La cordobesa Josefa Medina, presenta en el pasillo que da acceso a la Terminal T2, 25 obras, entre pinturas y dibujos.

Con un estilo que juega entre el realismo y el hiperrealismo, sus retratos cobran vida, obviando el fondo, su entorno e incluso su indumentaria.

Y es que el objetivo de esta pintora es reflejar la personalidad por encima del resto, para ello, hay que destacar que se nota el estudio previo de sus retratados antes de inmortalizarlos en sus obras.

 

Lugar: Aeropuerto Madrid-Barajas, Madrid. Todo el mes de septiembre.

Lugar: Galería Fernando Pradilla, Madrid. Del 15 de julio al 4 de septiembre.

 

Cualquiera puede jugar con los volúmenes, pero sólo el artista cubano Ángel Ricardo Ríos los domina. Sus cuadros no representan cojines o almohadones de apariencia confortable, sus obras muestran una sensualidad que toma fuerza con su forma, color y composición.

En las tres series temáticas que se exponen, Objetos de deseo, tienda de Dulces y Chocolates, se pueden definir como carnales, Ríos hace referencia a lo deseado por prohibido o reprimido, y, por ello, en sus obras descubrimos esencias que van más allá de formas conocidas.

Y todo ello en un viaje en gran formato bajo la mirada cálida y sensual, lúcida y certera, de Ríos.

Bajo el nombre de "Mañana", el artista Gerardo Aparicio presenta sus últimas obras en la galería Antonio Machón (Conde de Xiquena 8) hasta el día 25 de Junio. Un conjunto de obras abstractas, en las que destaca el uso del cromatismo. 

El propio artista explica con pocas palabras el significado de esta exposición. Para él es el reflejo del desasosiego interior y las contradicciones que vive. Y el titulo, que a primera vista pudiera parecer optimista, lo que quiere comunicar es la incertidumbre futura, y un temor a lo que viene después.

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Under the name "Tomorrow" the artist Gerardo Aparicio presents his latest work in Antonio Machón gallery, until the 25th of June. With this title he wants to reflect the uncertainties of the future and the contradictions in which he lives in.

Fuente: Galería Antonio Machón

Richard Hamilton, pintor, grabador y teórico, es uno de los artistas vivos de más reconocimiento. Es considerado el padre del pop británico, y en estos momentos está en dos exposiciones a la vez en la capital.

Por un lado presenta una muy pequeña muestra, bajo el nombre de pequeña retrospectiva, en la galería Juana de Aizpuru (Barquillo 44, 1º), y también podéis encontrar obtras suyas en el Museo del Prado, dentro de un conjunto de obras de varios artistas en las que se representan las Meninas de Velázquez bajo el punto de vista particular de cada uno de ellos.

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Richard Hamilton, painter, engraver and theorist, is one of the alive artists more recognised. He is considered the father of the British pop and nowadays he has two exhibitions at the same time in Madrid. One in Juana de aizpuru and another one, part of a collective show in Museo del Prado.

Fuente: arteinformado, Juana de Aizpuru, Museo del Prado 

Buscando nuevas exposiciones de las que hablar, y nuevas galerías que presentaros, me encontré con un muy joven artista (del año 1981) en una de las galerías de la capital.

El cubano Michel Pérez, expone por primera vez en solitario en la galería Luz y Suárez del Villar (especializada en arte cubano). Ya hemos visto una de sus obras en la galería Fernando Pradilla en alguna colectiva hace tiempo. Son todas obras muy coloridas, una pintura bastante particular. Hablando con amigos les pareció un tanto infantiloide, al estilo de las obras de Starsky Brines. ¿Vosotros qué pensáis?.

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Looking for new exhibitions to talk about and new galleries to present, I found a very young artist (year 1981) in one of the galleries in the center.

Michel Pérez, a cuban artist, shows for the first time in a solo exhibition his work at the Luz y Suárez del Villar gallery (specialized in cuban art). All very colourful and somehow childish. What do you think?

fuente: galería Luz y Suárez del Villar

Hasta el día 29 de Mayo podéis aún visitar la exposición de la obra de Irene Van de Mheen, Nowhere in the nowhere, en la galería Magda Bellotti (Fúcar 22). La artista muestra en su obra el dibujo y sus limitaciones, estudiando el espacio transforma bidimensional en tridimensional, pequeño en monumental. Todo su trabajo se mueve alrededor del espacio, creando espacio de la nada, o expandiendo uno ya existente. Trabaja con espacio interior o exterior.

La exposición se compone de un mural con líneas y espacios que interactúan, dibujos inéditos y otras obras en diferentes soportes, que se complementan entre sí.
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Until the 29th of may you can still visit an exhibition of the latest artwork by Irene van de Mhee, Nowhere in the nowhere, in Magda Bellotti gallery. She works with space, transforming or creating it with drawings and lines. Two dimensions become three, or small-scale becomes large-scale.

Fuente: Galería Magda Bellotti

Guillermo Pérez-Villalta, en la galería Soledad Lorenzo (Orfila 5) del 11 de Mayo al 12 de Junio.
Las obras de Villalta son narraciones muy ornamentadas, en las que no faltan símbolos religiosos y mitológicos. Se distingue claramente de los artistas de su época, y su técnica y estilo no sigue el mismo camino.

Su obra Grupo de personas en un atrio, en el que representa a muchos de sus compañeros artistas, está situado en un lugar predominante en el Museo Reina Sofía. Pérez-Villalta es otro de los artistas españoles muy destacables, y cuya obra podemos encontrar desde hace ya muchos años en los mejores museos de arte moderno.

En esta exposición presenta un conjunto muy curioso de obras de corte surrealista, aunque en otras incluye elementos geométricos más abstractos. Una interesante visita que seguro agradará a muchos.
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Guillermo Pérez-Villalta, in Soledad Lorenzo gallery, from the 11th of May to the 12th of June.
Villalta's artworks are very ornate stories in which we can find religious and mythological symbols. His work "group of people in an atrium" is in a preferential space at the Reina Sofía Museum. This time he shows a group of paintings with a more surreal cut.

Fuente: Galería Soledad Lorenzo

Luis Gordillo y Carlos Franco, dos artistas ya consagrados y de gran renombre vuelven a exponer esta vez en la galería Marlborough (Orfila 5, hasta el 12 de Junio). Ambos espacios estarán dedicados a estos dos grandes artistas.

Gordillo presenta obra de los años 2007, 2008 y 2010, bajo el nombre de Contrastes. Vemos esta vez un conjunto de obra sobre lienzo, papel, cartón o serigrafías. Algunas, o muy parecidas, ya las pudimos ver en la galería La caja negra en una exposición anterior. El estilo continúa siendo parecido al que ya nos tiene acostumbrados, con formas geométricas que recuerdan en cierto modo a caleidoscopios.

Carlos Franco presenta en cambio una obra toda en papel, collage, grabados... sin una temática definida. De Franco hemos visto algunas obras suyas durante el pasado verano en Marlborough en la exposición colectiva.

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Luis Gordillo and Carlos Franco, two established artists and well-known exhibit again in Marlborough gallery (until the 12th of June). Both spaces will be dedicated to these great artists.

Gordillo presents artwork from years 2007, 2008 and 2010 under the name Contrasts. Some similar works we could see them some time ago in La caja negra gallery.
Carlos Franco presents work all in paper. We saw some of his works in the collective exhibition in Marlborough last summer.

Fuente: galería Marlborough

La Galería Javier López (José Marañón 4) del 15 de Abril al 26 de Mayo, presenta la obra "Horizons" de Jose Mª Yturralde. Una obra muy colorida, en la que el artista quiere reflejar su estudio y profundización en el espacio, lo infinito y el tiempo. Utiliza la luz de forma que podamos captar el horizonte que se abre hasta el infinito.

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Javier López gallery from the 15th of April until the 26th of May, presents "Horizons", by Jose Mª Yturralde. A very colourful collection, in which the artist wants to reflect his study of space, the infinite and time using light and the horizon as starting point.

Fuente: Galería Javier López

Tranquilidad y calma, es lo que inspira esta exposición de Joaquín Pacheco en Distrito cuatro (Conde de Aranda 4). Unas escaleras, columnas, un museo, la playa... todas pinturas que se inspiran en escenas que no llaman la atención, en las que no sucede nada. Son como bien describe la galería escenas costumbristas urbanas, en las que todos nos hemos encontrado alguna vez, compartiendo ese momento tan poco importante con otras personas. Resulta interesante que el artista haya elegido justo ese momento de espera para plasmarlo en sus cuadros, y no el del encuentro.

La espera es la norma general en la exposición, figuras inexpresivas que se mueven por los cuadros, esperando que suceda algo. Podéis ver esta relajante exposición del 8 de Abril al 14 de Mayo.

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Peace and calm, is what inspires this Joaquin Pacheco exhibition in Distrito cuatro. Stairs, columns, a museum, the beach... all paintings with people looking like waiting for something, in one of those unimportant moments of our lives that we all share with so many. You can enjoy this relaxing show until the 14th of May.

Fuente: galeria distrito cuatro

Gonçalo Pena, artista Portugués, presenta sus más recientes obras en la galería Fúcares (Conde de Xiquena 12), del 17 de Marzo hasta el 1 de Mayo. Pena toma elementos figurativos y los plasma de manera alegórica, mezclándolo con naturaleza, industrias, ciudades, alcobas o jardines. No establece un nexo claro en la pintura, lo que provoca extrañeza en el espectador. La presencia de monstruos y serpientes se une a la representación de ninfas desnudas que recuerdan a cuadros inspirados en mitología. Una interesante exposición que te deja con un gran interrogante ¿qué querrá decir con esto el artista?.

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Gonçalo Pena, Portuguese artist, presents his latest work in Fucares gallery, from the 17th of March until the 1st of May. He mixes figures inspired in mithology with nature, industry, cities, rooms or gardens, without a clear nexus among them. An interesting exhibition that leaves you with a question, what does the artist want to say with this?

Fuente: galería Fúcares

Jordi Teixidor presenta en La caja negra (Fernando VI 17 2ºI) del 25 de Marzo al 30 de Abril, una nueva exposición con el título L'atelier rouge, que se basa en el cuadro de Matisse del mismo nombre. Teixidor ya ha utilizado este cuadro y otros de Matisse en colecciones anteriores como referencia para su creación.

Lo que hace el artista al utilizar este cuadro como base es retomar el objetivo de Matisse de crear un espacio de ilusión. Además, incluye fotografías de su propio estudio, en las que mexcla la realidad en la que pinta con la pintura en sí. De esta manera plasma el espacio del artista, en el que realiza sus creaciones, que no siempre surgen de manera fácil.
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Jordi Teixidor presents in La caja negra from the 25th of March until the 30th of April, a new exhibition with the title L'atelier rouge, based on Matisses's painting of the same name. Teixidor has already used this painting and others form Matisse in previous collections as a reference for his creation.

