "Hoy amo el círculo como antes amaba el caballo, y quizá más, porque en el circulo encuentro mayores posibilidades interiores, [...] este reacciona a las presiones del espacio que lo rodea, reúne el fuera y el dentro, a los cuáles está agarrado como un jeroglífico".

Fuente: De lo espiritual en el arte, V.Kandinsky. SE Milán. 1989. pp47-51, ARTE carroggio (los impresionistas y los creadores de la pintura moderna)

Esta muestra sí que no os la debéis perder, es una genial exposición de uno de los artistas consagrados más importantes del momento. En la galería Álvaro Alcázar, organizan, como parte de Artemadrid, una muestra de la obra de este artista. (Del 10 de Septiembre al 30 de Octubre, en Hermosilla 58).

Rafael Canogar es uno de los artistas que formaron parte del grupo el paso, junto con Saura, Millares, Feito... y marcaron el principio de las vanguardias en España. El grupo el paso surgió gracias a la mediación de una galería que ya no existe, Fernando Fe, que en aquellos años estaba en la Puerta del Sol. Esta unión de artistas, fue con el objeto de unir intereses comunes y luchar por un arte nuevo, en crecimiento.

Canogar se consagró pronto como el mayor representante del arte abstracto, y su obra sigue llamando la atención por los colores, las formas geométricas y la superposición de colores. Los de esta exposición son óleos muy coloristas, en los que mezcla trazos, brochazos abstractos con fondos planos, monocromáticos, dando la impresión de una tercera dimensión en la pintura. La superposición de formas y la mezcla de texturas son las firmas de su obra. En estas obras hay una vuelta total a la abstracción geométrica, donde las formas son perfectamente rectas, y definidas.  

Canogar comenzó joven a dedicarse a la pintura, tuvo como maestro a Vázquez-díaz y se vió pronto inmerso en las vanguardias. Se dedicó pronto al arte abstracto, pasando por el informalismo y la figuración. Tiene obras en las que la figuración es parte importante de ella, esculturas encima de la pintura, pero este artista ha sido siempre un artista cambiante, y retorna a las formas geométricas poco a poco. Se ve en toda su obra su búsqueda de la pintura escultura, aún habiendo dejado de lado el periodo más figurativo.

Fuente: Galería alvaro alcázar, mudmedia, enlaces de wikipedia

Cai Guoqiang es un artista del que se ha estado hablando mucho durante el último año, ya que fue el organizador de la ceremonia de apertura de los juegos en Beijing. Un espectáculo de sonido, luces, y actuaciones que dejó boquiabierto a más de uno. Cai lleva varios años destinado a los juegos pirotécnicos, tanto sobre papel en pequeñas explosiones como instalaciones medianas en museos o grandes espectáculos al aire libre.

Siempre busca reflejar momentos de la historia china, ya sea antigua o actual, sucesos de importancia política, o incluso cosmología taoísta, la revolución maoísta, el terrorismo, la pirotecnia y el budismo. Sus obras en papel se asemejan a la caligrafía china, llevada al extremo. Si ya los caracteres en las caligrafías resultan dificilmente comprensibles incluso para aquel que ha estudiado el idioma, las obras de Cai con pólvora, son un paso más en la abstracción de este arte.

Es uno de los artistas chinos de mayor reconocimiento en su país, y en mi opinión es alguien al que seguir. Según las palabras del propio autor: "Mis instalaciones siempre han perseguido una fluidez temporal, en contraste con la libertad estilística que me permito. En esencia mis obras representan una naturaleza participativa y el flujo del tiempo."

Fuente: Guggenheim Bilbao

"Los esquizos de Madrid" es una exposición que podéis ver en estos momentos en el Reina Sofía, hasta el 14 de Septiembre. Es una muy buena exposición de obras de la colección del Reina, enmarcadas en la figuracion madrileña de los años 70. Abarca un periodo muy complejo de la historia española, como es el final del franquismo, y la transición a la democracia, momento en que muchos artistas se salieron de las rutas marcadas y comenzaron a experimentar con nuevas tendencias internacionales. Como su nombre indica eran esquizos, squizo: división, escisión.

Este grupo de artistas aquí expuestos, ya desde los principios de los 70 sentían que estaban viviendo otra época, la dictadura estaba cayendo, y ellos la veían ya como desaparecida. En los primeros años se ve una gran mezcla de tendencias, gustos artísticos, usos de referencias literarias, musicales, visuales... en los primeros años hay un poco de todo pero siempre con el objetivo común de romper con lo anterior y buscar más allá.

