Lugar: Instituto Cervantes, Madrid, hasta el 12 de septiembre.

Den el nombre que den a esta muestra albergado por el Instituto Cervantes, la cosa es que en este tipo de exposiciones colectivas uno abre la mente, se deja llevar y se llena de experiencias por vivir que se hacen imprescindibles cuando estás acostumbrado a ver tanto arte.

“Descubrimientos”, como se solía llamar antes, o “Encubrimientos de PHE10" como ha elegido titularse este año, es una muestra compuesta por 56 fotografías y tres videos realizados por 10 jóvenes creadores de Sudamérica, que reflejan las nuevas tendencias de la fotografía en ese continente, aunque, por supuesto no pretende ser un reflejo único del panorama.

Pero son un buen conjunto de obras, donde encontramos reflejado el gusto en Guatemala por el pelo rubio, somos absorbidos por unos paisajes –en gran formato- marcados por el paso de un oleoducto, y, quedamos petrificados ante los retratos de Gerardo Repetto. 

La galería Espacio mínimo (Doctor Fourquet 17) presenta hasta el 23 de Julio una serie de fotografías tomadas por el fotógrafo Martin Parr en varios lugares del mundo. En esta serie no toma fotografías de la clase obrera o clase media, que fueron sus protagonistas en series anteriores, sino que esta vez se centra en la clase alta, los ricos y nuevos ricos que participan en los más elegantes y caros eventos alrededor del mundo.

El dato más curioso de la exposición es que el significado de las imágenes ha ido cambiando según se han ido tomando (desde 2003). El hecho de que todas fueran tomadas antes de 2009, nos hace reflexionar sobre el influjo que la crisis financiera global ha tenido en la clase alta, que ya no se muestra tan dispuesta a lucir sus riquezas en público.

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Espacio mínimo gallery presents until the 23rd of July a series of photographs taken by Martin Parr in several places around the world. This time he takes pictures of the upper class. Those that participate in luxurious and elegant events around the world. The interesting thing about this exhibition is that the meaning has changed with time. The fact that all the pictures were taken before 2009, makes us think about the influence that the financial crisis has had on the upper class, not so willing to show veryone their possesions anymore.

Fuente: galería Espacio mínimo

Bajo el nombre de "Mañana", el artista Gerardo Aparicio presenta sus últimas obras en la galería Antonio Machón (Conde de Xiquena 8) hasta el día 25 de Junio. Un conjunto de obras abstractas, en las que destaca el uso del cromatismo. 

El propio artista explica con pocas palabras el significado de esta exposición. Para él es el reflejo del desasosiego interior y las contradicciones que vive. Y el titulo, que a primera vista pudiera parecer optimista, lo que quiere comunicar es la incertidumbre futura, y un temor a lo que viene después.

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Under the name "Tomorrow" the artist Gerardo Aparicio presents his latest work in Antonio Machón gallery, until the 25th of June. With this title he wants to reflect the uncertainties of the future and the contradictions in which he lives in.

Fuente: Galería Antonio Machón

La galería Cayón ha reunido en el espacio habitual de Orfila 10, y en uno temporal en Castelló 19 una interesante exposición colectiva con obras de muy diversos artistas (hasta el 30 de Julio). Encontramos obras de Palazuelo, Chirino, Barbadillo, Knop Ferro o Herminio, presentadas todas juntas en un espacio mucho más grande que el habitual.

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Cayón gallery has got together in the usual space in Orfila 10 and in the temporary one in Castelló 19, an interesting compilation of artworks by different artists (until the 30th of July). We can find works by Palazuelo, Chirino, Knop Ferro or Herminio, presented all together in a space much bigger than usual.

Fuente: Galería Cayón

María Bleda y Jose María Rosa son dos fotógrafos españoles que trabajan juntos desde sus primeros años en la fotografía. Sus series se basan en espacios que han cambiado de uso, como los campos de fútbol, o espacios hoy vacíos en los que quedan vestigios de un pasado a veces sangriento, como en la serie campos de batalla.

Hay una cierta investigación antropológica en sus fotografías. Son todo fotografías actuales, en lugares que parece que quieren hablar, que quieren contar una historia de lo allí acaecido.

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María Bleda and José María Rosa are two spanish photographers who work together since they started in photography. Their series are based on spaces which usage has changed, like football fields, or spaces now empty in which we can still find traces from the past, sometimes bloody, like in battle-fields series. There is a certain anthropologic investigation in their photographs. All are photographs that look like they want to tell a story, to say what happened in there.

Fuente: Bleda y Rosa

La galería Elvira González (General Castaños 3) expone hasta el 30 de Junio cuatro esculturas de gran formato de John Chamberlain, artista norteamericano. Las obras están hechas con acero pintado, retorcido y estrujado, que proviene de carrocerías de coches. Las obras están exentas, situadas en mitad del espacio, para que así el espectador pueda pasearse entre ellas y apreciar todos los puntos de vista que se le ofrecen.

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Elvira González gallery shows until the 30th of June four large-scale sculptures of John Chamberlain, northamerican artist. The artworks are made of painted steel, twisted and crumpled, that comes from car bodywork.

Fuente: galería Elvira González

La galería Casado Santapau (Conde de Xiquena 5), organiza desde el 6 de Junio hasta el 27 de Julio una exposición de fotografía de Boris Mikhailov (1938). Mikhailov es un artista autodidacta Ucraniano que ya trabajó como fotógrafo en tiempos de la Unión soviética.

Tomaba fotografías de la gente en la calle, antes, durante y después de la caída de la Unión soviética, queriendo así dejar constancia de la situación que verdaderamente se vivía en el país, y no la que se aparentaba desde la élite consumista.

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Casado Santapau gallery, organises from the 6th of June until the 27th of July a photography exhibition of Boris Mikhailov artwork. Mikhailov is a self-taught Ukrainian artist who already in the soviet union times worked as a photographer.

Fuente: galería Casado Santapau

La galería Pilar Parra & Romero (Conde de Aranda 2) presenta del 1 de Junio hasta el 31 de Julio la obra de Stefan Bruggemann. El nombre dado a la muestra es Permanent production of excess (red, green, blue).

Bruggemann utiliza para sus obras materiales diversos así como técnicas distintas. Entre los trabajos pasados he encontrado algunos que me han parecido curiosos. La colección Nothing boxes, cajas apiladas en espacios vacíos, las instalaciones lumínicas bajo el nombre de Obliteration series o las obras escritas en muros, Text pieces. Es un artista interdisciplinar que utiliza de igual manera escultura, instalaciones o dibujo en sus obras.

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Pilar Parra & Romero gallery presents from the 1st of June until the 31st of July the work of stefan Bruggemann. The name given to the show is Permanent production of excess (red, green, blue).
Bruggemann uses different techniques and materials in his artworks. Among those I found some interesting ones: Nothing boxes, the Obliteration series or the Text pieces.

Fuente: galería Pilar Parra & Romero, Stefan Bruggemann

Luis de Garrido. Geoda 2055. oficinas

En la Fundación Canal podrás disfrutar de una recopilación de proyectos relacionados con el medio ambiente y la arquitectura.
La exposición se llama “Hacia otras arquitecturas: 24 proyectos sostenibles”, fue inaugurada el 25 de Mayo y estará hasta el 25 de Julio de 2010.
Encontrarás fotografías maquetas y paneles explicativos relacionados con la construcción sostenible.
Sin duda un encuentro que cambiará nuestra percepción sobre arquitectura

Yeang. Solaris Building 

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Fundación Canal reviews 24 sustainable projects of national and International architects.

The exhibition's name is “Hacia otras arquitecturas: 24 proyectos sostenibles”, (from 25th of May until 25th of July)
Here you will find several photographs, scale model buildings and some exhibition panels related to sustainable construction.

It will undoubtedly influence our perception of architecture.

Ambasz. Eni Tower

Images & Source: Fundación Canal

Me ha llamado la atención esta descripción del artista de sí mismo que he encontrado en su web, y me ha parecido interesante compartirlo con vosotros, así como algunas de sus obras.

"Nunca soy lo que se espera de mí. Al contrario que otros de mi generación, mi obra adolece de continuidad. Sin predisposición consciente a una trayectoria desconcertante, aparezco y desaparezco con cada colección; soy un creador desobediente y mi estilo no es reconocible como el de otros. No he encontrado un solo estilo por el que guiar cada extracción de mis sentimientos, por el que filtrar cada cosa que quiero decir; que necesito decir".

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It got my attention this description that the artist does of himself in his website, and I found it interesting sharing it with you, as well as some of his works.

"I am never what I am expected to be. My work lacks continuity, as opposed to the work of others who belong to my generation. I appear and disappear in each series without a conscious predisposition to a disconcerting course. I am a disobedient creator and my style is not recognizable as that of others. I have not found one single style through which to guide the extraction of my feelings; to filter what I what to say. Nevertheless, in this lack of  continuity I still preserve a common language – the language of my profound preoccupations; of my perennial interests".

Fuente: Fernando Bayona

Richard Hamilton, pintor, grabador y teórico, es uno de los artistas vivos de más reconocimiento. Es considerado el padre del pop británico, y en estos momentos está en dos exposiciones a la vez en la capital.

Por un lado presenta una muy pequeña muestra, bajo el nombre de pequeña retrospectiva, en la galería Juana de Aizpuru (Barquillo 44, 1º), y también podéis encontrar obtras suyas en el Museo del Prado, dentro de un conjunto de obras de varios artistas en las que se representan las Meninas de Velázquez bajo el punto de vista particular de cada uno de ellos.

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Richard Hamilton, painter, engraver and theorist, is one of the alive artists more recognised. He is considered the father of the British pop and nowadays he has two exhibitions at the same time in Madrid. One in Juana de aizpuru and another one, part of a collective show in Museo del Prado.

Fuente: arteinformado, Juana de Aizpuru, Museo del Prado 

El camino entre dos puntos es un vídeo realizado por Sebastián Díaz Morales, basado en su Argentina natal. La galería Pepe Cobo (José Marañón 7) presenta este vídeo de 80 minutos del artista martes y jueves a las 20.30. Una forma diferente de presentar una obra de arte, no creéis?.

Aparecen los paisajes de la patagonia, vacíos, con el viento soplando sin parar, espacios abiertos, desolados, como si un tifón acabara de pasar por allí. El video nos lleva por el camino, sin un objetivo aparente, lo que hace preguntarse al espectador en qué acabará todo, qué nos encontraremos al final. La sensación final que permanece es que el camino seguirá ahí donde está mientras que nosotros ya nos habremos ido.

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The way between two points is a video made by Sebastián Díaz Morales, based on his hometown, Argentina. Pepe Cobo gallery presents this 81' video from the artist tuesdays and thursdays at 20.30. A different way of showing art, don't you think?