Fuente: La caja negra

Hasta el dia 30 de Abril podemos visitar en la galería Marlborough (Orfila 5), dos exposiciones de artistas reconocidos, una de pintura, de Julio Larraz, y otra de dibujos al carboncillo de Alberto Corazón.

Julio Larraz, utiliza en sus obras una figura de mujer oronda, opulenta, que representa para el artista la nación, protectora y temible, representada siempre en grandes volúmenes, como queriendo destacar el abuso de esta nación para con sus habitantes. La caricatura, a la que recurría en obras anteriores, sigue siendo palpable en su obra, aunque ya no en la representación de los rostros si no en las situaciones.

En el espacio pequeño, la galería presenta la obra del artista gráfico Alberto Corazón. Para la exposición, papeles del bosque, utiliza papel de diferentes tamaños y materiales como carbón, grafito, barnices, óleos y acrílicos. 

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Until the 30th of April, we can visit in Marlborough gallery two exhibitions by well-known artists, paintings by Julio Larraz and charcoal drawings by Alberto corazón. Larraz uses the image of a big woman, as a symbol representing the opressive and frightening nation, and Corazón, with "Papers for the forest", uses multiple kinds of paper and materials.

Fuente: Galería Marlborough

Las exposiciones O manipulador y Gonper Museum-work in progress son dos proyectos de Fabiano Gonper unidos en esta primera muestra individual en España en la galería Blanca Soto (Alameda 18). Ambas reflejan los diferentes poderes existentes en la sociedad. Desde el 17 de Marzo hasta el 23 de Abril.

En O manipulador dibuja con sencillos trazos figuras de ejecutivos, sin rostro, en un fondo blanco queriendo mostrar así el estereotipo existente en las jerarquías. En Gonper Museum, acoge su propia obra, RSD-reconfiguración del sujeto. El proyecto Gonper museum, surgió en el año 2002 como forma de reflexión sobre la relación existente entre el autor de la obra, el arte y los museos.

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The exhibitions O manipulador and Gonper Museum-work in progress are two proyects by Fabiano Gonper, brought together in this first individual show in Spain in Blanca Soto gallery. From the 17th of March until the 23rd of April.
They both reflect the existing powers in society.

Fuente: galería Blanca Soto

Hasta el 11 de abril podéis ver en el espacio de Plaza de las Salesas 2 algunas obras de Alighiero Boetti, artista Italiano cuya obra clasificada como Arte Povera ha influenciado a muchos. Su obra está presente en algunos de los más prestigiosos museos del mundo (i.e. Reina Sofía, Tate Modern, MoMA).

En las obras de esta exposición en la galería Marta Cervera podemos ver reflejadas las palabras del artista: "Yo he trabajado mucho el concepto de orden y desorden: desordenando el orden o poniendo orden en ciertos desordenes o aún más presentando un desorden visual que fuera la representación de un orden mental."

La dualidad es una constante en sus obras (que firmaba como Alighiero e Boetti, como si fuese dos personas), y la influencia de su vida en Afganistán también es clara, así como la importancia que para él tiene Oriente Medio en el orden mundial. Hay un dato en especial que me ha llamado la atención, y es la supuesta capacidad premonitoria del artista, que unía el número 11 a imágenes de aviones y Afganistán, todo ello antes de ningún conflicto, ya que murió en el año 1994. ¿Eso ciertamente da que pensar no creéis?

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Until the 11th of April you can see in Marta Cervera gallery, in the space in Plaza de las Salesas 2, some artworks by Alighero Boetti, an Italian artist whose work, clasified as Arte Povera has influenced many. His work is nowadays present in some of the most prestigious museums (i.e Reina sofía, Tate modern, MoMA).

Duality is a constant in his work (he actually signed as Alighero e Boetti), and the influence of his life in Afghanistan is quite clear as well as the importance that for him has the Middle East in the global order.
There is a fact that catched my attention, and is the supposedly premonition-making capacity of the artist, who brought together the number 11 with images of planes and Afghanistan, and everything before any conflict, since he died in 1994. That is something to think about isn´t it?

Fuente: Galería Marta Cervera

La galería Fernando Pradilla (Claudio Coello 20) organiza siempre unas exposiciones muy interesantes, y esta vez no va a ser menos. En el espacio proyectos, que siempre dan un paso más allá, se concentran obras muy dispares y algunas un tanto extrañas de artistas latinos. Mezclan estilos y soportes, pero todos añaden algo al nombre de la exposición, "polimorfos perversos".

Figuras con cabezas de muñecos, dibujos de muñecos de colores, un payaso que da más miedo que risa, una silla con cabeza... Me da la impresión que es como si alguien hubiese entrado en el cuarto de jugar de un niño, y lo hubiera roto y vuelto a montar todo.
¿Qué os parece la exposición? ¿Sorprendente verdad?

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Fernando Pradilla gallery always organizes interesting exhibitions. This time, in projects space, they show a variety of artworks by latin artists, mixing styles and materials. It gives a weird impression, like if somebody took all the toys from a kid's room, broke them and glue them back again.
What do you think about it? Surprising, isn't it?

Fuente: Galería Fernando Pradilla

La galería Leandro Navarro (Amor de Dios 1) presenta una exposición con algunas obras de Joan Miró, del 3 de Febrero al 11 de Abril. Miró es uno de los artistas consagrados que la galería tiene en su fondo y que de vez en cuando saca a la luz.
Hemos hablado ya en un post anterior de Miró, Miró y sus cielos estrellados, pero en esta ocasión la obra que podemos ver es menos colorida y con menos detalles que los cielos. Son todas obras muy características de este artista, en las que podemos observar sus inconfundibles asteriscos a modo de estrellas.

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The Gallery Leandro Navarro presents an exhibition with artworks by Joan Miró from the 3rd of February and the 11th of April. Miró is one of the well-known artists the gallery has in its collection.
We talked about Miró before, in Miró and his skies, but this time, the works that we can see are on paper and less colourful and less detailed than the skies. All have the characteristics of Miro's paintings, like his asterisks used as stars.

Fuente: Galería Leandro Navarro

Jaume Plensa, Barcelonés nacido en 1955, es uno de los escultores de mayor relevancia nacional en España. La obra de Plensa se caracteriza por la dualidad y el juego con los opuestos así como la relación entre el hombre y el entorno. Plensa es conocido por sus esculturas de gran formato, en las que uitiliza materiales muy diversos para conseguir el efecto esperado. La literatura es una de sus fuentes de inspiración más utilizada. 

La galería Estiarte (Almagro 44) presenta del 11 de Febrero al 25 de Marzo, obra sobre papel en gran formato, donde muestra su preocupación por el ser humano, la dignidad y los derechos individuales. Para la realización de estas obras utiliza rostros humanos rodeados de textos escritos en gran tamaño con los que reclama igualdad y derechos. Las palabras suponen un reflejo de lo que sienten o sufren estas personas. Los tonos negros, las salpicaduras, los chorreos de pintura no hacen sino subrayar lo enérgico del texto. 

“Mi obra también ha tratado de conciliar los opuestos. Tal vez sea dentro de esa fricción de dualidades en donde puedo plantear las grandes preguntas de una forma más adecuada y encontrar, en su propia imposibilidad, el camino de la emoción”, dice Plensa.

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Jaume Plensa, born in Barcelona in 1955, is one of the most relevant sculptors in Spain. His work is characterized by the duality and playing with opposites as well as the relationship between human beings and their surroundings. Plensa is well-known for his big format scultures.
This time, Estiarte gallery presents from the 11th of February until the 25th of March big format works in paper. In which he paints human faces surrounded by text reclaming equality and human rights. The big words are used as a reflection of what these people are suffering.

Fuente: Nota de prensa de la galería Estiarte, CAC Málaga

Toda narración y figuración ha sido eliminado en el trabajo de esta artista suiza, Pia Fries. La procupación central en su obra es el color. El método que utiliza es la aplicación de multitud de capas, goteo, amasado o incluso doblado. El resultado es la creación de un amasijo de color y texturas que llaman la atención. Podéis ver la exposición en Distrito 4 (Conde de Aranda 4) hasta el 1 de Abril.

Un fondo de madera pintado de blanco es el soporte de todas las obras. Además de pintura, incorpora a su obra fotografías y grabados con detalles de la naturaleza y serigrafías que sobresalen de los cuadros en diferentes perspectivas.

Lo cierto es que consigue formas y colores sorprendentes. Me ha resultado una obra especialmente atractiva aunque no sé muy bien explicar por qué. ¿No os gusta a vosotros también?
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All narrative and figurative art has been eliminated in this Swiss artist's work, Pia Fries. Her only concern is color. The method to apply it is through dripping, folding, kneads... the result is the creation of a bunch of color and texture that attracts the attention. She incorporates also photography and serigraphy to her work. You can see her latest artwork in Distrito 4, until the 1st of April.

Fuente: Galería Distrito 4

La obra del artista Norteamericano Jay Heikes, expuesta hasta el 27 de Marzo en la Galería Marta Cervera (General Castaños 5), es una suerte de reconstrucción de la obra de arte, un arte que el artista no ve muriendo (los soportes de escultura y pintura), sino en rehabilitación. El artista toma imágenes, vídeos, carátulas de discos, y las altera creando nuevas relaciones entre la palabra y la imagen. Las piezas reunidas son también una metáfora sobre el intento que hacemos de reconstrucción de la historia, de darle un orden, a veces teniendo como resultado una tergiversación de la misma.

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The work of the North-american artist Jay Heikes, exhibited until the 27th of March in Marta Cervera gallery, is a sort of reconstruction of the work of art, an art that the artist doesn´t see dying but in rehab.

Fuente: Galería Marta Cervera

Philipp Frölich es un pintor alemán del que se está hablando cada vez más en los circuitos internacionales del arte. Sus paisajes misteriosos, rodeados de penumbra y vacios resultan diferentes y con un atractivo especial. Su técnica se basa en tomar situaciones acaecidas en la vida real o inspiradas en un libro o melodía, que transforma en maquetas en su estudio para luego plasmarlas en el lienzo.

En todas las obras es constante también el juego de luces, que consigue atraer la atención del espectador hacia los puntos de la pintura que desea el artista.
Podéis ver 12 de sus obras en la galería Soledad Lorenzo (Orfila 5) hasta el 31 de Marzo.

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Philipp Frölich is a german painter who is becoming well-known in international art circuits. his landscapes, mysterious, empty, surrounded by shadows turn out to be different and somehow attractive.
You can see 12 of his latest works in Soledad Lorenzo gallery until the 31st of March.

Fuente: galería Soledad Lorenzo

Mark Rothko (1903-1970) fue un grabador y pintor nacido en el Imperio ruso, hoy Letonia. Sus inicios en el arte fueron bastante tardios, debido a circunstancias ajenas a él que le hicieron emigrar a Estados Unidos junto con su familia y buscar trabajo para ayudar a su madre y hermanos. (Al provenir de familia judía, la persecución sufrida por los cosacos en aquellos tiempos les hizo emigrar).