A partir de la primeras elecciones, los caminos de estos artistas se separaron, y ya no les unía el objetivo de años atrás. Los años 80 supusieron una expansión del ansia creativa. Fueron unos años clave en la historia del Madrid contemporáneo.
Algunos de los artistas aqui representados son: Carlos Alcolea, Chema Cobo, Carlos Franco, Herminio Molero, Guillermo Pérez-Villalta, Rafael Pérez-Mínguez, Manolo Quejido, Luis Gordillo...  

Fuente: Museo Reina Sofía, blogs

 
Cuadro 173

Impresionante, eso fue lo primero que pensé al verlo en el Museo Reina Sofía, y lo quiero compartir aquí con vosotros. Me pregunté ¿Cómo se le habrá ocurrido esto? es un manojo de tela anudado, unido por pintura... pintado encima.... colocado a modo de óleo.

Esta tendencia comenzó en el año 1955, a mediados de la vida de su autor, Manuel Millares, uno de los artistas españoles más reconocidos. Ese año fue cuando comenzó a utilizar arpillera, que es una tela áspera usada sobre todo en sacos o tapicería. El uso de este material supuso un cambio radical con lo que había estado haciendo hasta entonces, pictografías abstractas y surrealistas basadas en la vida Guanche (indígenas canarios).

Cuadro 92

El uso de la arpillera comienza siendo un extra en la obra, influenciado su uso por la visita a las momias que se conservan en el Museo Canario. Además de este material también incluía tierra, cerámica o madera, al menos en sus primeras obras desde el 50. En el año 1955, la arpillera se convierte en el óleo, el material sobre el que realizará la obra. Aplica color a la tela, e incluye roturas y desgarros, así como remiendos y cosidos.     

Reduce el uso de los colores a marrón, rojo, negro y blanco, y los materiales que usa ya no son más que la arpillera. El color negro se vuelve el protagonista absoluto en sus obras, con el que crea ese efecto dramático al juntarlo con el blanco. 

A las formas que el artista da sobre esta tela, se les da la denominación de homúnculos, pequeños hombres, ya que parecen trozos de cuerpos retorcidos y desgarrados. Con ello quiere transmitir desesperación, angustia... haciendo referencia a los guanches masacrados por los conquistadores, y a los caidos en la guerra civil española. Y con los rotos quiere reflejar las atrocidades que se cometen en el mundo. 

fotos:arteinformado, artehistoria, reina sofia, theartwolf

En el año 1988, Mecano sacó un disco, "Descanso dominical", con una canción dedicada a Dalí: "E uN genio Salvador Dalí". Es un buen montaje de fotografías del artista, del que ya no sé qué más se puede decir. Como supongo que todos ya lo conocemos, comparto con vosotros esto que he encontrado. Espero que lo disfrutéis.

No os perdáis en la página en inglés otro video de un concurso americano en el que participó Dalí, es buenísimo, os partiréis de risa.

Fuente: YouTube

Bernardi Roig es un artista Mallorquín nacido en 1965, que realiza esculturas e instalaciones cuanto menos extrañas. Utiliza la luz blanca como foco visual, y le da mucha importancia a aquello que puede perturbarnos. Lo cierto es que me han llamado la atención por lo brutales que son. Son un compendio de dibujos, esculturas, pinturas e incluso un video, que marcan un orden, una historia que el espectador sigue. Roig está en estos momentos participando en la Bienal de Venecia, la 53ª edición, que finalizará en Noviembre, y expone su obra en Ca´Pesaro. Galleria internazionale d´art Moderna de Venecia. El artista ha mantenido la galería con su exposición permamente, con la que ha jugado para hacer un diálogo con sus obras. De esta forma lo que hace es que el espectador mire con otros ojos, obras que de otra manera ya no sorprenderían por el hábito de verlas.  

"Confío en que el blanco pueda significar la ausencia del escenario empírico, eso es la disposición de un lugar que pertenece solo a la nebulosa del sueño, un lugar que no hace otra cosa que aconsejar lo prohibido. El vínculo del deseo y la mirada es lo que construye el Eros en la imagen y eso es precisamente lo que genera el brutal abismo entre la soledad y la comunicación del proceso creativo.
Es evidente que uno ama aquello que le perturba, por ello quizás lo invertimos todo en acariciar nuestras obsesiones." Estas son afirmaciones del propio artista ante la exposición realizada en la Galería Max estrella en 2005.