Fuente: Revista Claves de arte

En la Galería La caja negra (Fernando VI, 17, 2ºI) tienen ahora una exposición, que durará hasta el día 12 de Junio, de Jose Mª Díaz Maroto, bajo el nombre de Luz y sombra. Parece que unas cuantas galerías se han puesto de acuerdo para mostrar fotografías en las que la luz es el protagonista.

El artista quiere con ello destacar las dualidades norte-sur, frio-calor, bien y mal. Lo cierto es que resulta una muestra interesante, os recomiendo acercaros a verla si estáis por la zona. También tienen en la galería un libro del artista, en el que reúne toda la obra de este tema, y lo trata en más profundidad.

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In La caja negra gallery they have now an exhibition, until the 12th of June of photography by Jose MªDíaz Maroto, called Light and shadow (seems that many galleries have decided this month to offer us photographs in which light is the main character). Worth visiting if you are in the area.

Fuente: galería La caja negra

Hace ya tiempo que quería hablar de este artista, y me he encontrado en Distrito cuatro (Conde de aranda 4) una exposición suya, así que en lugar de sólo presentar el artista, os puedo recomendar ir a ver la exposición, del 26 de Mayo al 29 de Julio.

La muestra se llama "Ensayando la postura nacional", que supongo vendrá de la foto presentada con el mismo nombre en Madridfoto, en la que unos personajes, ataviados con distintos ropajes, posan en unas escaleras.

Alexander Apóstol es un artista fotográfico que durante los últimos años se ha dedicado a plasmar aquellos edificios o calles que se construyeron para aparentar, como símbolos de un crecimiento inexistente y que nunca llegó a triunfar como se esperaba. Unas construcciones venidas hoy a menos, y que no son más que unos cuantos ladrillos ya viejos.

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Alexander Apostol is a photographer who during the last few years has concentrated on capturing those buildings or streets built to show of, symbols of a nonexistent growth. Constructions that today mean nothing, and are nothing more than old bricks.
Distrito cuatro gallery is presenting this month a new exhibition with works by this artist, so I recommend you go see it if you liked him.

Fuente: Galería Distrito cuatro

Buscando nuevas exposiciones de las que hablar, y nuevas galerías que presentaros, me encontré con un muy joven artista (del año 1981) en una de las galerías de la capital.

El cubano Michel Pérez, expone por primera vez en solitario en la galería Luz y Suárez del Villar (especializada en arte cubano). Ya hemos visto una de sus obras en la galería Fernando Pradilla en alguna colectiva hace tiempo. Son todas obras muy coloridas, una pintura bastante particular. Hablando con amigos les pareció un tanto infantiloide, al estilo de las obras de Starsky Brines. ¿Vosotros qué pensáis?.

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Looking for new exhibitions to talk about and new galleries to present, I found a very young artist (year 1981) in one of the galleries in the center.

Michel Pérez, a cuban artist, shows for the first time in a solo exhibition his work at the Luz y Suárez del Villar gallery (specialized in cuban art). All very colourful and somehow childish. What do you think?

fuente: galería Luz y Suárez del Villar

Begoña Goyenetxea expone del día 27 de Abril hasta el 5 de Junio tres grupos de esculturas de influencia constructivista en la galería Marta Cervera (General Castaños 5). La exposición está repartida en las tres salas.

En la primera nos encontramos con 5 esculturas como troncos de árboles, situados haciendo una diagonal, y aunque cada una ha sido creada por separado, de cierta forma se complementan en este espacio. En otra sala hay dos esculturas en diálogo, más grandes, y en la otra algunas obras en papel y otras dos esculturas grandes. Utiliza en todas madera contrachapada pintada a mano, y el color y las formas irregulares otorgan a las obras de gran ligereza.

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Begoña Goyenetxea shows from the 27th of April until the 5th of June three groups of sculptures of constructivist influence in Marta Cervera gallery. The exhibition is divided in the three spaces, sculptures and some works on paper. She uses hand-painted plywood, and the colour and the irregular shapes give these artworks a sort of lightness.

Fuente: nota de prensa de galería Marta Cervera

La galería Blanca Soto (Alameda 18) presenta una exposición individual de Sergio Sotomayor, a la que le ha dado el nombre de Neurocosmos (basado en la idea de un ciberespacio en el que flota la sabiduría, que no para de crecer). La exposición, que se puede visitar hasta el 6 de Junio, consta de 4 series:

• Neurocosmos: representación de un huevo flotando esperando a encontrar un lugar en el que posarse y eclosionar y crear vida
• Átomo: como alegoría del comienzo de la existencia
• Piedra: los restos de una vida, la huella de lo que hubo antes
• Cuántica: reflexión sobre la vida en un entorno infinito

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Blanca Soto gallery presents an individual exhibition of Sergio Sotomayor, under the name Neurocosmos (based on the idea of a cyberspace in which knowledge floats, and grows nonstop). The exhibition which you can visit until the 6th of June is made of 4 series.

Fuente: Nota de prensa Galería Blanca Soto

Sergio Prego es un artista Español nacido en San Sebastián aunque vive y trabaja en EEUU. Desde el año 1998 sus obras tienen como objeto cambiar la percepción del espacio, plantear un nuevo punto de vista sobre este y provocar la extrañeza en el espectador.

Prego crea escenarios en los espacios en los que expone en los que juega con lo virtual y lo real, haciendo que la barrera entre ambos se difumine y se confunda. Obras como Flicker, Bisectriz (obra realizada en su propia casa) o Cowboy inertia creeps, plantean nuevas formas de relacionarse con el espacio.

La obra de Prego se puede ver a día de hoy hasta el 6 de Junio en el MUSAC en una exposición conjunta, Primer Pro-forma 2010, con Txomin Badiola y Ion Mikel Euba.

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Sergio Prego is an Spanish artist born in San Sebastián, although he now lives and works in USA. Since year 98 his artwork is based on a change of perception of the surrounding space, offering a new point of view and provoking a reaction in the spectator.

He creates settings in which he plays with virtual and real, making the barrier between them disappear. Works like Flicker, Bisectriz (artwork made at his own home) or Cowboy inertia creeps arise new ways of relate to space.

His art can be seen now until the 6th of June in MUSAC, in a group exhibition, Primer pro-forma 2010, with Txomin Badiola and Ion Mikel Euba.

Fuente: galería Soledad Lorenzo, artnet, ABC

Hasta el día 29 de Mayo podéis aún visitar la exposición de la obra de Irene Van de Mheen, Nowhere in the nowhere, en la galería Magda Bellotti (Fúcar 22). La artista muestra en su obra el dibujo y sus limitaciones, estudiando el espacio transforma bidimensional en tridimensional, pequeño en monumental. Todo su trabajo se mueve alrededor del espacio, creando espacio de la nada, o expandiendo uno ya existente. Trabaja con espacio interior o exterior.

La exposición se compone de un mural con líneas y espacios que interactúan, dibujos inéditos y otras obras en diferentes soportes, que se complementan entre sí.
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Until the 29th of may you can still visit an exhibition of the latest artwork by Irene van de Mhee, Nowhere in the nowhere, in Magda Bellotti gallery. She works with space, transforming or creating it with drawings and lines. Two dimensions become three, or small-scale becomes large-scale.

Fuente: Galería Magda Bellotti

Desde el 6 de Mayo hasta el 19 de Junio, la galería Fúcares (Conde de Xiquena 12, 1ºizq) presenta el trabajo realizado en los dos últimos años de Jaime de la Jara. El artista toma objetos cotidianos, que normalmente pasarían desapercibidos, pero que él modifica y adquieren entonces importancia. Hace un estudio sobre el vacio, la nada y el objeto.

Se reúnen en el espacio varias muestras reflejando este interés del artista: la primera keys, son llaves o interruptores, deformados, fundidos en metal, a las que acompaña un video de una de esas llaves en el proceso de deformación. La serie flags, consiste en tres radiadores, situados a la altura de los ojos, y que a aunque a primera vista no llaman la atención, cambian la percepción del espacio en el que se encuentran.

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From the 6th of May until the 19th of June, Fúcares gallery shows the latest work by Jaime de la Jara. The artist takes everyday objects, that would usually go by unnoticed, but he modifies them acquiring then importance. He studies emptyness, nothingness and the object.

Fuente: Galería Fúcares

Guillermo Pérez-Villalta, en la galería Soledad Lorenzo (Orfila 5) del 11 de Mayo al 12 de Junio.
Las obras de Villalta son narraciones muy ornamentadas, en las que no faltan símbolos religiosos y mitológicos. Se distingue claramente de los artistas de su época, y su técnica y estilo no sigue el mismo camino.

Su obra Grupo de personas en un atrio, en el que representa a muchos de sus compañeros artistas, está situado en un lugar predominante en el Museo Reina Sofía. Pérez-Villalta es otro de los artistas españoles muy destacables, y cuya obra podemos encontrar desde hace ya muchos años en los mejores museos de arte moderno.

En esta exposición presenta un conjunto muy curioso de obras de corte surrealista, aunque en otras incluye elementos geométricos más abstractos. Una interesante visita que seguro agradará a muchos.
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Guillermo Pérez-Villalta, in Soledad Lorenzo gallery, from the 11th of May to the 12th of June.
Villalta's artworks are very ornate stories in which we can find religious and mythological symbols. His work "group of people in an atrium" is in a preferential space at the Reina Sofía Museum. This time he shows a group of paintings with a more surreal cut.

Fuente: Galería Soledad Lorenzo

En la Fábrica galería (Alameda 9) se presenta del 7 de Abril al 29 de Mayo una muestra individual de la artista Rosangela Renno, con obras de diferentes años. Además de recopilar fotografías de torbellinos para el proyecto que no pudo llevar a cabo en 2008 (unas fotografías impresionantes), junta una serie de fotografías a gran escala, que son resultado de yuxtaposiciones de material fotográfico encontrado en tiendas de segunda mano.

Un video realizado con imágenes (ralentizadas y yuxtapuestas) de un viaje a la Isla Reunión y el libro de artista con imágenes vueltas del revés son las otras dos obras que conforman esta exposición. El libro de imágenes en blanco es una metáfora sobre las más de 700 imágenes robadas a la Biblioteca Nacional de Brasil, que para la artista es como si hubiesen robado la memoria histórica del país.

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La Fábrica gallery presents from the 7th of April until the 29th of May an individual exhibition of Rosangela Renno. A compilation of Photographs of whirldwinds by other people, for the project she couldn't do in 2008, photos bought in second-hand shops, modified, a video of images of Reunion Island, and a book with images turned over, simbolising the theft of images in the Brazil National Library that left Brazilians without their historic memories.

Fuente: La Fábrica Galería

Luis Gordillo y Carlos Franco, dos artistas ya consagrados y de gran renombre vuelven a exponer esta vez en la galería Marlborough (Orfila 5, hasta el 12 de Junio). Ambos espacios estarán dedicados a estos dos grandes artistas.