Una vez que conoció el mundo del arte y en contra de lo que pensaba su familia, vio en este su futuro. La influencia de maestros como Avery o Max Weber y la compaía de Gottlieb son palpables en sus comienzos, pero pronto se desmarca de ese camino y destaca por su propia genialidad. Sus cuadros de formas rectangulares con bordes difuminados, tan influenciados por sus creencias religiosas atrapan al espectador y le hacen vivir una experiencia mística al contemplar su obra. Al final de su vida su obra se va volviendo cada vez más oscura, como queriendo comunicarnos su tristeza, que desemboca en el suicidio en el año 70. Rothko fue uno de los grandes maestros del expresionismo abstracto.

Es uno de los artistas que más me gustan y espero que disfruteis con este fantástico vídeo que encontré, una recopilación perfecta de obras de este genial artista desde sus comienzos.

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Mark Rothko (1903-1970) engraver and painter from Latvia. He started his career in art not very young (he moved to the States with his family, and had to start working young) Since he visited a friend in New York, he dedicated his life to art. He became one of the masters of abstract expressionism.
The influence of other artists like Max Webber or Avery is clear in his work at the begining, but he soon discovered his own path. His rectangular difuminated shapes paintings, influenced by his religious beliefs, catch the spectator making him/her live a mystic experience when contemplating the artworks. At the end of his life, the paintings grow darker, like anticipating this genius' death.

He is one of the artists I like most. Enjoy this wonderful video I found, a perfect compilation of his best pieces from the begining of his career.

Fuente: youtube, wikipedia, epdlp, Tate modern

Del 11 febrero al 20 marzo la galería Marlborough recibe de nuevo a uno de los artistas contemporáneos españoles de mayor renombre. En esta ocasión presenta obras no expuestas anteriormente en España, así como grabados de la serie Mariana. Usa diferentes texturas, colores y luz en la representación del cuerpo humano. Podemos ver obras suyas por grandes ciudades europeas, un ejemplo lo tenemos en Madrid, La dama del manzanares.

La obra de Manolo Valdés está inspirada en los grandes maestros del arte como Goya, Velázquez, Ribera, el Greco o Zurbarán, y no sólo no lo esconde sino que subraya en los títulos que su obra viene inspirada por estos artistas. Destaca siempre imágenes especialmente significativas de sus obras. Valdés formó parte del grupo crónica y es un artista constante en esta galería.

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From the 11th of February until the 20th of March Marlborough gallery receives once again the artwork of one of the most renowned contemporary artists in Spain. This time he shows artwork never seen before in here. His work is inspired by the works of the great masters: Goya, Velázquez, Ribera, el Greco or Zurbarán. He takes parts of the works that have special significance for him and modifies them.

Fuente: Galería Marlborough

"Ni pena ni miedo" es el nombre de la nueva exposición que organiza Blanca Soto (Alameda 18), de artistas chilenos contemporáneos, del 4 de Febrero al 5 de Marzo. El nombre ha sido tomado de una obra de especial importancia, realizada por Raul Zurita en el desierto de Atacama, la obra más impactante de land-art en América Latina. La frase está escrita en la tierra en letras de 250 metros de largo y puede verse desde el cielo, a muy larga distancia, de hecho si lo buscais en google seguro que lo encontrais, al sur de Antofagasta. 

En esta ocasión se han juntado una serie de artistas en la galería, que no quieren sino mostrar la vitalidad del arte chileno contemporáneo en estos momentos. La variedad de soportes utilizados por cada uno de los artistas y sus diferentes inquietudes a la hora de hacer arte, permite apreciar de forma general hacia donde va el arte chileno hoy. Una buena oportunidad para conocer un poco más sobre artistas latinos.

La exposición la conforman: Arturo Cariceo, Claudio Correa, Eugenio Dittborn, Nicolas Franco, Patrick Hamilton, Diego Opazo, Fernando Prats, Demian Schopf  y Raul Zurita.

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"Without sorrow or fear" is the name of the new exhibition organized in Blanca Soto gallery from the 4th of February until the 5th of March. The name of the exhibition was taken from the name of an land-installation, made by Raul Zurita in the Atacama desert, the most shocking piece of land-art in South America.
This exhibition is an opportunity to see different trends of contemporary art in Chile, and get to know a bit more about latin artists.

Fuente: Galería Blanca Soto

Del 11 de Febrero hasta el 20 de Marzo, la Caja negra (Fernando VI 17, 2ºI) presenta ediciones del artista norteamericano John Baldessari. Baldessari es uno de los artistas contemporáneos de más renombre en norteamérica, y se le conoce sobretodo por el hecho de abandonar la pintura y concentrarse en otros soportes combinando pintura con fotografía o textos. Sus collages son más un reflejo de sí mismo que de la cultura americana.

En esta última serie, el artista lo que hace es llamar nuestra atención sobre el hecho de que en el arte tradicional, las partes de la cara con más importancia eran ojos y boca, mientras que narices y orejas pasaban desapercibidos. En estas nuevas obras, Baldessari representa solo narices y orejas, dejando fuera lo más importante, para que veamos que se cumple que cuanto más queremos ocultar algo, más presente está.
En la última edición de ARCO, pudimos ver algunas obras de Baldessari en las galerías de Los Ángeles.

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From the 11th of February until the 20th of March, La Caja negra presents the latest work of the northamerican artist John Baldessari. Baldessari is one of the best known contemporary artists in northamerica, and he is known mainly for his collage using both photography and painting. In this his last series "noses & ears" he draws our attention to the fact that eyes and mouths were the most important parts when representing faces in traditional art, and noses and ears never had the same relevance.

Fuente: La caja negra

Del 4 de Febrero al 20 de Marzo, la galería Heinrich Ehrhardt organiza una nueva exposición de André Butzer. Butzer es un artista alemás cuya obra provoca las más diversas reacciones. Hay aquellos que admiran su uso de figuras y colores, calaveras huecas, colores llamativos estilo grafitero, y otros que rechazan su reflejo de frustraciones en las obras (el hecho de que pinte varas fálicas al lado de sus figuras es claro indicador). De cualquier manera, la obra de Butzer, a medio camino entre figuración y abstracción, no pasa desapercibida.
Qué pensáis, valdrá la pena ir a verla?

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From the 4th of February until the 20th of March, Heinrich Ehrhardt gallery organises a new exhibition of Andre Butzer. Butzer is a German artist whose work provokes the most diverse reactions. Some admire his usage of shapes and colours, and others reject it because of the clear frustations reflect (a phallic stick next to some of the figures is a clear indicator). Anyway, his paintings never go unnoticed.
What do you think? Should I go see it?

Fuente: Galería Heinrich Ehrhardt, Saatchi gallery

Primera exposición sobre Wyndham Lewis (Amherst, Nova Scotia, 1882-Londres, 1957) presentada en España, y la más completa realizada nunca, desde la antológica que le dedicara la Tate en 1956, un año antes de su muerte. A través de más de 150 obras y de sus más de 60 publicaciones, se ofrece un exhaustivo recorrido por la obra artística y literaria de este  polifacético y controvertido artista, una de las figuras clave del modernismo internacional de la primera mitad del siglo XX.

Creador en 1914 del Vorticismo, el único movimiento inglés de vanguardia, Wyndham Lewis fue pionero de la abstracción, pintor de guerra, gran retratista (de célebres escritores contemporáneos suyos, como Ezra Pound, T. S. Eliot, James Joyce, Rebecca West, entre otros-, novelista, ensayista, editor,  crítico literario y de arte; y creador de revistas de vanguardia como Blast o The Enemy. Lewis fue una suerte de “Vanguardia en un solo hombre”, “la personalidad más fascinante de nuestro tiempo”, como escribió T. S. Eliot en 1918: un artista fascinante y aún por descubrir por el gran público. La exposición ha sido organizada por la Fundación Juan March con la colaboración de Paul Edwards, comisario invitado y el principal conocedor de Wyndham Lewis en el mundo, además de la ayuda de otros especialistas en Lewis como Richard Humphreys, Alan Munton o Yolanda Morató, entre otros. Las obras proceden de numerosos museos  y galerías de Europa, Estados Unidos y Canadá, así como de coleccionistas privados.

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First Wyndham Lewis (1882-1957) exhibition presented in Spain, and the most complete ever done since the last exhibition the Tate organised in 1956, a year before his death. Through more than 150 works and more than 60 publications, the exhibit offers an exhaustive tour of the literary and artistic work of this versatile and controversial artist, one of the key figures in the international modernism of the first half of the 20th century.

Fuente: texto íntegro tomado de la web de la Fundación www.march.es

Delila's dance es la obra que podéis encontrar en estos momentos en la galería Helga de Alvear, hasta el 13 de Marzo, en Doctor Fourquet 12.
Dzama utiliza en esta exposición una paleta un tanto triste de colores, marrones y verdes oscuros, no como en obras anteriores, y sus personajes son tanto figuras humanas como animales o híbridos. El mundo de Dzama es en esta ocasión un escenario de bailarines en el que las figuras se muestran con posturas imposibles. Son a veces acciones que no se distinguen claramente, pero cuyo conjunto crea situaciones humorísticas e irónicas al tiempo.

Se ven curiosas verdad? una obra interesante

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Delila's dance is the artwork you can find now in Helga de Alvear Gallery, until the 13th of March.
Dzama uses this time a quite sad palette, made of browns and dark greens, not like in previous works, and his characters are either human figures or animals and hybrids.

Fuente: Galería Helga de Alvear

La obra de Juan Francisco Casas estará presente en la galería Fernando Pradilla (Claudio Coello 20) del 14 de Enero hasta el 20 de Febrero. La muestra recibe el nombre de "Foreignaffairs" y es un conjunto de dibujos hechos a boli bic y rotulador negro. La escasez de medios no es óbice para que el artista consiga sorprender al espectador, captando el momento a la perfección.

Sus retratos no son preparados, son instantáneas que sorprenden al retratado, que se muestra tal como es, sin tapujos, y que luego el artista traslada al papel. El momento del retrato es casi siempre después de una noche de marcha, en el que sus protagonistas, ajenos o despreocupados, dan el toque de vitalidad y desenfado que vemos en los dibujos.

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Juan Francisco Casas' work will be in Fernando Pradilla gallery from the 14th of January until the 20th of February. The shows receives the name "foreignaffairs" and is a group of drawings made with biro and black felt-tip pen. His portraits are not prepared, most of them were taken after a night-out, where the main protagonists show themselves as they truly are, without hiding.

Fuente: galería Fernando Pradilla

Guillermo Martin Bermejo hace una recopilación de fotos antiguas, tomadas de internet, que recorta y pega o cose, y coloca en escenarios inventados, para darles un nuevo significado, sin que olvidemos de donde vienen. Juega con la destrucción de la historia que ya sucedió, y la toma como base para representar su idea sobre la destrucción actual.

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Guillermo Martin Bermejo makes a compilation of old pictures, taken from the internet, and he cuts and glues or saws them and puts them in invented sceneries, to give them a new significance. Plays with the destruction that already occurred, and develops from there his idea of the present destruction.