Son instalaciones que llaman la atención, que sorprenden, y es eso exactamente lo que él busca en el espectador. Se centra en sus obsesiones que son la muerte, el hombre, la inmortalidad...  
Es uno de los artistas jóvenes más interesantes del panorama español. Podemos encontrar en su obra referencias a la abstracción y figuración, e influencias de otros artistas como Malevitch, Beuys, Nicholson...

Fuente: museo carlo bilotti, galería max estrella

Hasta el día 6 de Septiembre hay una exposición sobre Annie Leibovitz, su vida y sus trabajos, en Alcalá 31. Es una muestra de casi 200 fotografías en las que retrata a gente de su entorno, sobre todo a miembros de su familia y a su amiga Susan, y aquellos que le encargan trabajos. Es una recopilación fantástica, esta muestra fue la base de la que estuvo exhibida en la National Gallery de Londres el pasado invierno. Es de las poccas muestras que quedan para ver de Photo España 08, os animo a verla, no es tan fácil tener en Madrid un recopoilatorio tan extenso de Leibovitz.

Son muy conmovedoras las fotos que hace con Susan Sontag.Ya que Susan falleción de cáncer, y Annie la retrató durante toda la enfermedad, en los diferentes momentos por los que pasaba. Hay una fotografía de Susan en Petra, que comenzó siendo la figura de esta una simple ayuda a la luz y el montaje, y acabó siendo algo más centrado en la persona y menos en el paisaje que la rodea.

Hay varias de sus fotos más famosas de celebridades. No falta una de sus estrellas, el desnudo de Demi Moore embarazada. También tiene otras de políticos o figuras representativas de la actualidad.

Un video en la planta de arriba, te cuenta un poco más sobre ella, y lo que le llevó al mundo de la fotografía, por el que no sentía de pequeña ningún interés. La cámara de fotos fue siempre una compañera de viajes, de reuniones familiares, y nunca le resultó una extraña. Siempre ha habido en sus fotos familias, escenas con niños y mayores. De ahí que muchas de sus fotos por encargo, también se centren en la familia. Como ella misma comenta, sus propios viajes de niña, en los que iban de una base militar a otra, son los que hicieron que su pasión por la fotografía surgiera casi sin sentirlo, ya que desde el coche, todo se ve ya enmarcado, y no resulta tan diferente ver el mundo desde la ventanilla de un coche, o desde el objetivo de una cámara.

 Fotos: nytimes.com, blog.tendencias.tv, stylefrizz.com

Antoni Tàpies es uno de los artistas españoles contemporáneos informalistas más reconocidos a nivel mundial. La influencia de la segunda guerra mundial se ve claramente en su obra, en la búsqueda de nuevas técnicas, y el interés por materia como tierra, polvo, átomos... saliéndose de los cánones académicos. Tàpies quiere con su obra tocar a las personas, y cambiarlas. Durante el periodo de convalecencia antes de dedicarse únicamente al arte, estudió a escritores como Sartre o Nietszche, poetas y pintores (Van Gogh y Picasso), que le influenciaron en gran medida su elección posterior por el existencialismo. Su estancia en París y el acercamiento a las vanguardias, le hizo intesarse por lo abstracto, y abandonar la tendencia anterior.

Tàpies representa imágenes que encuentra en su vida diaria, de diferentes formas, e incluso llega a representar objetos y situaciones desagradables, para provocar una reacción en el espectador. Su obra ha sido influenciada por política y sociedad, y se ve una voz de protesta en las obras durante la dictadura. El uso de materiales no pictóricos es según pasan los años cada vez mayor, y el uso de la tela se hace más acusado. Llega incluso a utilizar gomaespuma, aerosoles, barnices o tierra, en superficies rugosas, granuladas o lisas a la vez. Hay un gusto claro del uso de pinturas junto con materiales en formas que sobresalen. La aplicación de la pintura o los materiales no siempre es igual, hay veces que pinta, otras pega, otras utiliza directamente los dedos... no hay límites para la creación.