Gordillo presenta obra de los años 2007, 2008 y 2010, bajo el nombre de Contrastes. Vemos esta vez un conjunto de obra sobre lienzo, papel, cartón o serigrafías. Algunas, o muy parecidas, ya las pudimos ver en la galería La caja negra en una exposición anterior. El estilo continúa siendo parecido al que ya nos tiene acostumbrados, con formas geométricas que recuerdan en cierto modo a caleidoscopios.

Carlos Franco presenta en cambio una obra toda en papel, collage, grabados... sin una temática definida. De Franco hemos visto algunas obras suyas durante el pasado verano en Marlborough en la exposición colectiva.

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Luis Gordillo and Carlos Franco, two established artists and well-known exhibit again in Marlborough gallery (until the 12th of June). Both spaces will be dedicated to these great artists.

Gordillo presents artwork from years 2007, 2008 and 2010 under the name Contrasts. Some similar works we could see them some time ago in La caja negra gallery.
Carlos Franco presents work all in paper. We saw some of his works in the collective exhibition in Marlborough last summer.

Fuente: galería Marlborough

La luz y la sombra se complementan, en una exposición en la que prima la dualidad, el enfrentamiento. Lo real e irreal se funden en la misma imagen, creando confusión. El mismo titulo de la exposición "luz oscura", es lo que plantea, una dualidad inexistente que el propio artista, Manuel Vilches crea uniendo dia y noche ante nuestros ojos. En la galería Astarté (Monte esquinza 8), del 16 de Abril al 3 de Junio.

Vilches une arquitectura, pintura y fotografía. A veces modifica la fotografía pintando encima o con retoques digitales, utilizando soportes diferentes como lienzo o papel. Con su pintura hace de espacios abandonados, inhabitables e industriales una mezcla entre urbano y naturaleza que engañan y hacen verlos hasta bellos.
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Light and shadow complement each other in an exhibition in which duality and confrontation are a priority. Real and unreal melt in the same image, creating confusion. Even the title itself suggests this duality, "dark light". In Astarté gallery, from the 16th of April until the 3rd of June, Manuel Vilches.

Fuente: galería Astarté

Daniel Canogar es un artista interdisciplinar que destaca por sus instalaciones lumínicas en las que reutiliza elementos de desecho para volver a darles vida. CDs recogidos de la basura, cintas viejas, aparatos electrónicos inservibles pasan por sus manos y los reconvierte en obras de arte animadas. Busca con ello hacer una reflexión sobre la "muerte" tan prematura de todos estos objetos electrónicos que la tecnología hace que su paso por nuestras manos sea efímero.

Su último proyecto, en el que trabaja a día de hoy: iluminar con sus instalaciones los puentes del rio Manzanares en Madrid, dará que hablar con total seguridad. Su obra ha estado expuesta en importantes museos del mundo, y ha sido el artista elegido para realizar la obra que representa a España en la presidencia de la UE en Bruselas durante estos primeros meses de 2010.

Unas obras muy interesantes, que pronto estarán a la vista de todos aquellos que visiten Madrid.

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Daniel Canogar is an interdisciplinary artist who stands out for his luminous installations in which he re-uses discarded objects to bring them back to life. CDs picked up from the garbage, old tapes, electronic equipments of no more use go through his hands and he modifies them and makes them animated works of art. With this he makes us think about the premature "death" of all these electronic objects that technology passed ephemerally through our hands.

His last and present project: iluminate with installations the bridges of the Manzanares river in Madrid. His works have been shown in important museums around the world, and he was the chosen artist to make the artwork that represents the Spanish presidency of the EU in Brussels during the first months of 2010.

Very interesting art that will be soon out there for every Madrid visitor to see.

Fuente: Daniel Canogar
Artículo conjunto de Recyecology (ecología, reciclaje, sostenibilidad) y Mdrnart (arte moderno en Madrid)

La artista Susana Solano presenta en la galería Estiarte (Almagro 44), del 8 de abril al 25 de Mayo una interesante colección de fotografías tomadas entre 1990 y 2010. En ellas refleja realidades con las que se topó en sus viajes por Yemen, Níger, Japón, Bhután...

Las fotografías son retazos de memoria, recuerdos de experiencias vividas en otros países, y en resumen una reflexión antropológica. En la galería podréis ver otras fotos en las que la artista toma como principal protagonista el agua, un agua que corre y que cae.

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The artist Susana Solano presents in Estiarte gallery from the 8th of April until the 25th of May an interesting collection of photographies taken between 1990 and 2010. in which she reflects the realities of the people that she met during her trips in Yemen, Niger, Japan, Bhutan...

Fuente: Galería Estiarte

La Galería Javier López (José Marañón 4) del 15 de Abril al 26 de Mayo, presenta la obra "Horizons" de Jose Mª Yturralde. Una obra muy colorida, en la que el artista quiere reflejar su estudio y profundización en el espacio, lo infinito y el tiempo. Utiliza la luz de forma que podamos captar el horizonte que se abre hasta el infinito.

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Javier López gallery from the 15th of April until the 26th of May, presents "Horizons", by Jose Mª Yturralde. A very colourful collection, in which the artist wants to reflect his study of space, the infinite and time using light and the horizon as starting point.

Fuente: Galería Javier López

Tranquilidad y calma, es lo que inspira esta exposición de Joaquín Pacheco en Distrito cuatro (Conde de Aranda 4). Unas escaleras, columnas, un museo, la playa... todas pinturas que se inspiran en escenas que no llaman la atención, en las que no sucede nada. Son como bien describe la galería escenas costumbristas urbanas, en las que todos nos hemos encontrado alguna vez, compartiendo ese momento tan poco importante con otras personas. Resulta interesante que el artista haya elegido justo ese momento de espera para plasmarlo en sus cuadros, y no el del encuentro.

La espera es la norma general en la exposición, figuras inexpresivas que se mueven por los cuadros, esperando que suceda algo. Podéis ver esta relajante exposición del 8 de Abril al 14 de Mayo.

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Peace and calm, is what inspires this Joaquin Pacheco exhibition in Distrito cuatro. Stairs, columns, a museum, the beach... all paintings with people looking like waiting for something, in one of those unimportant moments of our lives that we all share with so many. You can enjoy this relaxing show until the 14th of May.

Fuente: galeria distrito cuatro

Candida Hofer es una artista Alemana cuya obra se centra en la fotografía de espacios públicos o semipúblicos. Su obra es en grandes formatos, y los métodos que utiliza son bastante tradicionales, su uso de nuevas tecnologías en el retoque de imágenes es muy reducido, y se basa más en lo que le gusta y encontrar el momento adecuado de captarlo, que en arreglarlo después de forma artificial.

Fotografía sobre todo bibliotecas, museos, teatros... lugares en los que el espacio es creado por la luz, mediante el uso de técnicas arquitectónicas en consonancia con el entorno. Son espacios también en los que se puede sentir la presencia de la gente aunque esta ya lo haya abandonado.

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Candida Hofer is a german photographer of public or semipublic spaces. Her work is all in big format, and her method is quite traditional. She takes pictures of libraries, museums, theatres... rooms in which the space is created by light, through the usage of the appropriate architectural techniques.

Fuente: todoarquitectura, galería Fúcares.
Imágenes: blog de libros

Hasta el 8 de Mayo, la galería Max estrella tendrá todas sus paredes cubiertas por las obras estrujadas de Javier Arce. Papel blanco recubre las paredes de la sala principal de la galería, en las que Arce ha pintado con rotulador negro obras muy conocidas y representativas del arte Español. En esta exposición hace una reflexión sobre la importancia del marco, la copia y originalidad de una obra y la clasificación que hacen los museos y expertos de lo que es una obra de arte.

Arce coloca sus obras en las paredes tapándolas por completo, enmarcadas en metacrilato, en el suelo, en una bolsa de basura, o dentro de una caja, después de haber pintado y estrujado el papel.

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Until the 8th of May, Max estrella gallery will have all its walls covered by crumpled artwork by Javier Arce. White paper, painted with black marker covers the gallery's walls. On the walls covering them completely, on trasparent frames, on the floor, in a garbage bag or inside a cardboard box.

Fuente: Galería Max estrella

Pintura, fotografía, serigrafía y telas conforman la obra más reciente de Juan Ugalde (8 Abril-8 Mayo), expuesta en la galería Soledad Lorenzo (Orfila 5). el artista ha querido mezclar fotos de álbumes familiares, imágenes de paisajes, con materiales como azulejos y telas, re-creando según él mismo dice, la historia del arte. Toma una imagen fija, y la modifica añadiendo detalles, borrando otros, y pegando añadidos que nada tenían que ver con la obra original. El lienzo se convierte en un amasijo de realidades, de ideas, que unen los sentidos de tacto y vista. 

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Painting, photography, screen-printing and cloth shape the latest enhibition by Juan Ugalde (8th April-8th May) in Soledad Lorenzo gallery. The artist mixes family photos, landscapes, and materials like tiles and cloth re-creating art history. Printing, glueing, erasing a fixed image until it becomes something else. Joining sight and touch.

Fuente: galería Soledad Lorenzo

Este año 2010, con la Lisson gallery, es el año en el que Ángela de la Cruz ha decidido tomar los pinceles de nuevo, con una serie de obras nuevas bajo el nombre de Insider, después de sufrir un derrame cerebral que la dejó paralizada y la impidió continuar con su carrera artística durante varios años. Hemos podido ver algunas de sus obras en la galería Max Estrella el pasado mes de Febrero.

A primera vista, las obras de de la Cruz parecen destruidas, dañadas. Óleos retorcidos, salidos de sus marcos, estrujados, colgados en la pared como trofeos. Pero nada más lejos de la realidad, ya que la destrucción de las obras es a propósito. De la Cruz une en su obra la creación y la destrucción. Después de la realización de una pintura calmada, la violencia sale de la artista, que ataca el cuadro con furia, creando una escultura a partir de una pintura. Ella misma cuenta, que la primera vez que realizó una obra así, fue después de la muerte de su padre, la tristeza sacó el genio de la artista, que quedó reflejado en el cuadro.

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This year 2010, with Lisson gallery, is the year Ángela de la Cruz has decided to take the brushes again, with a series of new artworks under the name Insider, after suffering a brain hemorrhage that kept her paralyzed and prevented her from continuing her artistic career for several years.

We have seen some of her works in Max Estrella gallery the past February. Works that look like vandalised, torn apart and hung on the walls like trophies. De la Cruz brings together creation and destruction in the same piece of art. She attacks her painting, creating a sculpture from it.

Fuente: soft sculpture, Lisson gallery, el país, galería Max Estrella

Jordi Teixidor presenta en La caja negra (Fernando VI 17 2ºI) del 25 de Marzo al 30 de Abril, una nueva exposición con el título L'atelier rouge, que se basa en el cuadro de Matisse del mismo nombre. Teixidor ya ha utilizado este cuadro y otros de Matisse en colecciones anteriores como referencia para su creación.