Fuente: galería Travesía Cuatro

"One way only", la última exposición del coreano Changha Hwang en Marta Cervera (General Castaños 5) del 12 de Enero al 13 de Febrero, es una pintura muy abstracta; un conjunto de lineas rectas en forma de red que con el uso de diagonales y ángulos así como de colores fuertes consigue darle movimiento a la obra.

Hay presentes referencias tanto geométricas, en los colores planos como orgánicas, en la pintura diluida e irregular.

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"One way only" is the latest exhibition of the Korean artist Changha Hwang in Marta Cervera (until the 13th of February). The paintings are very abstract. Based on straight lines and geometrical shapes, they manage to give movement to the paintings, using diagonals and angles. There are references both organic and geometrical in them.

Fuente: Galería Marta Cervera, www.artnet.com

La galería Estiarte (calle Almagro 44)  organiza en estos momentos una exposición de tres grandes artistas Británicos. Podréis visitarla hasta el día 7 de Febrero. Los artista que colaboran en la exposicición son:

Ian Davenport, cuya obra abstracta crea a partir del deslizamiento de la pintura sobre el óleo, creando formas rectas u onduladas según como manipule la obra, Michael Craig-Martin, que presenta una obra digital que modifica obras reales, en este caso, utiliza la obra de Velázquez, las Meninas, con la que juega digitalemente.

Y finalmente, Julien Opie, que toma retratos, paisajes, y los reduce a su mínima expresión. Manipula digitalmente fotografías hasta que se convierten en simples trazos.

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Estiarte gallery, organizes these days a collective exhibition of three great British artists. You can go visit it until the 7th of February. The artists present are: Ian Davenport, with his abstract works, Michael Craig-Martin, deconstructing Velázquez, and Julien Opie, whose photographs he manipulates digitally until they are mere traces.

Fuente: Galería Estiarte

Luis Feito es un pintor Español nacido en Madrid. Feito formó parte del grupo El Paso en el año 57, junto con otros artistas de renombre como Saura, Millares, Chirino o Rivera. El grupo se dedicó a la pintura de vanguardia, el informalismo y el expresionismo abstracto. Aunque el artista comenzó con un periodo figurativo, seguido de experimentación cubista, pronto se decantó por la abstracción.

Feito utiliza en sus comienzos superficies en colores blanco, negro y ocre, y mezclas de óleo y arena. Utilizará formas geométricas a lo largo de su obra, e irá incluyendo nuevos colores para dar intensidad a su obra. El rojo será una constante en su obra. 

Pudimos ver alguna de sus obras en la colectiva conjunta de Rayuela y Juan Gris.

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Luis Feito is a Spanish painter born in Madrid. Feito took part in the group El paso, in the year 57, with other artists as well known as Saura, Millares, Chirino or Rivera. The group was dedicated to avant-garde, informalism and abstract expressionism.

Feito uses in his work surfaces white, black and ochre coloured. He used geometrical shapes along his art life, and started adding new colours (mostly red) which give intensity to the paintings.

Fuente: web del artista Luis Feito

Isabel Villar es una de las artistas Naif españolas de más renombre. Sus obras son como sacadas de sueños, en los que niñas rubias, menudas están siempre acompañadas de animales salvajes (tigres, jaguares, monos, lobos...). La figura masculina no está presente en sus obras, y son paisajes característicos españoles los que sirven de fondo para sus cuadros. 

Podéis encontrar estas obras en el fondo de galería de Juan Gris, en Villanueva 22 y la obra Niña en rio con león y guepardo, está en estos momentos dentro de la exposición colectiva conjunta en las galerías Rayuela y Juan Gris.   

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Isabel Villar is a well-known Naif artist whose work can be found in Juan Gris gallery. She always represents small blond girls accompanied by wild animals such as tigers, monkeys or wolves. A world of poetry and dreams.

Fuente: Galería Juan Gris

El poeta y pintor Albert Rafols Casamada, murió en Barcelona el pasado Diciembre. Rafols formó parte de un grupo de artistas reconocidos, inmersos en el mundo de la abstracción. Su carrera fue una mezcla de escritura y pintura, que se complementarían a la perfeccción. Dejó tras de sí escritos sobre arte, teóricos, y poemas que acompañaban a sus pinturas.

Aunque sus comienzos fueron más bien impresionistas, pronto se dejó influenciar por las nuevas técnicas abstractas. Su temática se ha basado en el mediterráneo, siendo siempre capaz de plasmar esa luz que solo existe en los alrededores de este mar. Pudimos ver una de sus obras en la exposición colectiva que organizaron conjuntamente Juan Gris y Rayuela durante estas fiestas.
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The poet and painter Albert Rafols Casamada, died in Barcelona the past December. Rafols was part of a recognized artists group, immersed in the abstraction world. His career was a mixture of writing and painting, that were always perfectly complemented. He left behind art essays, and poems which accompany the paintings.

His start was more impressionist, but he was soon influenced by the new abstract techniques. His themes are based on the mediterranean sea and its colours. We could see one of his works in the collective exhibition organised by Juan Gris and Rayuela galleries.

Fuente: Galería Juan Gris, Galería Rayuela, la jornada semanal

La galería Salvador Díaz, en Sánchez Bustillo 7, presenta en estos momentos la muy interesante obra de Kepa Garraza. Las obras que forman este proyecto, son una cronología de las actuaciones de un grupo terrorista imaginario, BIDA (brigada Internacional para la destrucción del arte), que tiene como objetivo acabar con las obras más importantes de los museos. Dentro de las obras "atacadas" están el David de Miguel Angel, las Señoritas d'Avignon de Picasso, o el secuestro de Damian Hirst. Garraza se pregunta de esta manera sobre la necesidad de destruir toda forma y estructura anterior, para crear a partir de ahí un arte nuevo y mejor.

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The gallery Salvador Díaz presents during these days a very interesting exhibition of Kepa Garraza. The paintings in this project are a chronology of the acting of an imaginary terrorist group, which objective is to destroy the most famous works of art. They attack the David by Miguel Angel, Picasso's Señoritas d'Avignon or kidnap Damian Hirst.

 

Fuente: Galería Salvador Díaz

En la galería Pepe Cobo y cia (José Marañón 7), se muestra en estos momentos la obra reciente de Gabriele di Matteo. "Quadro di famiglia", consiste en la copia del cuadro de las Meninas de Velázquez, a tamaño real, pero en 16 partes cada cuadro (costumbre que se seguía en ciertas épocas, para así vender más fácilmente los cuadros). Un total de 400 lienzos es lo que el artista ha pintado, copiando en la medida de lo posible la obra inicial.

El resultado es un conjunto de lienzos, todos del mismo tamaño, y todos diferentes, que son a la vez copia y auténtico, ya que al fin y al cabo llevan algo del propio artista.
Interesante verdad? así todos podemos tener una pequeña parte de tan reconocido cuadro en casa.

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In Pepe Cobo y cia gallery, they are showing now the most recent work of Gabriele di Matteo. "Quadro di famiglia" (family portrait), consists of a copy of Las Meninas, from Velázquez, in real size, but in 16 pieces each. a total of 400 pieces is what the artist has painted, copying, as good as he could, the first painting. The result is a group of paintings, that can be considered both copies and originals, since the artist himself is reflected in each work.

Interesting right? this way we can all have a tiny part of a famous painting at home.

Fuente: Galería Pepe cobo y cia

Damas, desnudos, curas y cópulas son los nombres con los que el propio Saura denominó a sus colecciones relacionadas con el erotismo.  Gran parte de los dibujos fueron realizados en una época en la que la censura era común y es por eso que Saura utilizó sus dibujos para caricaturizar a los curas.

Estos dibujos y obra gráfica muestran a la mujer  y su desnudo como elemento central. El conjunto constituye parte de la obra de Saura que desde el 2005 muestra la galería La Caja Negra (Fernando VI  17, 2ºI).

Saura es un artista reconocido internacionalmente, dato que podemos constatar por las obras suyas que poseen numerosos museos. Es uno de los fundadores de el Paso, junto a Millares, Feito y Canogar, un movimiento artístico que ya en el 57 huía de la abstracción formal. 

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Ladies, nudes, priests and copulations are the names Saura himself gave to his collections related to eroticism. Most of the drawings were made in a time when censorship was quite common. The collection is part of the showing that since 2005 La Caja Negra gallery organizes. 
Saura is a world-wide recognized artist, whose works are all around the world in different museums.

Fuente: Galería la caja Negra

La galería May Moré, en General Pardiñas 50, organiza una exposición que recibe el nombre de “Vaheada” pintura de agua, de Sergio Barrera, desde el 11 de diciembre hasta el 23 de enero.

Barrera consigue plasmar la relación entre las sombras y el agua en sus cuadros. La pintura al secarse sigue reflejando una cierta fluidez, las pinceladas alargadas y curvas hacen que asomen figuras cóncavas y convexas en los lienzos planos.

Barrera se ha basado en esta ocasión en la idea de que la pintura comenzó antes de que nos diéramos cuenta en los reflejos de la naturaleza en el agua, y las sombras de los árboles sobre la tierra; a partir de esta idea toma sombras y agua como referencia en su obra más actual.
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May Moré gallery shows the latest work by Sergio Barrera, called “Vaheada” (water paint) from the 11^th of December until the 23^rd of January.  Barrera manages to capture the relationship among shadows and water in his paintings.

When the paint dries, still reflects a certain fluency, long and curved strokes make concave and convex shapes appear. His work is based on the idea that painting started with the reflections of nature in the water and shadows of trees on the earth. From this idea, he takes shadows and water as a reference for his latest work.

Fuente: Galería May More

Hasta el día 31 de Diciembre en la galería Marta Cervera, en General Castaños 5, hay una exposición colectiva, con obras de artistas americanos. Son un conjunto de obras de formato pequeño, casi demasiado pequeño para el tamaño de la galería.

La temática de esta exposición podría definirse como pintura sin pintura. Una constante en la obra de Aldrich es el uso de técnicas como cortes, estiramientos y collage en sus pinturas, que acaban siendo todo menos pinturas cuando uno se acerca a ellas. La obra three figures, de Aldrich, es una de las más conocidas del artista. Los otros dos artistas, Bianca Beck y Josh brand, también utilizan en sus obras seleccionadas para esta exposición esta misma técnica, dando como resultado una exposición poco colorida y un poco vacía.
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until the 32st of December, in the gallery Marta Cervera in General Castaños 5, there is a collective exhibition, with works by american artists. it´s a group of works of small format. The tecnique used by the three artists could be painting without paint. Stretching, cutting and collaging are constants in Aldrich's work.

Fuente: Galería Marta Cervera 

Francis Bacon fue uno de los grandes pintores del siglo XX. De origen irlandés, centró su obra en la representación del ser humano angustiado por la vida. Representó la fragilidad, la muerte y la nostalgia mediante autorretratos, y una plasmación "postpicassianas" del cuerpo humano.