El interés por el Taoismo, filosofía oriental, se ve reflejado en la obra de los años 80. Esta es una filosofía que identifica al hombre con la naturaleza, son un uno sólo. También el Budismo se convierte en influencia de Tàpies, convenciéndole de la importancia de conocer el dolor, para poder sobrellevarlo. Para poder conservar su obra y dar a conocer el arte contemporáneo, se creó la Fundacio Tàpies, por iniciativa del propio artista.  

Llevo ya un tiempo siguiendo a este artista, y me ha parecido interesante compartirlo con vosotros.
Eduardo Nave es un fotógrafo Valenciano, interesado por la fotografía documental. La Galería Estiarte es quien le representa, y allí podreis encontrar algunos de sus trabajos pasados.

Me llaman mucho la atención las instantáneas tomadas en el matadero de Madrid. Dan una sensación rara de soledad y vacio. Lo cierto es que son fantásticas ¡! Parece mentira que antes hubiera habido tanta vida entre esos muros, ahora sólo se puede uno imaginar lo que allí pasaba.

Fuente: Web del artista: Eduardo Nave

Juan Genovés, nacido en 1930, es uno de los pintores más representativos de los 60 en España. La figuración es parte imprescindible de su obra, como él dice, recurre a la persona para hacer que la misma persona entienda la obra. Siempre ha habido en él deseo de ser entendido y gustado, y rechaza el arte incomprensible y con el que uno no se puede identificar. Sus obras se ven siempre diferentes de cerca y lejos. De lejos uno ve una forma difuminada, llena de personitas diminutas, y según nos vamos acercando, se pierde la perspectiva de la persona, para quedarse con manchas de pintura.

Este cuadro, "el Abrazo", se pintó durante la transición democrática española, convirtiéndose en un símbolo de la amnistía en España y luego fue llevado a la escultura y colocado en Atocha en Madrid, como homenaje a los abogados asesinados.

En las pinturas recientes, sobre fondos urbanos sin formas, sin edificios, sin calles ni árboles, las diminutas figuras se esparcen por el dibujo, como si estuvieran solas y no supieran hacia dónde ir. Con estas obras él quiere llamar la atención sobre su compromiso social, representa a personas, que se convierten en una multitud, que son arrastradas hacia un abismo oscuro. Con esto no pretende sino mover al espectador, hacerle reaccionar ante la desubicación.     

Fuente: web del artista: Juan Genovés

Hoy estuve en lo de Ruth Benzacar, y hablé un rato largo con Orly Benzacar. Que bien lo pasé ¡! Están exponiendo a Mondongo, un grupo de tres artistas. Obra fuerte, pero muy muy creativa, sobre todo en el uso de los materiales: Plastilinas, hilos, plástico. Pero lo mejor es que tienen el arte de combinarlo bien. Es fantástico ver la obra de lejos e ir acercándose, se pueden ver muchos cuadros en uno. Muy recomendable.

Y en el salón de abajo hay cuatro artistas muy jóvenes. Divertidos. Me gustó especialmente una obra de Leopoldo Estol, una farola que se va encendiendo y apagando. Está bien lograda. Los que estéis en Buenos Aires mi recomendación de que la veaís, está hasta el 7 de agosto así que un par de días quedan ¡!

Estuve un rato largo en el fondo de galería. Vi muy cosas buenas. Por supuesto los consagrados, Res, Liliana Porter, el Maestro Ferrari. Una joyita poco vista de Marta Minujin, un tríptico donde está ella con Andy Warhol. Y también vi algunos artistas jóvenes, sobre todo fotógrafos, que me llamaron la atención. Tengo bastante material, os iré comentando sobre cada uno de ellos porque vale la pena seguirlos.

Me contó Orly que este año ya la aceptaron en Art Bassel, es para felicitarla. Y para alegrarse que Argentina pueda tener una galería ahí representada. Felicitaciones Orly ¡!

La semana pasada estuve en Estiarte (en la calle almagro 44) , tenía ganas de ir. Siempre tienen cosas distintas y además todos los de la galería son encantadores. La exposición es de Begoña Zubero (durará hasta el 14 de Septiembre, Agosto cerrado). Begoña se lleva dedicando desde hace tiempo a la fotografía documental, a la que aporta una mirada poética y compromiso ético. Estas fotografías son parte de la serie Existenz, y fueron tomadas en Armenia en 2007. La artista les ha dado el nombre de Cas&Gas.