Lo que hace el artista al utilizar este cuadro como base es retomar el objetivo de Matisse de crear un espacio de ilusión. Además, incluye fotografías de su propio estudio, en las que mexcla la realidad en la que pinta con la pintura en sí. De esta manera plasma el espacio del artista, en el que realiza sus creaciones, que no siempre surgen de manera fácil.
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Jordi Teixidor presents in La caja negra from the 25th of March until the 30th of April, a new exhibition with the title L'atelier rouge, based on Matisses's painting of the same name. Teixidor has already used this painting and others form Matisse in previous collections as a reference for his creation.

Fuente: La caja negra

Sergio Belinchón es un artista Valenciano, nacido en 1971, cuya obra se centra en la fotografía. Belinchón plasma paisajes abiertos, desiertos, en los que encontramos la huella del hombre. Toma instantáneas tanto de espacios desolados ya ocupados o a punto de ser ocupados por el hombre, como de esas colmenas vacacionales, que se reparten a lo largo de la costa mediterránea.

Son todas imágenes un tanto inquietantes, que dan sensación de soledad y abandono, no os parece?. Sobre todo las de los enormes edificios vacios, que esperan la llegada de los veraneantes.

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Sergio Belinchón is a Valencian artist, born in 1971, whose work is mainly photography. Belinchón captures open spaces, deserted, in which we find human footprint. Takes photos of isolated spaces soon to be occupied, or of those vacation's beehives situated all along the mediterranean coast.
Don´t you think they give an impression of abandonment and loneliness?

Fuente: MUSAC

Hasta el dia 30 de Abril podemos visitar en la galería Marlborough (Orfila 5), dos exposiciones de artistas reconocidos, una de pintura, de Julio Larraz, y otra de dibujos al carboncillo de Alberto Corazón.

Julio Larraz, utiliza en sus obras una figura de mujer oronda, opulenta, que representa para el artista la nación, protectora y temible, representada siempre en grandes volúmenes, como queriendo destacar el abuso de esta nación para con sus habitantes. La caricatura, a la que recurría en obras anteriores, sigue siendo palpable en su obra, aunque ya no en la representación de los rostros si no en las situaciones.

En el espacio pequeño, la galería presenta la obra del artista gráfico Alberto Corazón. Para la exposición, papeles del bosque, utiliza papel de diferentes tamaños y materiales como carbón, grafito, barnices, óleos y acrílicos. 

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Until the 30th of April, we can visit in Marlborough gallery two exhibitions by well-known artists, paintings by Julio Larraz and charcoal drawings by Alberto corazón. Larraz uses the image of a big woman, as a symbol representing the opressive and frightening nation, and Corazón, with "Papers for the forest", uses multiple kinds of paper and materials.

Fuente: Galería Marlborough

Las exposiciones O manipulador y Gonper Museum-work in progress son dos proyectos de Fabiano Gonper unidos en esta primera muestra individual en España en la galería Blanca Soto (Alameda 18). Ambas reflejan los diferentes poderes existentes en la sociedad. Desde el 17 de Marzo hasta el 23 de Abril.

En O manipulador dibuja con sencillos trazos figuras de ejecutivos, sin rostro, en un fondo blanco queriendo mostrar así el estereotipo existente en las jerarquías. En Gonper Museum, acoge su propia obra, RSD-reconfiguración del sujeto. El proyecto Gonper museum, surgió en el año 2002 como forma de reflexión sobre la relación existente entre el autor de la obra, el arte y los museos.

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The exhibitions O manipulador and Gonper Museum-work in progress are two proyects by Fabiano Gonper, brought together in this first individual show in Spain in Blanca Soto gallery. From the 17th of March until the 23rd of April.
They both reflect the existing powers in society.

Fuente: galería Blanca Soto

Txomin Badiola es un artista vasco cuya obra ha sido de gran influencia para artistas contemporáneos de los que se habla hoy en día. Sus comienzos fueron en la pintura, pero pronto se dedicó a la escultura, marcando tendencias junto con otros artistas de su generación. A partir de los años 90 comenzó a incluir en sus esculturas otros soportes como el video o la fotografía.

La madera es parte ineludible en sus instalaciones o esculturas, y lo cotidiano siempre se puede encontrar en sus obras. El artista busca el diálogo con el otro más que comunicar algo.

Este vídeo es una presentación de su último proyecto, que podéis ver en el MUSAC, el Museo de arte contemporáneo de Castilla y León, hasta el 16 de Junio de 2010. Es un interesante proyecto conjunto realizado por Sergio Prego, Ion Mikel Euba y Txomin Badiola.

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Txomin Badiola is a basque artist whose work has been of great influence to some contemporary artists. He started his career painting, but soon was dedicated to sculpture, marking a tendency with other artists from his generation. From the 90's he started mixing sculpture with video and photography. He uses wood in his installations, and everyday life details, searching for creating some sort of dialogue with the spectator.

The video (in spanish) is a presentation of his last work, which is being showen in MUSAC until the 16th of June. A collective proyect with two other artists: Sergio Prego and Ion Mikel Euba.

Fuente: MUSAC, galería Soledad Lorenzo

"Celosías, estéticas de la paranoia" y "Small things" son las dos exposiciones que podéis visitar estos días en la galería Magda Bellotti (Fúcar 22), del 18 de Marzo al 24 de Abril.

Luz Ángela Lizarazo muestra un conjunto de fotografías de celosías en ventanas de su Colombia natal. No solo encontramos puertas y ventanas detrás de verjas, sino también contadores de la luz o parques. La variedad de rejas es inmensa, y cada una cuenta a su manera una historia de aquel que la eligió. El miedo generalizado hace que los propios individuos nos encerremos y nos ocultemos con una cierta paranoia, de la vista de los demás poniendo rejas de por medio.

Aldo Iacobelli nos enseña en el espacio Algeciras dibujos que como él mismo dice están inspirados en una vista aérea sobre la tierra, en la que nosotros somos como hormigas.

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"Lattices, paranoia aesthetics" and "Small things" are the two exhibitions you can visit these days in Magda Bellotti gallery, until the 24th of April.
Lizarazo shows photographs taken of the lattices around Colombia, a symbol of the fear of others, which makes the whole city hide behind lattice windows. There is a huge variety of lattices, each of them representing somehow the person who chose it. And Iacobelli shows drawings inspired by an aerial view of the earth, in which we are like ants.

Fuente: galería Magda Bellotti

El arte, la arquitectura sostenible y la moda se unen bajo un mismo espacio, en la fábrica de zapatos de Louis Vuitton en Fiesso d'Artico (Venecia).
El diseñador combina obras de arte moderno con sus diseños, en un edificio sostenible, en el que prima el respeto al medio ambiente y el cuidado de la luz para que esta no suponga un mayor gasto de energía. Más información sobre la construcción, en Recyecology.net

Dentro de los artistas que han colaborado en el proyecto destaca la presencia de Joana Vasconcelos, representada en su gigantesca escultura "Priscilla"de un zapato hecho con 600 cacerolas. El zapato mide más de 4 metros y está situado en el espacio ajardinado interior.
Otros artistas cuyas obras podemos ver en las galerías son Jean-Jacques Ory (zapato de salón con la venus de Boticelli pintada dentro), Nathalie Decoster (también en el jardin), dibujos de Andy Warhol, y obras de Richard Prince o Robin Rhode.

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Art, sustainable architecture and fashion get together under the same space, in the shoe-factory of Louis Vuiton in Fiesso d'Artico (Venice).
The designer combines works of modern art with his designs, in a sustainable building, in which respect for the environment is basic, as well as taking care of the lighting so it doesn´t translate into more energy usage.

Among the artists we can find in this proyect, stands out the presence of Joana Vasconcelos, with her gigantic sculpture of a shoe, "Priscilla", made of 600 casseroles. Other artists are Jean-Jacques Ory (shoe with the Boticelli venus painted inside), Nathalie Decoster (also in the garden), drawings by Andy Warhol, and works by Richard Prince or Robin Rhode.

Fuente: arquimaster, flickr

En la exposición Papel(es), del 4 de Marzo al 10 de Abril, en la galería Astarté (Monte esquinza 8), se une la obra de 10 artistas, mostrando su visión más particular sobre el tema elegido.

Las obras han sido realizadas con papel, cartón o cartulina, pero cada uno de ellos ha elegido su propio método, con lo que se presenta una exposición de lo más heterogénea. Podemos encontrar obras con influencia del expresionismo abstracto, o el neo constructivismo, así como otras que recuerdan al op-art. Paisajes hechos de pliegues de papel, o de manchas de pintura, con material reciclado e incluso con letras impresas.

Los artistas que participan en la exposición son: María Aranguren, Rafael Canales, Tom Carr, Carlos Coronas, Roberto Díez, José García Navas, Vicky Herreros, Rafael Reverón-Poján, Dominica Sánchez y Karen Schiff.

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In the exhibition Papel(es) (papers), from the 4th of March until the 10th of April, Astarté gallery brings together artworks by 10 artists, all showing their particular vision of the chosen theme.
They have all used paper or cardboard in their works. We can find from abstract expressionism to neo constructivism or even op-art.

Fuente: Galería Astarté

Salvador Cidrás es un artista gallego, nacido en 1968, cuya obra comenzo a conocerse en los años 90. Su carrera se ha visto definida por la experimentación, en términos de materiales o soportes. Una de sus primeras obras, esculturas y dibujos relacionados con la naturaleza, fue la que atrajo el interés de la crítica.

La obra de Cidrás se centra en la relación del ser humano con el entorno artificial que lo rodea: el orden social, el mundo del arte o la arquitectura. En una de sus últimas obras, 24 horas 10 minutos, expuesta en el MUSAC, reflexiona sobre la influencia de la imagen y las marcas en comportamientos sociales de jóvenes de hoy en día. El artista profundiza con esta obra en el universo adolescente y la creación de identidad utilizando para ello elementos urbanos que representan aquello que rodea al adolescente. La exposición la conforman una instalación sonora, una instalación mural, una sala con 8 grandes dibujos y un vídeo.

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Salvador Cidrás, Spanish artist born in 1968, whose artworks became well-known during the 90's. His career has been defined by experimentation, in terms of materials. One of his first works, sculptures and drawings influenced by nature got the attention of the critics.
His work is based on the relationship between human beings and the artifitial environment in which we live: social order, world of art or architecture. One of his last works, 24hours 10 minutes, reflects on the influence of the image and brands on social behaviour of teenagers nowadays.

Fuente: MUSAC

"La escuela del miedo" es el título que le ha dado Jesús Martínez Oliva a su nueva exposición en la galería Pepe Cobo (José Marañón 7).
Martínez Oliva da su visión sobre la escuela, un lugar para él contradictorio que promueve la tolerancia y la igualdad, pero siempre marcando las pautas para que los individuos encajen dentro de unos parámetros de normalización.