Es común en su obra la presencia de una sola figura, hombre o mujer, dentro de una estancia cerrada. Hay una mezcla de estilos desde el expresionismo al surrealismo. Es uno de los pintores más influyentes del siglo XX a pesar de haber dejado la pintura de lado durante muchos años, y no haber conseguido reconocimiento en mucho tiempo. El alcohol, su afición al juego y su homosexualidad asumida son fuertes condicionantes de la vida de este artista, que posteriormente traslada a su obra.
El Museo del Prado realizó una exposición sobre este artista a principios de 2009.
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Francis Bacon was one of the most important painters of the 20th Century. He concentrated his work in representing the anxiety of the human being. He represented fragility, death and nostalgia through self-portraits. He is one of the most influential painters of our time. Alcohol, gaming and an assumed homosexuality were determining factors of his life.
Prado Museum had a exhibition of this artist at the begining of 2009.

Fuente: Museo del Prado

Luis Fernández (1900-1973) fue un genial pintor asturiano cuya obra nunca llegó a alcanzar el reconocimiento que merecía. Su lentitud en el pintar y los malos marchantes con los que se relacionó, hicieron que a pesar de tener amistades de importancia que adquirieron sus cuadros y le podrían haber ayudado, su obra fuera poco reconocida durante su vida.
Picasso, Breton, Braque o Miró fueron algunos artistas con los que se relacionó y que influyeron de una u otra manera en su trabajo.

Una exposición en París en 1972, es la que muestra que en los últimos años de vida, algún reconocimiento recibió, pero al no ser exhibida en España, esto supuso un gran desencanto para el artista.hoy en día muchas instituciones españolas y grandes coleccionistas reconocidos tienen obras de este gran pintor.
Hoy podemos ver una selección de 20 obras en la galería Guillermo de Osma (Claudio Coello 4), hasta el 15 de Enero. Un conjunto de dibujos, pinturas e incluso una escultura, estarán en la muestra.

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Luis Fernández was a great Spanish painter who lived in Paris, whose recognition came after life. His slow painting method and the bad luck he had with merchants kept him from becoming well-known. His work was not much known during his life, although some of his important friends like Picasso or Breton had some of his works. Only at the very end of his life his work was getting some attention in Paris, but it never got to Spain.
Today we can see a selection of his work, a collection of drawings, paintings and a sculpture in Guillermo de Osma gallery.

Fuente: Galería Guillermo de Osma 

La galería Marlborough (sita en Orfila 5) presenta hasta el 2 de Enero, una nueva exposición de Daniel Quintero. Aunque de Quintero ya hemos visto algunas obras anteriores, con sus edificios caídos, en perspectivas extrañas, esta vez la galería nos trae otra parte de la obra de este artista. En esta ocasión son sus retratos, algunos de ellos de personas conocidas de la vida política Española. Es obra bastante reciente, realizada entre 2008 y 2009. Sobre todo destaca su atracción por el tema sefardí y personajes conocidos malagueños.

Hay un algo que transmiten estos retratos, que ya veréis si tenéis oportunidad de verlos. Quintero logra mediante la aplicación de diferentes tonalidades de fondo, según el personaje al que retrata, dar una imagen diferente y producir una sensación específica sobre esa persona.

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Marlborough gallery organises a new exhibition until the 2nd of January, by Daniel Quintero. We already know some of his works, like those falling down buildings, in strange perspectives. But in this exhibition, the gallery shows a different part of this artis's work, his portraits.

Fuente: Marlborough gallery

La exposición "Lágrimas de Eros" es una suerte de itinerario pictórico que va desde la representación de la inocencia, a la tentación, y llega hasta la muerte pasando por la pasión. Esta exposición se ha realizado de forma conjunta por el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, y se puede visitar hasta el 31 de Enero, comprando las entradas de manera anticipada en el Thyssen.

Se muestran un conjunto amplio de obras que van desde el siglo XVI hasta hoy. Hay todo tipo de estilos representados en la muestra, y alguna obra de estilo moderno o contemporáneo está también incluída. Como la fotografía de Marina Abramovic a la que ya conocemos por su exposición en La Fábrica galería.

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The exhibition "Tears of Eros" is a pictoric itinerary that represents inocence, tentation, passion and death. This is a combined exhibition, organised by thyssen Museum and Caja Madrid foundation. It can be visited until the 31st of January. (entrance ticket can be bought in Thyssen Museum in advanced).
The show is a group of paintings from the XVI century until today. Some modern art has been included in the show. Like this photograph from Marina Abramovic, who we already know from her exhibition in La Fábrica gallery.

Fuente: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid

La galería Max Estrella (Santo Tomé 6)  presenta del día 10 de Noviembre al 9 de Enero la exposición "super-posiciones" de Carlos León.

En esta nueva muestra del artista, plasma paisajes, jardines, abordando de nuevo el expresionismo abstracto. Utiliza nuevos materiales, que le permiten en algunas obras una vuelta a la geometría que nunca ha dejado de estar presente en su trayectoria pictórica. La obra de Carlos León se ha caracterizado desde sus promeras exposiciones por una pintura monocroma que en esta ocasión evoluciona a una paleta de colores más amplia en cada obra. Siguen predominando los colores de la tierra, verdes, rosas y marrones, entremezclándose. Las super-posiciones son series de 3 hasta 5 láminas transparentes, pintadas cada una con unos tonos, que el artista une creando así nuevas obras partiendo de otras anteriores.
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Max Estrella (Santo Tomé 6) gallery presents the 10th of November until the 9th of January "super-positions", from Carlos León.

In this new exhibition, the artist captures the esence of gardens and landscapes, using the abstract expressionism technique. Uses new materials that allow him going back to geometry, which has always been prersent in his work. He mainly uses earth colours in his paintings, such as greens, pinks and browns.

Fuente: Galería Max Estrella

Juan Gris es considerado como unos de los más importantes precursores del movimiento cubista, junto con Picasso y Braque, que fuero los que le iniciaron en este estilo. Gris vivió en Paría desde 1910, y toda su vida la vivió en Francia, considerándose a sí mismo más Francés que Español.

Llegó a convertirse en referente artístico alrededor de los años 20. Murió muy joven, a los 40 años, con lo que sólo nos queda imaginar las obras que habría podido dejar. Habría sido un segundo Picasso? nunca lo sabremos...

Sus obras destacan por el uso del collage y el cubismo al mismo tiempo, lo que le da originalidad dentro del movimiento. La mayor parte de ellas son obras muy coloristas con composiciones de bodegones y objetos caseros, tales como guitarras, botellas, periódicos...
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Juan Gris is considered one of the most important precursors of the Cubist movement, with Picasso and Braque, who were the ones who initiated him in this style. Gris lived in Paris since 1910, and all his life he lived in France, considering himself more French than spanish.

He became an artistic referent around the 20´s. He died very young, with 40 years old, so we can just imagine the paintings he could have done. Could he have been another Picasso? we will never know...

His paintings stand out for the usage of collage and cubism at the same time, which makes it very original in the movement. Most of them are very colourful works, with compositions of everyday life objects such as guitars, bottles, newspapers...

Fuente: fundación telefónica, spanisharts, artehistoria.

La galería La Caja negra (en la calle Fernando VI, 17 2ºI ) presenta una nueva exposición de John Beech, que podrá verse hasta el día 5 de Diciembre. La obra de John Beech es muy colorista, tanto en instalaciones como en dibujos, como podemos ver en estas fotos de anteriores trabajos. Promete ser una exposición interesante, y llamativa.

Ha realizado multitud de dibujos de contenedores en diferentes ciudades del mundo, mobiliario urbano, instalaciones, y fotografía dibujada. En esta página podéis encontrar multitud de obras de este artista.
En esta ocasión muestra una recopilación de obras que son a la vez pintura y fotografía, o pintura y escultura. Toma objetos extraños, plataformas, embalajes, y los modifica mediante la pintura, o recubriéndolos de otros materiales. Las fotografías pintadas en esta exposición se convierten en tres obras dentro de una, ya que tanto pintura como fotografía por separado podrían considerarse obras de arte.

Estoy seguro que cada uno vemos algo diferente... ¿Ves pintura? ¿o ves Fotografía?

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La caja Negra gallery organises a new John Beech exhibition, which can be seen until the 5th of December. Beech´s work is very colourful and it is sure to be an interesting exhibition. He shows in this exhibit a compilation of painted photos, which can be seen as three artworks in one, since photo and painting are artworks themselves.

I am sure we all see different things... Do you see a painting? or a photograph?

Fuente: La caja Negra nota de prensa

Me he tomado la libertad de tomar las palabras de un poeta que he encontrado en Internet, que ilustran muy bien estos cuadros:
"Para él, un simple asterisco no es otra cosa que una estrella y esos círculos violetas, nada menos que lejanas constelaciones siderales."
"For him a simple asterisk is nothing but a star and those purple circles, far away constelations."

"A la luna le enseño que podía ser azul, verde, anaranjada o de cualquier otro color."
"The moon, he showed him she could be blue, green, orange or any other colour."

"“Tenía la necesidad de escapar…” decía, y se escapaba libremente del arte de academias."
""Had the need to escape..." he said, and he escaped freely for academy art."

Fuente: soho-art.com, fundación Miró, masdearte, blog de un poeta

 

Imanol Marrodán es un artista interdisciplinar, que lo mismo realiza esculturas de gran tamaño, como son "Conversaciones entre Oteiza y Serra", o "la deriva del cielo", videos, pintura mural, instalaciones como "materia de sueño"...

En esta ocasión presenta un conjunto de obras realizadas con técnica mixta, escultoarquitectura, pintura, impresiones con tinta de carbón, fotografía e instalaciones... un poco de todo dentro de un mismo espacio. La exposición recibe el nombre de "What you see is what you get" (Lo que ves es lo que recibes), y estará expuesta desde el 29 de Octubre hasta el día 10 de diciembre en la galería Blanca Soto (Alameda 18).

Si tenéis la posibilidad de ver la exposición, me gustaría conocer vuestra opinión. ¿Veis un hilo conductor en las obras expuestas? Personalmente me da una impresión un tanto desordenada... ¿qué os parece?

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Imanol Marrodán is an interdisciplinary artist who uses very different techniques. In this occasion he uses sculpture-architecture, painting, coal ink printings, photography and instalations. A bit of everything in one space. The exhibition receives the name "What you see is what you get", and will be exhibited until the 10th of December in Blanca Soto gallery (Alameda 18).

Fuente: Galería Blanca Soto

 

Aquí tenéis unas geniales obras de este artista. Aunque no elige sus imágenes de forma aleatoria, sí que hay una cierta improvisación, y una mirada claramente irónica. Utiliza mucho la técnica del ensamblaje o collage contraponiendo el orden del arte en el desorden de la vida real. Toma imágenes de la vida real y juega con ellas desubicándolas. ¿Qué significado le encuentras? ¿qué te parece que el artista quiere decirnos?

Sus obras siempre tienen un gran colorido, y requieren toda la atención del espectador para captar esos pequeños detalles que el artista quiere que nos sorprendan. Su dinámica es sencilla a la par que compleja, toma imágenes del día a día, que descompone y recompone, haciendo de ella irónicas representaciones de la vida real. Sorprendente verdad?