La muestra son fotos de gasolineras y casinos, y siempre hay presente una figura humana. Son fotos que te llegan, técnicamente a mí me parecieron fantásticas. Además consiguen ser cálidas, cosa que parece difícil de lograr teniendo en cuenta la temática y el hecho de que es de noche. Con estas fotografías, según ella misma dice, no busca un reflejo documental de la realidad del momento y la arquitectura del lugar, sino que busca transmitir con la imagen hechos y situaciones que allí se produjeron. Para mí, está muy bien logrado.

La obra de Fernando Botero me ha llamado la atencion desde siempre. En mi ultima visita a la galería Marlborough, estaba esta obra suya expuesta, lo que me ha llevado a querer investigar un poco sobre él y compartir con vosotros alguna de sus obras. 

 

Sus inicios fueron más bien costumbristas, pintaba paisajes colombianos en acuarela y recibe con influencia de muralistas mejicanos y arte precolombino. Los viajes a Europa, con estancias en España y Francia, suponen un cambio importante en la obra del artista. Después de su viaje a Italia en 1955, comenzó a unir el arte mesoamericano con el europeo, dando inicio a sus obras de grandes volúmenes.
Esta bañista en la playa es un representante claro de su obra. 

Este gusto por lo monumental comenzó en Italia, después de haber estudiado la obra de artistas del renacimiento. Este periodo en Italia marca profundamente su obra, y es considerado por él mismo como el más importante de su carrera. Le llaman la atención en las obras del renacimiento la plenitud de la forma, la organización del espacio y la armonía cromática. Como él mismo dice, estudiando a estos artistas, adquirió mayor claridad sobre espacio y volumen, y fue ahí cuando se le acentuó el deseo por lo enorme, lo fuerte, lo monumental, y comenzó a plasmarlo en su obra. A pesar de las numerosas críticas que recibió, durante sus años en Estados Unidos (años 60), él siguió siempre firmemente convencido de la calidad de su trabajo.  

Hoy en día puede decir que ha realizado exposiciones por todo el mundo, y muchas de sus obras han sido donadas a importantes museos Colombianos. 

 

Vivió en París durante los 70, donde comenzó a plasmar las características de su obra pictórica en la escultura. Varias ciudades muestran en sus avenidas principales obras de Botero, como esta Mano, en el Paseo de Recoletos en Madrid. Botero se ha consolidado como un lazo entre dos continentes, entre los maestros europeos y las tradiciones latinoamericanas. 

Siendo la Galería Marlborough (calle Orfila, 5) una de mis preferidas no puedo menos que destacar la exposición colectiva que hubo durante el pasado Julio y que probablemente seguirá hasta mediados de Septiembre. Eso sí, cerrando en Agosto.

Más de 25 artistas, pintores y escultores, se unen para hacer de una visita a una galería una experiencia de lo más enriquecedora. Encontramos esculturas de materiales diversos como acero, aluminio y hierro forjado, y pintura al óleo sobre lienzo, acrílicos sobre tabla, serigrafía, fotografía, acuarela, témpera, una muestra de lo más variada.     

El cuadro de Genovés que tienen en estos momentos (columna II) es especialmente bueno. Para los que no lo conozcáis, Juan Genovés es uno de los pintores realistas contemporáneos que a mí más me gustan. Me encanta primero verlo de lejos, ver como esas pequeñas manchas son idénticas a personas e ir acercándome para cambiar la visual de la persona a la pintura. Genovés es uno de los grandes de España. Estuve en marzo en NY y Marlborough NY le hizo una muestra que era fantástica.

Estos son todos los artistas que podreis ver en la exposición (cuadro tomado de la página de la Galería Marlborough), que se muestra en sus dos salas.

Fuente: Galería Marlborough, obras de los artistas: Abraham Lacalle, Manolo Valdés, Juan Genovés, Alfonso Albacete.

La Galería Zúccaro tiene en estos momentos una exposición de Pedro Roldán, cordobés, nacido en 1954, que seguirá hasta el día 24 de julio de 2009. Roldán tiene la capacidad de usar los colores de su paleta, de forma que parezca que los vemos todos juntos en una misma pintura. La estancia se ve iluminada por su obra.

Sus óleos se ven todos iluminados de amarillos y azules, y dan lo mismo una sensación de tranquilidad cuando son imágenes de barcos flotando en las aguas que de inquietud al plasmar el alba en pueblos y montes.

Fuente fotos: Galería Zúccaro