Para mostrar esta visión se vale de pupitres de escuela que dispone en la entrada de la galería, a modo de barrera que obstaculiza llegar más allá, a una fila de dibujos o collage colocados en la pared. Dibujos marcados por las líneas, las cuadrículas, que como rejas aprisionan, mezclados con fotografías de barreras, o símbolos supuestamente integradores pero que provocan rechazo.

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"La escuela del miedo" (The school of fear) is the title that Jesús Martínez Oliva has used for his exhibition in Pepe Cobo gallery. He offers his vision of the schools, a place for him contradictory, that promotes tolerance and equality, but always marking the path, so individuals follow certain standards.

Fuente: nota de prensa galería Pepe Cobo

Hasta el 11 de abril podéis ver en el espacio de Plaza de las Salesas 2 algunas obras de Alighiero Boetti, artista Italiano cuya obra clasificada como Arte Povera ha influenciado a muchos. Su obra está presente en algunos de los más prestigiosos museos del mundo (i.e. Reina Sofía, Tate Modern, MoMA).

En las obras de esta exposición en la galería Marta Cervera podemos ver reflejadas las palabras del artista: "Yo he trabajado mucho el concepto de orden y desorden: desordenando el orden o poniendo orden en ciertos desordenes o aún más presentando un desorden visual que fuera la representación de un orden mental."

La dualidad es una constante en sus obras (que firmaba como Alighiero e Boetti, como si fuese dos personas), y la influencia de su vida en Afganistán también es clara, así como la importancia que para él tiene Oriente Medio en el orden mundial. Hay un dato en especial que me ha llamado la atención, y es la supuesta capacidad premonitoria del artista, que unía el número 11 a imágenes de aviones y Afganistán, todo ello antes de ningún conflicto, ya que murió en el año 1994. ¿Eso ciertamente da que pensar no creéis?

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Until the 11th of April you can see in Marta Cervera gallery, in the space in Plaza de las Salesas 2, some artworks by Alighero Boetti, an Italian artist whose work, clasified as Arte Povera has influenced many. His work is nowadays present in some of the most prestigious museums (i.e Reina sofía, Tate modern, MoMA).

Duality is a constant in his work (he actually signed as Alighero e Boetti), and the influence of his life in Afghanistan is quite clear as well as the importance that for him has the Middle East in the global order.
There is a fact that catched my attention, and is the supposedly premonition-making capacity of the artist, who brought together the number 11 with images of planes and Afghanistan, and everything before any conflict, since he died in 1994. That is something to think about isn´t it?

Fuente: Galería Marta Cervera

Amaya González es una joven artista Gallega, cuya obra podemos clasificar como neo-conceptual. La recontextualización de objetos que usamos en nuestro dia a dia es una constancia en su obra. Los objetos que utiliza para su realización nunca son de gran valor, y lo que busca es un nuevo punto de vista sobre algo cotidiano.

Me ha llamado la atención el proyecto "Yo museo", en el Centro de arte EGO en el MARCO-Museo de Vigo, en el que la artista recopila pequeños pedazos de colecciones, que otra gente le regala, para formar su propia colección, en un intento de coleccionar coleccionistas. En este blog, deja constancia de los coleccionistas que participaron en el proyecto.

Esta instalación, está formada por montones de tickets de cosas adquiridas durante medio año, desde consumiciones en el bar de la esquina hasta la compra de artículos en la ferretería. El precio de cada cuadro es el que se ve reflejado en el papel plastificado, y la instalación va cambiando según se adquieren los cuadros que están en lo más alto.

Una peana de oro, que dice, "Valgo mi peso en oro", fue una de las obras que suscitaron mayor interés en la primera exposición individual en Madrid de esta artista en la galería Pilar Parra & Romero (Conde de Aranda 2).

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Amaya González is a young artist from Galicia, whose art can be clasified as neo-conceptual. She puts into a new contest objects that we use in our everyday life. The proyect "Yo Museo" (Me Museum) got my attention. She compiled small pieces of collections, that people gave her from their collections, trying to make a collection of collectors. In this blog  you can read about the collectors that participated in the proyect.

The installation "I spend" (yo gasto), is made of tickets of things that she bought during half a year, and the price of each artwork is the one reflected in the ticket. A golden column that says, "I am worth my weight in gold", is the work that attracted most interest in the latest exhibition in Pilar Parra & Romero gallery.

Fuente: Galería Pilar Parra & Romero, MARCO

La galería Leandro Navarro (Amor de Dios 1) presenta una exposición con algunas obras de Joan Miró, del 3 de Febrero al 11 de Abril. Miró es uno de los artistas consagrados que la galería tiene en su fondo y que de vez en cuando saca a la luz.
Hemos hablado ya en un post anterior de Miró, Miró y sus cielos estrellados, pero en esta ocasión la obra que podemos ver es menos colorida y con menos detalles que los cielos. Son todas obras muy características de este artista, en las que podemos observar sus inconfundibles asteriscos a modo de estrellas.

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The Gallery Leandro Navarro presents an exhibition with artworks by Joan Miró from the 3rd of February and the 11th of April. Miró is one of the well-known artists the gallery has in its collection.
We talked about Miró before, in Miró and his skies, but this time, the works that we can see are on paper and less colourful and less detailed than the skies. All have the characteristics of Miro's paintings, like his asterisks used as stars.

Fuente: Galería Leandro Navarro

Jaume Plensa, Barcelonés nacido en 1955, es uno de los escultores de mayor relevancia nacional en España. La obra de Plensa se caracteriza por la dualidad y el juego con los opuestos así como la relación entre el hombre y el entorno. Plensa es conocido por sus esculturas de gran formato, en las que uitiliza materiales muy diversos para conseguir el efecto esperado. La literatura es una de sus fuentes de inspiración más utilizada. 

La galería Estiarte (Almagro 44) presenta del 11 de Febrero al 25 de Marzo, obra sobre papel en gran formato, donde muestra su preocupación por el ser humano, la dignidad y los derechos individuales. Para la realización de estas obras utiliza rostros humanos rodeados de textos escritos en gran tamaño con los que reclama igualdad y derechos. Las palabras suponen un reflejo de lo que sienten o sufren estas personas. Los tonos negros, las salpicaduras, los chorreos de pintura no hacen sino subrayar lo enérgico del texto. 

“Mi obra también ha tratado de conciliar los opuestos. Tal vez sea dentro de esa fricción de dualidades en donde puedo plantear las grandes preguntas de una forma más adecuada y encontrar, en su propia imposibilidad, el camino de la emoción”, dice Plensa.

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Jaume Plensa, born in Barcelona in 1955, is one of the most relevant sculptors in Spain. His work is characterized by the duality and playing with opposites as well as the relationship between human beings and their surroundings. Plensa is well-known for his big format scultures.
This time, Estiarte gallery presents from the 11th of February until the 25th of March big format works in paper. In which he paints human faces surrounded by text reclaming equality and human rights. The big words are used as a reflection of what these people are suffering.

Fuente: Nota de prensa de la galería Estiarte, CAC Málaga

Alberto García-Alix es un fotógrafo español de gran reconocimiento. Sus inicios estuvieron muy influidos por la movida madrileña, época en la que su generación protagonizó uno de los momentos más intensos en la historia reciente de la capital. Durante ese periodo se dedicó a retratar lo que le rodeaba, las ganas de vivir y el exceso que reaccionaron a un pasado dictatorial. Más adelante, su obra ha ido evolucionando hacia la abstracción y una mirada más calmada. Fue premio de fotografía en 1999.

Son bastante comunes sus retratos de yonkis, estrellas porno, escenas obscenas... (si le buscais en google encontraréis muchas) amigos, gente de la calle, artistas y él mismo son protagonistas. Ha retratado a algunas caras conocidas de la sociedad española, y es hoy en día uno de los referentes de fotografía más importantes. Ha buscado siempre un retrato íntimo, ahondar en el retratado, que siempre formaba parte de la gente que le rodeaba. La luz y el uso de blanco y negro, han favorecido un retrato más intimista.

"Retratar equivale a prestar atención a lo que te rodea, a otras personas, a tí mismo. En ese esfuerzo por ver, me autorretrato constantemente"

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Alberto Garcia-Alix is a widely recognized Spanish photographer. His career started during the so-called Movida madrileña, a period in which Madrid rebelled against a dictatorial past through recklessness and desire to live. From then on, his work has evolved, reflecting the mood of the society around him.
He uses friends, people in the street, artists and himself, and portraits of drug-addicts, porn stars and obscene scenes are quite common (if you google him you´ll find many).

"Photographing people means paying attention to your surroundings, to other people, to yourself. In that effort to see, I take self-portraits constantly"

Fuente: MUSAC, MNCARS, más imágenes en http://www.neo2.es/blog/2008/10/de-donde-no-se-vuelve/

En el espacio art&books Ivory press (Comandante Zorita 48) presenta la obra de Claes Oldenburg y Coosje Van Bruggen (hoy ya fallecida) del 16 de Febrero al 17 de Abril. La obra de estos dos artistas ha consistido en representaciones de dimensiones gigantescas de objetos cotidianos en espacios públicos.

En esta ocasión, con "The european desktop", ha tomado objetos de sobremesa del siglo pasado, tintero, pluma, calendarios, que ocupaban los escritorios europeos, y que hoy en dia no son más que un recuerdo del pasado.
Hay algunas obras en diferentes edificios, parques o espacios públicos que llaman especialmente la atención.

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In the space art&books, Ivory press presents the work of Claes Ojdenburg and Coosje Van Burggen (now deceased) from the 16th of February until the 17th of April. The work of these artists has always been representation in gigantic dimensions of everyday life objects in public spaces.

Fuente: Ivory press

Del 11 febrero al 20 marzo la galería Marlborough recibe de nuevo a uno de los artistas contemporáneos españoles de mayor renombre. En esta ocasión presenta obras no expuestas anteriormente en España, así como grabados de la serie Mariana. Usa diferentes texturas, colores y luz en la representación del cuerpo humano. Podemos ver obras suyas por grandes ciudades europeas, un ejemplo lo tenemos en Madrid, La dama del manzanares.

La obra de Manolo Valdés está inspirada en los grandes maestros del arte como Goya, Velázquez, Ribera, el Greco o Zurbarán, y no sólo no lo esconde sino que subraya en los títulos que su obra viene inspirada por estos artistas. Destaca siempre imágenes especialmente significativas de sus obras. Valdés formó parte del grupo crónica y es un artista constante en esta galería.

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From the 11th of February until the 20th of March Marlborough gallery receives once again the artwork of one of the most renowned contemporary artists in Spain. This time he shows artwork never seen before in here. His work is inspired by the works of the great masters: Goya, Velázquez, Ribera, el Greco or Zurbarán. He takes parts of the works that have special significance for him and modifies them.