Podréis ver la obra de Jorge Galindo en la galería Soledad Lorenzo en Orfila 5. Tendrán expuesto su trabajo hasta el 19 de Noviembre.

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Here you have some of Jorge Galindo´s paintings. He uses collage or assemblage techniques. Always very colourful  images, with small details that will surprise you. Does he actually manage to surprise you? what do you think the artist wants to say?

You can see this artist´s work in Soledad Lorenzo gallery (Orfila 5) , until the 19th of November.

Fuente: Soledad Lorenzo, exposiciones pasadas y actual  

Seducción, decadencia y corrupción, plasmados en gigantescos óleos con forma de figuras femeninas, en los que podemos identificar conocidas caras de la moda y el cine del momento (Kate Moss es una imagen recurrente). Bernhardt utiliza trazos gruesos y pintura sin mezclar, teniendo como resultado formas abstractas con un aire expresionista.

Estas son algunas de sus obras en exposiciones pasadas, realizadas en Canadá. En Madrid podréis ver algunas de sus obras en la galería Marta Cervera (General Castaños 5) del 15 de Octubre al 14 de Noviembre.

¿Qué os parecen? Me gustaría conocer vuestra opinión sobre esta artista, así que si tenéis la oportunidad de ir, espero vuestros comentarios...  

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Seduction, decadence and corruption. The result of the work of Katherine Bernhardt. You can see some of her works in Marta Cervera gallery in Madrid from the 15th of October until the 14th of November.

Fuente: Saatchi gallery, galería Marta Cervera

La temática religiosa gana influencia en la obra de Pelayo Ortega, y se convierte en un tema recurrente. Su nueva exposición es según el propio artista, una prolongación de una preocupación que ya existía en sus trabajos anteriores. La exposición está formada por acrílicos y óleos, de gran formato la mayoría, auque algo hay más pequeño. 

Vemos señas inconfundibles de la obra pasada de este artista en esta exposición como son el uso de formas simples y colores uniformes unidos a un uso más expresionista del color. ¿Conocíais ya a este artista? ¿Qué os parece su obra?

Podréis conocer más sobre él visitando la galería Marlborough Madrid en Orfila 5. Estará expuesto durante este mes hasta el 14 de Noviembre.

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Religious theme gains influence in Pelayo Ortega paintings, and becomes a recurring topic. We can see unmistakable signs of this artist´s work, like the usage of simple shapes and plain colours mixed with a more expresionist usage of the colour. What do you think of his work? To know more about him, go visit Marlborough gallery until the 14th of November.

Fuente: galería Marlborough exposición actual y pasadas

Luis Cruz Hernández es un pintor Vallisoletano que está exponiendo en estos momentos en la Galería Metta (Calle Villanueva 36), y cuya obra será exhibida hasta finales de octubre.

La exposición, con el nombre "A las cosas hay que mirarlas", son un conjunto de lienzos, realizados en técnica mixta, en los que se destaca aún más la capacidad de cambio y evolución de este artista. Cruz sigue un camino, en constante evolución, de constante cambio, que sin duda alguna anuncia más cambios aún.

Su obra quiere ser un reflejo honesto de la realidad, que plasma sin subterfugios, haciendo que los colores llamativos desaparezcan, y el conjunto de la obra quede con un tono apagado, como la realidad que nos rodea. Su pintura comenzó por el camino de la abstracción, añadiendo aquí y allá guiños a la figuración, hasta que en esta última serie, la figuración se ha convertido en el eje central, el protagonista, alrededor del cual se mueve lo abstracto, que para nada ha sido abandonado.

Otro detalle que destaca en su obra, es la perspectiva divergente, utilizada a la contra de lo que dictan las técnicas tradicionales del arte. Su mirada se convierte en el centro del cuadro, desde el que pinta, en perspectivas diferentes, formas y trazos. Con esto consigue que el espectador se esfuerce en mirar la obra, que un simple vistazo no sea suficiente para verla. En los cuadros aparecen personajes inesperados, que no tienen sentido de estar ahí, que rompen la superficie del lienzo, e invitan a la contemplación. La simple mirada permite ir más allá, y encontrar algo que antes no se veía, eso es lo que el artista parece querer decirnos en esta nueva serie.  

Fuente: galería Metta  

En la galería Antonio Machón (Conde de Xiquena 8), podréis ver hasta el día 20 de Octubre una fantástica colección llamada "Abstracción, informalismo y pop" compuesta por obras de algunos de los artistas españoles más conocidos del momento. Son todo artistas consagrados que han alcanzado un gran renombre en los circuitos internacionales del arte.

Nada más entrar, nos da la bienvenida una pequeña escultura de Oteiza. Podemos encontrar artistas tan conocidos como Saura, Millares, Rafael Canogar, Martín Chirino, Dario Villalba, Gordillo o Chillida. Una o dos obras de cada uno, no más. Para aquellos que no conozcáis mucho, esta es una muy buena oportunidad de ver fuera de un museo, a estos artistas tan conocidos todos juntos. 

Fuente: Galería Antonio Machón

Durante los primeros años del siglo XX, el cubismo es el movimiento que triunfa entre los más renombrados artistas. Las formas y los espacios se reinterpretan y poco a poco se va pasando a una nueva forma de expresión, las vanguardias. Durante estos años (entre 1900 y 1940), también surgirá un movimiento de protesta hacia la evolución de las artes que el cubismo supone. Y este es el Futurismo.

El Futurismo da comienzo en Italia, como contraposición, que no evolución, del cubismo Francés y Español y el expresionismo Alemán. Los manifiestos "Manifiesto de la pintura Futurista" o "Manifiesto de la escultura Futurista" marcan la diferencia respecto a los otros movimientos. Este manifiesto, escrito por Marinetti, tiene como base el movimiento, lo agresivo y la simultaneidad. Además de Marinetti, la parte central del movimiento lo conforman artistas como Boccioni, Carrá, Balla y Severini.

"El Futurismo no era una transformación de la sensibilidad y de la cultura, ni una revolución de la visión, sino la concepción y estructuración del vanguardismo, es el movimiento más organizado y con más minifiestos. Los otros movimientos de principios de siglo como los impresionistas, neo-impresionistas, cubistas, expresionistas, fauvistas... aparecen como continuadores y renovadores de la pintura, sólo los futuristas se alzan enfrentándose al pasado, realizando un arte colocado contra sus predecesores." Esto marcará una diferencia en la evolución de los diferentes movimientos artísticos posteriores.

Fuente: enciclopedia de arte Skira Carroggio, Museo del novecento comune di Milano, historiarte, arteespana.com  

 

Georg Baselitz es uno de los artistas vivos más importantes de su época, ha sido una importante figura en el desarrollo del arte en la Alemania de posguerra, y multitud de artistas han seguido su estela. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos durante su vida, y su obra ha llamado la atención por transgresora en diferentes épocas.

Sus primeras obras se caracterizaban por el uso de imágenes sexuales explícitas, luego pintó figuras monumentales, y un día en 1969, decidió darle la vuelta a un cuadro que pintaba, y desde entonces, pinta las figuras en sus cuadros del revés. Según dice el propio artista, "Para empezar, no sigo pintando así porque esté loco. Estoy bastante bien de la cabeza, y ese planteamiento es algo en lo que pienso constantemente. En segundo lugar, una idea fija puede durar mucho tiempo, toda la vida. En tercero, un artista tiene que hacer algo distinto. Aunque sea un cambio muy pequeño, alguien tiene que ser el autor de ese cambio, de ese distintivo."  

Baselitz es también conocido por sus grabados y por sus esculturas en madera. Algunas de sus obras se pueden ver hoy en Madrid, expuestas en la galería Heinrich Ehrhardt (situada en el patio interior de San Lorenzo 11). No es un espacio muy grande, pero se puede apreciar bien el estilo de la obra más reciente de este artista en obras como Braunung o Verdunkelung. Baselitz presenta en Madrid una serie pintada a principios de este año, cuya temática es el pintor frente a la obra. El artista que se enfrenta a un lienzo en blanco, en que sólo ve su propia sombra. en esta ocasión vuelve a retomar la figuración invertida, que provoca un sentimiento de desorientación en el espectador.

 

Fuente: Nota de prensa galeria Heinrich Ehrhardt, epdlp.com

Pipo Hernández es un artista canario cuya obra es ya más que reconocida en los circuitos artísticos españoles, y es según los expertos uno de los valores más reconocidos del archipiélago. El artista se centra en la idea del cuadro como dos dimensiones, jugando con formas y colores para provocar la reacción en el espectador.

En sus últimas obras, expuestas en la galería Fernando Pradilla (Claudio Coello 20), retoma el tema del cine como referencia principal. Al igual que en su colección anterior (de la que son estas fotos), toma fotogramas de películas que modifica alterando un plano, cambiando el encuadre o manipulando luz y espacio. Incluye también en sus obras elementos no pictóricos, como un neón que atraviesa el cuadro, textos en diferentes idiomas en los márgenes, desenfoques... con esto hace que la imagen cambie y adquiera un nuevo significado. El texto añadido según dice el artista: "asume una condición exactamente opuesta a la del subtítulo cinematográfico, no resuelven un problema, al contrario, actúan desafiando las expectativas de comprensión al primer vistazo."    

Fuente: Galería Manuel Ojeda, galería Fernando Pradilla

Los impresionistas y neo-impresionistas ya han roto con las tendencias anteriores del romanticismo y el realismo, y ahora, los artistas buscan dar un paso más, romper aún más con los academicismos que hacían de ellos más fotógrafos que pintores. Las primeras vanguardias se constituyen como una búsqueda de la exaltación del sentimiento, ya sea mediante cambios en las estructuras de color o de las formas.  

Hay una necesidad por encontrar un nuevo lenguaje pictórico que refleje el sentimiento del artista, y eso lo consiguen mediante el color. Los fauvistas, van más allá de los impresionistas, reflejando en sus obras los colores que ven. Una montaña azul, un tronco de árbol rojo, una nariz verde... Utilizan una gama de colores brillante, y aunque no rompen con las formas tradicionales, sí que emplean el color de forma subjetiva, alterando la composición. Para ellos la pintura es la liberación del sentimiento, mediante la plasmación de vivos colores, dan paso a la primera de las vanguardias del arte moderno.
 

El expresionismo, este movimiento es uno de los más prolíficos, y uno de los más largos. Hay muchos artistas encuadrados en esta tendencia, pero no hay un grupo definido como en otros. La pintura es para los expresionistas el reflejo de la experiencia vital. El artista mismo decide cómo plasma esa experiencia en el óleo, obviándose todo academicismo. Destacan por su uso de una gama cromática oscura, pinceladas gruesas y pinturas que pueden resultar duras o desagradables.
 

El cubismo en cambio, sí es una destrucción de las formas, se juega menos con el color y más con la perspectiva. El cubismo se enfrenta al cromatismo de sus congéneres. Mantienen el monocromatismo en sus cuadros, aunque siempre rompiendo las formas, haciando múñltiples planos de una figura, cambiando la perspectiva dentro del mismo cuadro. Plasman en los cuadros el objeto desde todos los puntos de vista, para dar a conocer el objeto en su totalidad, y no sólo una vista definida del mismo. 

Fuente: Skira Carroggio  

En el primer piso del número 12 de la calle Conde de Xiquena, se encuentra la galería Fúcares, que muestra en estos momentos una muy interesante exposición de Jonathan Hammer, un artista norteamericano muy versátil. En esta exposición podréis ver diferentes obras muy dispares de este artista. Llaman la atención la lámina gigante de un tiburón martillo o los dibujos de tentetiesos de porcelana. Unos juguetes que representan fragilidad y valentía a la vez, y que están basados en una instalación de esculturas realizada anteriormente.   

Hammer plasma en sus obras parte de la historia del arte europeo, del que recibe gran influencia, y lo mezcla con las últimas tendencias del arte actual. Las cabezas de martillo se ven como monstruos bellos, tendencia que viene del modernismo, que consiste en pintar una imagen deforme o desagradable de tal modo que resulte bonita. Y lo cierto es que consigue que esta cabeza especialmente se vea bella.  

La estancia de Hammer en España definitivamente influencia su obra en mayor o menor medida. Los biombos presentes en esta exposición, son claras referencias a Don Quijote. El uso del cuero en el arte no es algo muy común, y es por eso que destaca el uso de la marquetería en esta exposición.

Fuente: galería Fúcares

La Galería Marlborough presenta como primera exposición de temporada, del 10 de Septiembre al 10 de Octubre a los artistas Cristóbal Hara y Manuel Franquelo. La muestra de Hara es un conjunto de fotografías en blanco y negro realizadas antes de 1985, fecha en que el artista ya solo trabaja en color.

Sus fotografías captan esos pequeños detalles que retratan la vida de provincias en España en aquellos años (me pareció buenísima la fotografía de las dos señoras bailando). Algunos de los retratados que encontraréis en la galería son mendigos londinenses con los que se topó durante su estancia en la ciudad británica. El tema de los toros en las fiestas de los pueblos también le atrajo poderosamente. Su relación con la fotografía comenzó desde muy jóven, pero hasta que no conoció la obra de Cartier-Bresson, no se dedicó por entero a ello.

La obra de Franquelo, pintura y dibujo, es bien distinta. Esta es la primera exposición individual del artista en la galería, y en esta ocasión se muestran dibujos, óleos y estudios preparatorios. Todas las obras han sido cedidas de colecciones privadas para esta ocasión. Franquelo capta en sus óleos y plasma hasta el más mínimo detalle del objeto que ve, y le da una apariencia casi real. Es una obra realista en extremo, tanto que parecen fotos.

Fuente: Notas de prensa y fotos galería Marlborough

La galería Cayón es un pequeño pero interesante espacio en la calle Orfila. Durante este mes, tienen expuestas algunas obras de Vasarely muy llamativas. La obra en la entrada, esta que tenéis arriba a la izquierda es la que me ha hecho entrar a ver las demás. El artista consigue perfectamente las 3 dimensiones en una superficie plana. Es una obra fantástica. Si estáis por la zona, dedicadle 5 minutos, que este artista vale la pena.

Vasarely es considerado como el padre del op-art, el arte abstracto de aspecto geométrico, que tradicionalmente se incluye dentro de las segundas vanguardias. Consigue mezclando figuras geométricas movimiento y dimensión. Crea efectos ópticos juntando diferentes formas y colores, usando las sombras de manera magistral. Gran número de obras son esferas que sobresalen del cuadro, o cuadrados que se meten unos en otros, siempre dando la sensación de que se salen de la superficie en la que están pintados. 

Las imágenes lo dicen todo, disfrutadlas.

Fuente: Galería Cayón

Luis Gordillo es un artista español, nacido en Sevilla, que formó parte de las vanguardias españolas de la década de los 50. Tras una estancia en París, se comenzó a interesar por las vanguardias, y siguió la estética de grupos como Dau al set o Art Autre. Más tarde la figuración y el pop-art llaman su atención. En las décadas 80 y 90, Gordillo se sitúa a caballo entre las tendencias figuracionistas anteriores, y una técnica más abstracta. Gordillo es una de las figuras más importantes en la evolución hacia las vanguardias primero y la abstracción después del panorama artístico español.  

Podréis ver algunas de sus obras en la galería la caja negra. Del 17 de septiembre al 24 de octubre presenta su último trabajo gráfico, llamado "Archipiélago". Un conjunto muy colorista de 12 serigrafías. Es una obra que refleja muy bien el estilo pictórico de Gordillo, tanto su tratamiento del color como de la forma. En estas serigrafías se tocan temas que el artista ha ido incluyendo continuamente en su obra, lo que hace que estas se conformen como un vocabulario esencial de su trabajo, un compendio de básicos sobre su obra. La muestra son piezas destacadas que muestran su método de trabajo, en el que usa la seriación, alteración y reconstrucción de imágenes. A partir de mediados de mes habrá disponible un catálogo de la exposición con textos del artista, Luis Gordillo y David Barro.

Fuente: artespain, losclaveles.info, elpais.com, arteinformado 

En el Thyssen nos encontramos con una obra un tanto desconocida de Matisse. Son los trabajos realizados en el periodo de entreguerras, entre 1914 y 1940. Desde las primeras obras, Matisse buscaba un lenguaje pictórico nuevo. Busca sacar a flote una nueva sensibilidad, que en sus primeros momentos no consigue, y estos trabajos se ven condenados al fracaso.

Aquí teneis un video que he encontrado en YouTube, que tiene como nombre Matisse, de eggman 913. Me ha parecido una recopilación muy interesante de pinturas de Matisse, espero que os guste.

Después de la primera guerra mundial, su estilo que anteriormente era tan solo decorativo, muy simple, sigue otra dirección más intimista. Evita los academicismos, como la perspectiva o el claro-oscuro, y se centra en buscar una nueva manera de plasmar la profundidad espacial. Esto es lo que estructura la vida de Matisse durante estos años. El uso de la ventana es un recurso muy utilizado, como marco desde el que se ve la obra en cuestión.

La ventana se convierte en el paradigma principal de su obra. Con ella establece la relación entre lejano y próximo. Tratará el espacio exterior, tan importante para los impresionistas, de forma crítica, basándose en la técnica impresionista pero corrigiéndola. Verá el exterior como si lo mirara desde fuera, desde un teatro. En esta muestra podemos encontrar también algunos de sus desnudos, que desarrolla a la vez en pintura y escultura.

Durante los últimos 20 años de este periodo, descubrimos en el artista cierta inseguridad, que le llevará a dejar de pintar durante un tiempo. Cuando lo retoma, se ve plasmada en su obra esta sensación de fracaso. Utiliza el lenguage del dibujo para representar lo experimentado, siempre viendo el tiempo como cada vez más oscuro, la cercanía de la segunda guerra mundial le afecta, y le vemos sumergido, aislado, melancólico, y manteniendo la distancia entre el arte y la vida.

Fuente: fotos tomadas de masdearte.com, elangelcaido.org, magazine.artepick.com.

Aunque esta galería no se encuentra dentro de mis favoritas, me he topado con su fondo de galería, y me ha parecido interesante compartirlo aquí con vosotros.
El día 10 de septiembre comenzó una exposición del artista que ha estado llevando esta galería durante muchos años, y que ahora se dedica a la enseñanza, Soto Mesa. La obra que tienen suya en la galería me ha parecido curiosa, son trabajos muy geométricos, formas y colores planos cuidadosamente retorcidos. Dan una impresión de movimiento constante.

En el fondo de galería hay una mezcla de estilos, autores, colores, formas, tamaños... me ha parecido destacable la obra surrealista Szenczi-Mañas, los trabajos paisajísticos de Maurizio Lanzillota, y la pintura colorista de Roberto Mollá (con influencia japonesa).

Este último, comenzó su andadura en la pintura en Tokio en el año 94, y desde entonces ha realizado multitud de exposiciones tanto en Japón como en España. La influencia de las geishas es palpable en toda su obra, y su daltonismo, supuestamente un problema para un pintor, le ha llevado a tener que reducir su paleta de colores más por obligación que por propia elección, resultando de ahí una obra basada en tres colores, blanco, negro y otro que el artista va modificando. 

Fuente: galería tercer espacio   

En Cahiers d´Art VI en 1931 apareció un artículo que el artista escribió como respuesta a una crítica a sus tendencias en pintura. En el articulo, Mondrian, como buen precursor de las segundas vanguardias, defiende que el arte abstracto puede seguir provocando emociones, y que si este no lo hace no es por culpa de la técnica, sino que es problema del artista en cuestión. Que este nuevo arte no es sólo un compendio de líneas geométricas y colores planos, como un estudio matemático, sino que estas líneas buscan el reflejo de una realidad más compleja, no es un arte decorativo u ornamental sino que refleja un todo, las líneas y los espacios marcan un ritmo y provocan una emoción al espectador.

Los colores, que como bien destacó Kandinsky, pueden ser según se combinen frios o calientes, dan el sentido a la pintura, no es una combinación aleatoria, sino un estudio de la composición profundo y con un objetivo claro de emocionar.
Tampoco se ha llegado a un callejón sin salida, si bien es cierto que la neoplástica se ha establecido como el tope máximo de la obra cubista (según él), el cubismo como tal, la obra plástica, puede seguir infinitos caminos. La obra neoplástica puede ser perfeccionada, pero no podrá evolucionar, ya que ha llegado a su final.

Mondrian se constituyó como el mayor seguidor de las líneas rectas, verticales y horizontales como expresión artística, que él veía como única posible en la línea de la neoplástica, detalle en el que su colega pintor Van Doesburg disentía. El uso de la línea diagonal en sus composiciones, detalle no tolerado por Mondrian, hizo que la distancia aumentara y llegara a provocar el abandono del grupo de Mondrian. Sus formas romboides u octogonales encuadrando a verticales y horizontales, no daban cabida a una estética más dadaísta o Bauhausiana, sino que seguían una línea más Futurista.

Obras: Muestran la evolución del artista hasta sus obras más conocidas.
Fuente: ARTE carroggio enciclopedia

Guinovart, pintor y grabador que perteneció al grupo Dau al Set, junto con Cuixart y Tápies. Durante los primeros años de su carrera artística realiza murales, escenarios de teatro, carteles... su estancia en París le permite familiarizarse con el cubismo y artistas ya consagrados, lo que le marcará posteriormente. 

Se siente pronto atraído por el informalismo y la abstracción. a finales de los 50 comienza a utilizar también objetos en sus pinturas, y hace una especie de collage o assemblage en la pintura, casi toda de gran formato. Utiliza materiales tan dispares como madera quemada, bidones, cajas, etc. Hay una mezcla de símbolos de la naturaleza, el campo y la tierra. Hay un gusto constante por el uso de las tres dimensiones en sus obras.