Fuente: Galería Marlborough

Una enorme escultura de Miquel Barceló da la bienvenida al Caixaforum. Un elefante haciendo equilibrios sobre la trompa es la última escultura realizada por Barceló que anuncia la retrospectiva organizada por la Caixa sobre este artista mallorquín. (hasta el 13 de Junio en el Paseo del Prado 36)

La exposición se compone de más de 140 obras, entre las que se pueden encontrar trabajos que no habían sido expuestas hasta ahora, en soportes tan diferentes como cerámica, acuarela, escultura, dibujo, cuadernos de viaje o libros. 25 años de hacer arte están representados en esta exposición, que permite conocer un poco más sobre este artista.

Algunas de las cerámicas que se presentaron en la Bienal de Venecia estarán en la exposición junto con dibujos y acuarelas realizados a partir de sus experiencias en África (entre los que destacan los retratos de gorilas) y restos de las "estalactitas" de la cúpula de la sede de las Naciones Unidas en Ginebra. Buenísimos los videos que circular del cómo se hizo.

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A giant sculpture of an elephant on its trunk welcomes you to the Caixaforum, where you can find an exhibition of 25 years of art creation by Miquel Barcelo. The exhibition consists of more than 140 pieces of art; ceramics, water-colour, drawings, paintings, travel diaries or books. Some of the ceramics shown in Venice Biennial can be seen here, as well as some works inspired by his travels to Africa (gorilla's portraits) and remaining of the stalactites from the United Nations headquarters in Geneva.

Fuente: Caixaforum Madrid

Desde el 19 de Febrero hasta el 1 de Abril, Sergey Bratkov, artista Ucraniano residente en Moscú, presenta en la galería espacio minimo la exposición "Male Games". Un trabajo socialmente comprometido, en el que refleja la realidad Ucraniana del momento.

Al igual que en fotografías anteriores, plasma a sus habitantes tal como son en la dura realidad cambiante en la que viven. Refleja el cambio cultural y económico a través de imágenes muy personales. Imágenes que producen gran tristeza pero cuyos personajes muestran una vitalidad asombrosa.

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From the 19th of February until the 1st of April, Sergey Bratkov, Ukrainian artist living in Moscow, presents in Espacio Minimo gallery the exhibition "Male games". A socially compromised work, in which he reflects the Ukrainian reality of the moment.

Fuente: galería Espacio Minimo

Shirin Neshat nació en 1957 en Irán, aunque trabaja y vive en Estados Unidos. En la Fábrica galería (Alameda 9), hasta el 31 de Marzo, podéis ver una exposición de sus fotografías. Neshat busca mover al espectador con sus imágenes, que se presentan como "Conversaciones" entre este y oeste, hombre mujer, opresor oprimido.

En este proyecto que presenta en la galería, muestra partes de una tradición en Laos que hoy se está perdiendo:el cortejo mediante el canto. Hay una verdadera emoción escondida detrás de este ritual, asegura la artista, y es por eso que ella ha querido plasmarlo.

En el video Faezeh, captura la angustia de una mujer, cuyos sueños se ven rotos por una violación. Es un vídeo que quiere mostrar dilemas sexuales y religiosos que surgieron en Irán durante estos últimos años.

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Shirin Neshat was born in 1957 in Irán, although she works and lives in the United States. In la Fábrica Galería, you can see a photographs exhibition. Neshat's objective is moving the spectator with her images, which she presents like "conversations" between east and west, man and woman, oppressor and oppressed.

Fuente: La fábrica galería

Del 4 de Febrero al 20 de Marzo, la galería Heinrich Ehrhardt organiza una nueva exposición de André Butzer. Butzer es un artista alemás cuya obra provoca las más diversas reacciones. Hay aquellos que admiran su uso de figuras y colores, calaveras huecas, colores llamativos estilo grafitero, y otros que rechazan su reflejo de frustraciones en las obras (el hecho de que pinte varas fálicas al lado de sus figuras es claro indicador). De cualquier manera, la obra de Butzer, a medio camino entre figuración y abstracción, no pasa desapercibida.
Qué pensáis, valdrá la pena ir a verla?

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From the 4th of February until the 20th of March, Heinrich Ehrhardt gallery organises a new exhibition of Andre Butzer. Butzer is a German artist whose work provokes the most diverse reactions. Some admire his usage of shapes and colours, and others reject it because of the clear frustations reflect (a phallic stick next to some of the figures is a clear indicator). Anyway, his paintings never go unnoticed.
What do you think? Should I go see it?

Fuente: Galería Heinrich Ehrhardt, Saatchi gallery

Alicia Framis es una artista española que actualmente vive en Shanghai, aunque podemos encontrar su obra por todo el mundo, desde Bangkok a Nueva York pasando por Barcelona.

La obra de Alicia Framis se centra en contradicciones que ve a su alrededor y a las que busca dar solución. Violencia, convivencia, soledad... son algunos de los temas que trata en sus instalaciones, performances y fotografías. Framis convierte así el arte en una herramienta que propicia una nueva mirada sobre las cosas y favorece un análisis seguido de un cambio de opinión.

Destacan algunas obras como "anti-dog" (un conjunto de vestidos diseñados con tejido anti balas, resistentes al fuego y a las agresiones de perros (violaciones), la obra "Not for sale" es una protesta sobre las condiciones precarias en que viven niños en el sudeste asiático, a merced de las mafias.

Hay unas obras que me han parecido curiosas del año 2002 como "1 refugio para sexo inmediato" (un vestido tienda de campaña), o "dos muebles para una relación eterna" (dos ataúdes compartiendo un espacio).

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Alicia Framis is a spanish artist whose work we can find mainly in Shanghai, were she lives, but also in Bangkok, New York or Barcelona. Her work concentrates on the contradictions that she sees around her, and to which she wants to give a solution. Violence, coexistence, solitude... are some of the topics in her installations, performances and photographs.

Some of her installation were quite recognised like "anti dog" (bulletproof, fireproof and dogsproof dresses), "Not for sale" is a protest for the condition in which kids in southeast asia live, a the mercy of local mafias.

She has other works that I found interesting from year 2002 like "1 refugee for inmediate sex" or "2 pices of furniture for a neverending relationship".

Fuente: aliciaframis, MUSAC

La obra de Juan Francisco Casas estará presente en la galería Fernando Pradilla (Claudio Coello 20) del 14 de Enero hasta el 20 de Febrero. La muestra recibe el nombre de "Foreignaffairs" y es un conjunto de dibujos hechos a boli bic y rotulador negro. La escasez de medios no es óbice para que el artista consiga sorprender al espectador, captando el momento a la perfección.

Sus retratos no son preparados, son instantáneas que sorprenden al retratado, que se muestra tal como es, sin tapujos, y que luego el artista traslada al papel. El momento del retrato es casi siempre después de una noche de marcha, en el que sus protagonistas, ajenos o despreocupados, dan el toque de vitalidad y desenfado que vemos en los dibujos.

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Juan Francisco Casas' work will be in Fernando Pradilla gallery from the 14th of January until the 20th of February. The shows receives the name "foreignaffairs" and is a group of drawings made with biro and black felt-tip pen. His portraits are not prepared, most of them were taken after a night-out, where the main protagonists show themselves as they truly are, without hiding.

Fuente: galería Fernando Pradilla

Lara Almarcegui es otra de las artistas contemporáneas de las que se está hablando mucho en los últimos años. El trabajo de Lara se centra en partes del paisaje urbano que se encuentran desocupados, es decir, edificios demolidos, descampados, lugares en transformación.

Lara interviene directamente sobre estos espacios, y documenta la acción. Una guía de descampados, la reconstrucción de un mercado, la excavación de un agujero en un descampado, la transformación de una estación de tren abandonada en un hotel... estos son algunos ejemplos de las obras de esta artista que la han hecho merecedora de un hueco en el panorama artístico contemporáneo español.

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Lara Almarcegui is one of the contemporary artists that has been talked about during the past years. Lara´s work is based on parts of the urban landscape that is now vacant. Demolished buildings, empty spaces, places in transformation. Lara intervenes in these spaces and documents the action.

Fuente: MUSAC, Galería Pepe Cobo y cia , onedaysculpture, el cultural

La galería Oliva Arauna (Barquillo 29) organiza esta nueva exposición de Rosa Brun, que ya ha estado en varias ocasiones presente en la galería. La obra de Brun es siempre muy colorista, y destaca por su uso de colores planos y formas geométricas. Lo cierto es que comparando con otras exposiciones anterioes, no ha habido mucho cambio, como podéis ver en estas dos fotos (una actual, y la otra del año 2008).

Superficies planas, monocromas, a las que les da la artista una explicación un tanto compleja pero de la que no veo más que un lienzo de color, muy decorativo.
Quizás vosotros veis más que yo?
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Oliva Arauna gallery presents the latest work of Rosa Brun. Monochome and colourful paintings, more decorative than anything else. Maybe you can see more than me?

Fuente: galería Oliva Arauna

Luis Feito es un pintor Español nacido en Madrid. Feito formó parte del grupo El Paso en el año 57, junto con otros artistas de renombre como Saura, Millares, Chirino o Rivera. El grupo se dedicó a la pintura de vanguardia, el informalismo y el expresionismo abstracto. Aunque el artista comenzó con un periodo figurativo, seguido de experimentación cubista, pronto se decantó por la abstracción.

Feito utiliza en sus comienzos superficies en colores blanco, negro y ocre, y mezclas de óleo y arena. Utilizará formas geométricas a lo largo de su obra, e irá incluyendo nuevos colores para dar intensidad a su obra. El rojo será una constante en su obra. 

Pudimos ver alguna de sus obras en la colectiva conjunta de Rayuela y Juan Gris.

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Luis Feito is a Spanish painter born in Madrid. Feito took part in the group El paso, in the year 57, with other artists as well known as Saura, Millares, Chirino or Rivera. The group was dedicated to avant-garde, informalism and abstract expressionism.

Feito uses in his work surfaces white, black and ochre coloured. He used geometrical shapes along his art life, and started adding new colours (mostly red) which give intensity to the paintings.

Fuente: web del artista Luis Feito

El artista Pierre Gonnord presenta en la Sala Alcalá 31 su última colección de fotografías hasta el 28 de Febrero. La exposición recibe el nombre de Terre de personne, y es una clara evolución respecto a sus obras anteriores. Gonnord es conocido por sus retratos, y esa capacidad de captar la mirada sin máscaras.

En esta ocasión, viajó a pueblos aislados del norte de España y Portugal, y allí fotografió no sólo habitantes de las zonas rurales como mineros, agricultores o marinos sino también el paisaje. Ha puesto su mirada de retratista en el paisaje, queriendo sacar de ellos la energía, forma y naturaleza.

Sus retratos son siempre llamativos por la fuerte personalidad de los retratados. Son personajes con carisma, y con vidas peculiares, para nosotros urbanitas.
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The artist Pierre Gonnord presents his latest work in Alcalá 31 until the 28th of February. The exhibition receives the name Terre de personne, and is a clear evolution from his previous work. Gonnord is known for his portraits, and that ability of capturing the real look, without masks.

This time, he travelled to remote villages in the north of Spain and Portugal, and there he photographed not only the rural inhabitants like miners, agriculturers or fishermen but also the landscape.

Fuente: lacomarcadepuertollano

El poeta y pintor Albert Rafols Casamada, murió en Barcelona el pasado Diciembre. Rafols formó parte de un grupo de artistas reconocidos, inmersos en el mundo de la abstracción. Su carrera fue una mezcla de escritura y pintura, que se complementarían a la perfeccción. Dejó tras de sí escritos sobre arte, teóricos, y poemas que acompañaban a sus pinturas.

Aunque sus comienzos fueron más bien impresionistas, pronto se dejó influenciar por las nuevas técnicas abstractas. Su temática se ha basado en el mediterráneo, siendo siempre capaz de plasmar esa luz que solo existe en los alrededores de este mar. Pudimos ver una de sus obras en la exposición colectiva que organizaron conjuntamente Juan Gris y Rayuela durante estas fiestas.
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The poet and painter Albert Rafols Casamada, died in Barcelona the past December. Rafols was part of a recognized artists group, immersed in the abstraction world. His career was a mixture of writing and painting, that were always perfectly complemented. He left behind art essays, and poems which accompany the paintings.

His start was more impressionist, but he was soon influenced by the new abstract techniques. His themes are based on the mediterranean sea and its colours. We could see one of his works in the collective exhibition organised by Juan Gris and Rayuela galleries.

Fuente: Galería Juan Gris, Galería Rayuela, la jornada semanal

Para Crewdson, el hecho de que la fotografía sea algo estático, sin un antes y un después, no es una limitación sino una fuerza, tal como él mismo dice. Es su forma de conseguir que el espectador se meta en la imagen y le de su propia explicación.

Crewdson capta en esta serie de fotografías situaciones de la vida cotidiana americana, en las que los personajes se ven envueltos por una atmósfera de angustia. Estas situaciones no son aleatorias, sino que él mismo, junto con un equipo de filmación prepara la escena para tomar las fotos. Sus fotografías son parte de una narración, de la que es imposible adivinar el antes o el después.

Esta exposición se podrá visitar en la Fábrica galería, en la calle Alameda 11 hasta el 30 de Enero.

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For Crewdson, the fact the photography is static, without a before or after, it´s not a limitation but a strength, like he himself says. It is his way of achieving that the spectator gets into the image and gives his/her own explanation.

Crewdson, with the help of a filming team, prepares the scene to take the picture, which is always a reflection of the north-american life. His photos are a part of a narration process, of which you never see the continuation.
You can visit this exhibition in la Fábrica gallery, until the 30th of January.

Fuente: la Fábrica galería

En la galería Fernando Pradilla (Claudio Coello 20) organizan durante este mes, hasta el 9 de Enero una exposición del artista Venezolano Starsky Brines.

La obra de Brines deja entrever una cierta nostalgia por la magia de la infancia. Utiliza en sus obras trazos fuertes y violentos, con colores planos primarios principalmente. Sus personajes transmiten una gran carga irónica, y la obra se muestra como elemental y poco realista pero muy intensa. El artista refleja seres que muestran su exterior e interior.

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In Fernando Pradilla gallery (Claudio Coello 20) they organize this month, until the 10th of January an exhibition of the recent work of Starsky Brines, a Venezuelan artist.

Fuente: Starsky Brines, Fernando Pradilla  

Desde el año 1909 la Galería Joan Gaspar ha mostrado en sus espacios de Barcelona y Madrid obras de gran importancia de artistas muy conocidos. Es por eso que durante este mes de Diciembre, en el espacio de Madrid (General Castaños 9) , podréis disfrutar de obras que han pasado por esta galería desde hace ya muchos años. Obras de grandes maestros como Picasso, Miró, Braque o Clavé, y artistas modernos consolidados como Brinkmann, Isern o Sampol.  Además, la galería pone a disposición del visitante, información sobre su propia historia, lo que comenzó como una tienda de marcos, es hoy una galería de referencia en el arte moderno.

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Since year 1909 Joan Gaspar Gallery has been showing important artist’s work in both Barcelona and Madrid spaces. This month, to celebrate 100 years in the arts-world, they organize an exhibition with works by great masters like Picasso, Miró, Braque or Clavé, and modern artists like Brinkmann, Isern or Sampol.

Fuente: galería Joan Gaspar

Hasta el día 11 de Enero se muestra en el museo Reina Sofía una colección de pinturas, carteles, fotografías y esculturas de los artistas Popova y Rodchenko, representantes principales del constructivismo ruso.
Ambos artistas realizaron sus trabajos entre los años 1917 y 1929, y se centraron en la abstracción geométrica. Aunque en los primeros años se centraron en la pintura, poco a poco fueron dando más importancia a otros soportes como carteles, medios audiovisuales o incluso ropa.

Kandinsky fue para ambos una gran influencia, lo que se puede observar en algunas de sus primeras obras, aunque pronto rechazaron su uso del color. El movimiento constructivista surgió después de la revolución soviética en 1917, como forma de avanzar en el arte y la arquitectura, hacia el socialismo. Este hecho hizo que las vanguardias rusas constituyeran una ruptura aún mayor que las europeas, ya que estaban reforzadas por un apoyo institucional.

Esta exposición de Popova y Rodchenko, organizada por la Tate Modern, es una muestra de las teorías constructivistas que consiguieron cambiar el arte ruso.

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Until the 11th of January, you can visit in Reina sofía Museum a collection of paintings, posters, photos and sculptures of the artists Popova and Rodchenko, main representatives of the Russian constructivism.

Both artists did this work between 1917 and 1929, and concentrated on geometric abstraction. Although at the beginning they did paint, soon gave more importance to other types of art such as posters, audiovisual media or even cloths.

Kandinsky was for both a great influence, which we can observe in some of the first works, although they soon rejected his usage of colour. The constructivism movement was born after the soviet revolution, in 1917, as a way of moving towards socialism in architecture and arts. This fact made Russian avant-garde a greater rupture than that of the Europeans, since they were reinforced by institutional support.

This Popova and Rodchenko exhibition, organized by the Tate Modern, is a sample of the constructivism theories that changed Russian art.

Fuente: Museo Reina Sofía

Mark Tobey es un artista americano, que vivió entre 1890 y 1976, cuya obra ha influido mucho en el movimiento expresionista. La diferencia de Tobey es que ninguna de sus obras las realiza de forma espontánea, sino que el artista sigue un proceso de observación y contemplación de lo que le rodea, ya sea el movimiento continuo de la sociedad, las variaciones en la naturaleza...

Su rechazo a la cultura occidental después de la primera guerra mundial, hizo que se interesara por la caligrafía china y la pintura zen. Lo que vemos reflejado en varias de sus obras.

La galería Cayón, en Orfila 10, presenta durante este mes una selección de 14 obras de Tobey.

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Mark Tobey is a north-american artist who lived between 1890 and 1976, whose work has greatly influenced the expressionist movement. The artist follows an observation and contemplation process of those things that surround him; the constant change of society, variations in nature...
Cayón gallery in Orfila 10 shows during this month a selection of 14 works by Tobey.

Fuente: galería Cayón

Creo que todos hemos oído hablar de Warhol, y hemos visto más o menos de sus obras. Las fotografías de Marilyn, los retratos de gente tan conocida como Mao, Elizabeth Taylor o Elvis Presley han dado la vuelta al mundo. Pero eso, ya lo conocemos, lo que no conocemos es lo que aquí interesa.

En una pequeña galería en la calle José Marañón número 7, en la galería Pepe Cobo y cía, he encontrado una exposición de fotografías inéditas de Warhol, que nada tienen que ver con lo que tanto conocemos de él. En esta exposición, lo que encontramos son imágenes con objetos del día a día, de la cultura popular, objetos que a nosotros no nos llamarían la atención pero que al artista, por el motivo que sea, le han hecho pararse y fotografiarlo.

Nos encontramos unas sillas, muñecos, gente en un mercadillo, una señora rodeada de palomas... hay también unas fotos curiosas de montones de objetos, queriendo reflejar con ello, o al menos eso parece, el espíritu materialista del mundo de hoy. son un conjunto de fotografías que no se parecen en nada a la idea de Warhol que podemos tener, pero que sirven para dar una idea más cercana de lo que pasaba por la cabeza de este artista.

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We have all heard and seen something from Warhol, like Marilyn´s pictures, Elizabeth Taylor´s... but, in this case, what I found was not the Warhol we all know, but a different one. In a small gallery in José Marañón 7, Pepe Cobo shows a group of unknown pictures, in black and white, taken in the streets. Everyday life objects are the center of the photos. We can find chairs, dolls, a woman surrounded by pigeons... totally different from that Warhol we all had in our head.  

Fuente: Pepe cobo y cía nota de prensa, imágenes con copyright: 2009, the andy Warhol foundation for the visual arts,Inc.

Georg Baselitz es uno de los artistas vivos más importantes de su época, ha sido una importante figura en el desarrollo del arte en la Alemania de posguerra, y multitud de artistas han seguido su estela. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos durante su vida, y su obra ha llamado la atención por transgresora en diferentes épocas.

Sus primeras obras se caracterizaban por el uso de imágenes sexuales explícitas, luego pintó figuras monumentales, y un día en 1969, decidió darle la vuelta a un cuadro que pintaba, y desde entonces, pinta las figuras en sus cuadros del revés. Según dice el propio artista, "Para empezar, no sigo pintando así porque esté loco. Estoy bastante bien de la cabeza, y ese planteamiento es algo en lo que pienso constantemente. En segundo lugar, una idea fija puede durar mucho tiempo, toda la vida. En tercero, un artista tiene que hacer algo distinto. Aunque sea un cambio muy pequeño, alguien tiene que ser el autor de ese cambio, de ese distintivo."  

Baselitz es también conocido por sus grabados y por sus esculturas en madera. Algunas de sus obras se pueden ver hoy en Madrid, expuestas en la galería Heinrich Ehrhardt (situada en el patio interior de San Lorenzo 11). No es un espacio muy grande, pero se puede apreciar bien el estilo de la obra más reciente de este artista en obras como Braunung o Verdunkelung. Baselitz presenta en Madrid una serie pintada a principios de este año, cuya temática es el pintor frente a la obra. El artista que se enfrenta a un lienzo en blanco, en que sólo ve su propia sombra. en esta ocasión vuelve a retomar la figuración invertida, que provoca un sentimiento de desorientación en el espectador.

Fuente: Nota de prensa galeria Heinrich Ehrhardt, epdlp.com

La Galería Marlborough presenta como primera exposición de temporada, del 10 de Septiembre al 10 de Octubre a los artistas Cristóbal Hara y Manuel Franquelo. La muestra de Hara es un conjunto de fotografías en blanco y negro realizadas antes de 1985, fecha en que el artista ya solo trabaja en color.

Sus fotografías captan esos pequeños detalles que retratan la vida de provincias en España en aquellos años (me pareció buenísima la fotografía de las dos señoras bailando). Algunos de los retratados que encontraréis en la galería son mendigos londinenses con los que se topó durante su estancia en la ciudad británica. El tema de los toros en las fiestas de los pueblos también le atrajo poderosamente. Su relación con la fotografía comenzó desde muy jóven, pero hasta que no conoció la obra de Cartier-Bresson, no se dedicó por entero a ello.

La obra de Franquelo, pintura y dibujo, es bien distinta. Esta es la primera exposición individual del artista en la galería, y en esta ocasión se muestran dibujos, óleos y estudios preparatorios. Todas las obras han sido cedidas de colecciones privadas para esta ocasión. Franquelo capta en sus óleos y plasma hasta el más mínimo detalle del objeto que ve, y le da una apariencia casi real. Es una obra realista en extremo, tanto que parecen fotos.

Fuente: Notas de prensa y fotos galería Marlborough

La galería Cayón es un pequeño pero interesante espacio en la calle Orfila. Durante este mes, tienen expuestas algunas obras de Vasarely muy llamativas. La obra en la entrada, esta que tenéis arriba a la izquierda es la que me ha hecho entrar a ver las demás. El artista consigue perfectamente las 3 dimensiones en una superficie plana. Es una obra fantástica. Si estáis por la zona, dedicadle 5 minutos, que este artista vale la pena.

Vasarely es considerado como el padre del op-art, el arte abstracto de aspecto geométrico, que tradicionalmente se incluye dentro de las segundas vanguardias. Consigue mezclando figuras geométricas movimiento y dimensión. Crea efectos ópticos juntando diferentes formas y colores, usando las sombras de manera magistral. Gran número de obras son esferas que sobresalen del cuadro, o cuadrados que se meten unos en otros, siempre dando la sensación de que se salen de la superficie en la que están pintados. 

Las imágenes lo dicen todo, disfrutadlas.

Fuente: Galería Cayón

En el Thyssen nos encontramos con una obra un tanto desconocida de Matisse. Son los trabajos realizados en el periodo de entreguerras, entre 1914 y 1940. Desde las primeras obras, Matisse buscaba un lenguaje pictórico nuevo. Busca sacar a flote una nueva sensibilidad, que en sus primeros momentos no consigue, y estos trabajos se ven condenados al fracaso.

Aquí teneis un video que he encontrado en YouTube, que tiene como nombre Matisse, de eggman 913. Me ha parecido una recopilación muy interesante de pinturas de Matisse, espero que os guste.

Después de la primera guerra mundial, su estilo que anteriormente era tan solo decorativo, muy simple, sigue otra dirección más intimista. Evita los academicismos, como la perspectiva o el claro-oscuro, y se centra en buscar una nueva manera de plasmar la profundidad espacial. Esto es lo que estructura la vida de Matisse durante estos años. El uso de la ventana es un recurso muy utilizado, como marco desde el que se ve la obra en cuestión.

La ventana se convierte en el paradigma principal de su obra. Con ella establece la relación entre lejano y próximo. Tratará el espacio exterior, tan importante para los impresionistas, de forma crítica, basándose en la técnica impresionista pero corrigiéndola. Verá el exterior como si lo mirara desde fuera, desde un teatro. En esta muestra podemos encontrar también algunos de sus desnudos, que desarrolla a la vez en pintura y escultura.

Durante los últimos 20 años de este periodo, descubrimos en el artista cierta inseguridad, que le llevará a dejar de pintar durante un tiempo. Cuando lo retoma, se ve plasmada en su obra esta sensación de fracaso. Utiliza el lenguage del dibujo para representar lo experimentado, siempre viendo el tiempo como cada vez más oscuro, la cercanía de la segunda guerra mundial le afecta, y le vemos sumergido, aislado, melancólico, y manteniendo la distancia entre el arte y la vida.

Fuente: fotos tomadas de masdearte.com, elangelcaido.org, magazine.artepick.com.

En Cahiers d´Art VI en 1931 apareció un artículo que el artista escribió como respuesta a una crítica a sus tendencias en pintura. En el articulo, Mondrian, como buen precursor de las segundas vanguardias, defiende que el arte abstracto puede seguir provocando emociones, y que si este no lo hace no es por culpa de la técnica, sino que es problema del artista en cuestión. Que este nuevo arte no es sólo un compendio de líneas geométricas y colores planos, como un estudio matemático, sino que estas líneas buscan el reflejo de una realidad más compleja, no es un arte decorativo u ornamental sino que refleja un todo, las líneas y los espacios marcan un ritmo y provocan una emoción al espectador.

Los colores, que como bien destacó Kandinsky, pueden ser según se combinen frios o calientes, dan el sentido a la pintura, no es una combinación aleatoria, sino un estudio de la composición profundo y con un objetivo claro de emocionar.
Tampoco se ha llegado a un callejón sin salida, si bien es cierto que la neoplástica se ha establecido como el tope máximo de la obra cubista (según él), el cubismo como tal, la obra plástica, puede seguir infinitos caminos. La obra neoplástica puede ser perfeccionada, pero no podrá evolucionar, ya que ha llegado a su final.

Mondrian se constituyó como el mayor seguidor de las líneas rectas, verticales y horizontales como expresión artística, que él veía como única posible en la línea de la neoplástica, detalle en el que su colega pintor Van Doesburg disentía. El uso de la línea diagonal en sus composiciones, detalle no tolerado por Mondrian, hizo que la distancia aumentara y llegara a provocar el abandono del grupo de Mondrian. Sus formas romboides u octogonales encuadrando a verticales y horizontales, no daban cabida a una estética más dadaísta o Bauhausiana, sino que seguían una línea más Futurista.

Obras: Muestran la evolución del artista hasta sus obras más conocidas.
Fuente: ARTE carroggio enciclopedia

Guinovart, pintor y grabador que perteneció al grupo Dau al Set, junto con Cuixart y Tápies. Durante los primeros años de su carrera artística realiza murales, escenarios de teatro, carteles... su estancia en París le permite familiarizarse con el cubismo y artistas ya consagrados, lo que le marcará posteriormente. 

Se siente pronto atraído por el informalismo y la abstracción. a finales de los 50 comienza a utilizar también objetos en sus pinturas, y hace una especie de collage o assemblage en la pintura, casi toda de gran formato. Utiliza materiales tan dispares como madera quemada, bidones, cajas, etc. Hay una mezcla de símbolos de la naturaleza, el campo y la tierra. Hay un gusto constante por el uso de las tres dimensiones en sus obras.

En los años 80 es cuando recibe reconocimiento tanto de su patria, España, como internacional. Le fueron concedidos aún en vida varios galardones de importancia. El Museo Agramunt, localidad a la que siempre estuvo unido, guarda parte de sus obras. Podéis encontrar algunos de sus cuadros en el fondo de Galería de Antonio Machón.  

Fuente: artelista.com, galería Antonio Machón, picassomio.es, elpais.com, tallerdelprado.com

Me pasé por la exposición nueva de Marta Cervera y la verdad es que me resultó muy interesante. La galería está dividida en dos espacios de exposición y cada uno tiene ahora cosas muy diferentes. Del 10 de Septiembre al 10 de octubre, ambos tendrán exposiciones muy interesantes, que os recomiendo ir a ver, de escultura e instalaciones.son ambos espacios pequeños pero acogedores.

En el espacio de General Castaños 5, estará expuesto el último trabajo de Nuria Fuster, una joven artista que realiza instalaciones con objetos usados que se encuentra, y que junta, ensamblaje, dándoles extrañas formas que recuerdan a pinturas abstractas pero con objetos. En sus instalaciones también usa tubos fluorescentes, lo que da un aire futurista. Ha realizado exposiciones en Estados Unidos, Barcelona y muchas en Madrid, y ahora podéis ver sus trabajos en Marta Cervera, fotografía de instalaciones e instalaciones.

Y en el otro espacio, muy cerca, en la plaza de las Salesas 2, podemos ver obras del reconocido Juan Muñoz. Estos trabajos son otros distintos a los mostrados en el museo Reina Sofía durante el verano, así que para los que os gustó, os recomiendo ver estos también ya que nos muestran una cara más profunda del artista. Son obras más pequeñas entre las que encontramos una de las pinturas del tema mobiliario, en blanco y negro. 

Fuente: www.nuriafuster.com, Galería Marta cervera

"The concepsts of fuel&full" es un estudio de Gamaliel Rodríguez, un artista puertorriqueño, sobre los diferentes tipos de energía que se usan actualmente. Refleja en sus láminas desde combustibles fósiles hasta energías limpias y donde nos lleva el uso de estas energías, que no es a un planeta mejor cuidado, sino a la posesión de armas más evolucionadas... analiza así todas las posibles fuentes de energía desde muy primarias como son los cereales, hasta elaboradas como centrales nucleares.

Pinta sus dibujos con bolígrafo, lo que le da una gran semejanza a grabados, parecidos en cierto modo a planos de arquitectura. Muestra dibujos de diferentes espacios grandes que le han llamado la atención como posibles centros de almacenamiento de estas energías. "Waiting for the sunrise" es el dibujo más destacado de la exposición, no solo por su gran tamaño sino también por la significación que conlleva.

La Galería Espacio mínimo, en Doctor Fourquet 17 le dedica más de un mes (10 Septiembre-17 Octubre) a este artista y a sus dibujos en papel.  

Fuente: Galería espacio mínimo

El artista que está expuesto durante este mes, Luis Pardo, no es exactamente lo que podríamos denominar moderno, de hecho es un pintor realista, con lo que deberíamos dejarle fuera de este blog, pero, me han parecido bonitos algunos de sus cuadros con vistas de Granada, y los quiero compartir con vosotros. Para los que no conocéis España, aquí tenéis unas vistas de La alhambra y sus jardines en Granada, y una del puerto de Cadaqués (el pueblo donde vivía Dalí). Si estáis por la zona, pasad a verlo. La dirección es calle Hermosilla 38.

Fuente: Galería Zúccaro

Paulo Castro es un artista Colombiano nacido en 1974, que logra darle a su pintura un aporte tridimensional, mediante la utilización de diferentes materiales. Podemos ver dos de sus obras en la Galería Fernando Pradilla, durante este verano. Son dos obras muy luminosas, de líneas entrelazadas, que sobresalen del óleo pareciéndose más a lo que él llama arqueología pictórica, que a pintura tradicional. El por qué de esta técnica quizás lo veamos explicado por sus estudios de arqueología que actualmente realiza.

Utiliza materiales como telas rotas, pintadas y entrelazadas, materiales naturales y semillas, que combina con un cierto estilo de collage. Para él se ve que el uso de sólo pintura es escaso, y necesita algo sobre lo que sostenerla, y por ello crea un fondo de telas, en los que "construir" su pintura. Como él mismo señala, "No quiero caer en lo representativo como tal, me interesan las texturas, lo tridimensional y la estética de lo arqueológico".

Fuente: gbgarts, eluniversal, Galería Fernando Pradilla