En los años 80 es cuando recibe reconocimiento tanto de su patria, España, como internacional. Le fueron concedidos aún en vida varios galardones de importancia. El Museo Agramunt, localidad a la que siempre estuvo unido, guarda parte de sus obras. Podéis encontrar algunos de sus cuadros en el fondo de Galería de Antonio Machón.  

Fuente: artelista.com, galería Antonio Machón, picassomio.es, elpais.com, tallerdelprado.com

Broto es un genial pintor aragonés neo-abstracto cuya obras está ahora expuesta en la galería Soledad Lorenzo (calle Orfila 5). Impresionante este artista, aunque no me sorprende ya que todo lo que lleva Soledad, ya sabe ella muy bien qué vale la pena. Sus elecciones son siempre fantásticas, no dejéis de ir a ver esta galería.

La obra de Broto, quien perteneció al grupo Trama, se ve influenciada por el grupo francés Support(s)-Surface(s), aunque desde 1970, hay un cambio claro en su estilo. Pasa de representar formas geométricas con colores planos, a unas figuras más abstractas, que incluso mezcla con signos matemáticos o símbolos musicales. Hay también un cambio en el color, con objeto de ser más expresivo, las pinceladas son visiblemente más coloristas. Y como el mismo artista dice, puede que hayan sido los colores mediterráneos de la isla de Mallorca los que han producido esa explosión de color en sus cuadros. En sus obras hay cierta influencia también del cubismo y Cezanne, así como del expresionismo abstracto. El uso de materiales y técnicas es diverso; utiliza acrílico y alquitranes, superposiciones de pintura líquida y hasta dripping.

"Creo que la pintura todavía relata cosas, pero yo no soy un pintor literario ni figurativo. Prefiero los cuadros elípticos, ir dando huellas para que cada uno reconstruya a su manera"."Ya no hay una solución global, ni un estilo triunfador, ni una forma artística ganadora, sino una variedad ecléctica".

Fuente: galería Soledad Lorenzo , files.publico.es

"The concepsts of fuel&full" es un estudio de Gamaliel Rodríguez, un artista puertorriqueño, sobre los diferentes tipos de energía que se usan actualmente. Refleja en sus láminas desde combustibles fósiles hasta energías limpias y donde nos lleva el uso de estas energías, que no es a un planeta mejor cuidado, sino a la posesión de armas más evolucionadas... analiza así todas las posibles fuentes de energía desde muy primarias como son los cereales, hasta elaboradas como centrales nucleares.

Pinta sus dibujos con bolígrafo, lo que le da una gran semejanza a grabados, parecidos en cierto modo a planos de arquitectura. Muestra dibujos de diferentes espacios grandes que le han llamado la atención como posibles centros de almacenamiento de estas energías. "Waiting for the sunrise" es el dibujo más destacado de la exposición, no solo por su gran tamaño sino también por la significación que conlleva.

La Galería Espacio mínimo, en Doctor Fourquet 17 le dedica más de un mes (10 Septiembre-17 Octubre) a este artista y a sus dibujos en papel.  

Fuente: Galería espacio mínimo

De la relación entre la música y el arte, entre las formas y los colores, lo espiritual reflejado en el arte según Kandinsky.
La música está en el interior de las personas y así como las melodías provocan sensaciones diferentes en cada uno, los colores, a su vez, provocan una melodía. Hay una afinidad especial entre las artes; música y pintura están relacionadas. Los colores son infinitos, pero la mente les pone límites, las posibles tonalidades y combinaciones no tienen fin, así como las formas, que pueden combinarse y mezclarse.

Cada forma, con cada color, tienen una melodía interior que transmite un sentimiento al espectador; transmite una melodía, unas sensaciones. Pero estas formas, no deben combinarse con los colores de forma aleatoria, según nos dice el artista, ya que no es lo mismo el efecto que produce un círculo azul, que un triángulo amarillo. La potenciación del color es muy diferente según la forma en que este se utilice. En el caso de usar una forma inadecuada, cito: "no estamos ante una disonancia, sino ante una nueva posibilidad, es decir, una nueva armonía". Con lo que concluye que, todo es posible.

A partir de el año 1925, Kandinsky se introduce aún más en el estudio de la geometría en la pintura. abandona esos cuadros coloridos sin formas definidas, y busca la claridad y el rigor en composiciones geométricas. La cercanía de una línea vertical y una horizontal, un triángulo rozando un círculo, para él todo tiene una tensión y significación especial.

El círculo se constituye como figura geométrica predominante en esos años, como antes lo había sido el caballo. Dice: "Hoy amo el círculo como antes amaba el caballo, y quizá más, porque en el circulo encuentro mayores posibilidades interiores, [...] este reacciona a las presiones del espacio que lo rodea, reúne el fuera y el dentro, a los cuáles está agarrado como un jeroglífico".

Fuente: De lo espiritual en el arte, V.Kandinsky. SE Milán. 1989. pp47-51, ARTE carroggio (los impresionistas y los creadores de la pintura moderna)

Esta muestra sí que no os la debéis perder, es una genial exposición de uno de los artistas consagrados más importantes del momento. En la galería Álvaro Alcázar, organizan, como parte de Artemadrid, una muestra de la obra de este artista. (Del 10 de Septiembre al 30 de Octubre, en Hermosilla 58).

Rafael Canogar es uno de los artistas que formaron parte del grupo el paso, junto con Saura, Millares, Feito... y marcaron el principio de las vanguardias en España. El grupo el paso surgió gracias a la mediación de una galería que ya no existe, Fernando Fe, que en aquellos años estaba en la Puerta del Sol. Esta unión de artistas, fue con el objeto de unir intereses comunes y luchar por un arte nuevo, en crecimiento.

Canogar se consagró pronto como el mayor representante del arte abstracto, y su obra sigue llamando la atención por los colores, las formas geométricas y la superposición de colores. Los de esta exposición son óleos muy coloristas, en los que mezcla trazos, brochazos abstractos con fondos planos, monocromáticos, dando la impresión de una tercera dimensión en la pintura. La superposición de formas y la mezcla de texturas son las firmas de su obra. En estas obras hay una vuelta total a la abstracción geométrica, donde las formas son perfectamente rectas, y definidas.  

Canogar comenzó joven a dedicarse a la pintura, tuvo como maestro a Vázquez-díaz y se vió pronto inmerso en las vanguardias. Se dedicó pronto al arte abstracto, pasando por el informalismo y la figuración. Tiene obras en las que la figuración es parte importante de ella, esculturas encima de la pintura, pero este artista ha sido siempre un artista cambiante, y retorna a las formas geométricas poco a poco. Se ve en toda su obra su búsqueda de la pintura escultura, aún habiendo dejado de lado el periodo más figurativo.

Fuente: Galería alvaro alcázar, mudmedia, enlaces de wikipedia

El artista que está expuesto durante este mes, Luis Pardo, no es exactamente lo que podríamos denominar moderno, de hecho es un pintor realista, con lo que deberíamos dejarle fuera de este blog, pero, me han parecido bonitos algunos de sus cuadros con vistas de Granada, y los quiero compartir con vosotros. Para los que no conocéis España, aquí tenéis unas vistas de La alhambra y sus jardines en Granada, y una del puerto de Cadaqués (el pueblo donde vivía Dalí). Si estáis por la zona, pasad a verlo. La dirección es calle Hermosilla 38.

Fuente: Galería Zúccaro

El día 1 ha vuelto a abrir sus puertas la Galería Fúcares (calle Conde de Xiquena 12 ), una de mis favoritas, y la exposición que tienen desde el verano, hasta el 12 de Septiembre, es muy interesante para aquellos a los que os guste el dibujo y la fotografía. Al tener dos espacios en Madrid, pueden realizar exhibiciones sumamente dispares. También tienen un espacio en el pueblo de Almagro, en San Francisco 3, que para los que no lo conozcais, es una excursión preciosa de fin de semana desde Madrid, el "Corral de comedias", de principios del XVII es único en el mundo.

En su espacio 1, hay una exposición colectiva de fotografías de diferentes temáticas, que los artistas han resumido como "Fotos que ver en madrid cuando aún no estás muerto...(de calor)". Hay algunas fotos de paisajes casi desérticos muy típicos españoles que impresionan.  

En su segundo espacio, tienen una exposición de dibujos de Azucena Vieites, cuyo título es "Collage", ya que lo que hace es extraer fragmentos de la realidad para plasmarlo en el papel. Tiene una clara influencia del fanzine feminista, basado en el hazlo tú mismo, pocos recursos, y en movimientos como el dadaísmo, liberación feminista o punk.

Fuente: Galería Fúcares

Jean-Michel Basquiat es uno de mis artistas preferidos, y uno de los motivos por los que he decidido escribir este blog. Una de las primeras obras que ví de él fue "Herencia". Parece a primera vista que uno no ve nada de tanto que ve, pero si nos vamos fijando en los detalles, vemos no solo influencia de su herencia americana sino también latina y africana. Se mezclan palabras en español, inglés, símbolos egipcios con representaciones de máscaras africanas, o una barcaza por el Nilo, nombres de ciudades americanas y africanas a la vez, adjetivos, nombres, verbos...  

Basquiat, que vivió una vida de tan sólo 27 años, fue considerado un genio desde que tenía 23. Vivió en Nueva York, en Brooklyn, y comenzó a pintar y a buscarse la vida con el arte desde muy jóven. La obra de Basquiat es en sus inicios profundamente Graffitera Y la influencia de lo que le rodeaba, la diversidad cultural existente en Nueva York, está patente en todas sus pinturas. Cuadros como "Herencia" o "She installs confidence", son un reflejo claro de esta influencia latina, americana y africana.

Todo comenzó cuando se fue de casa y decidió vivir en las calles. Pintando graffitis en las paredes y vendiendo camisetas y postales se ganaba la vida, hasta que un día se comenzó a hablar de graffitis en las paredes de Nueva York, con la firma de SAMO, su firma. Desde el año 1980 se comenzó a dedicar sólo a pintar, y empezó a estudiar sobre el uso de las figuras de De Kooning o la caligrafía de Cy Twombly. Siempre manteniendo en su mente,un libro de anatomía que leyó estando convaleciente en el hospital, que marcó su estilo en gran medida. Este año 80 y el año 81 fueron determinantes en la vida de Basquiat, ya que no solo realiza exposiciones reconocidas, sino que conoce a Warhol, con el que hace gran amistad. Desde el año 82, es ya muy conocido, y comienzan sus exposiciones individuales por el mundo.

Su estilo cambia a lo largo de los años, y de pintar graffiti, signos, máscaras y símbolos, pasa a hacer una pintura más figuracionista, con representaciones de la gente que le rodea, y referencias a la sociedad americana. Hasta que al final de su trayectoria, se separa del graffiti para ser más una mezcla entre abstracción y figuración.

Si os ha gustado este artista, os recomiendo ver esta página, http://www.redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/biblioteca/expo/basq/basq.htm con más obras de Basquiat Y la del Museo de Brooklyn. 

Fuente: brooklynmuseum.org, ihmadrid.com

"Los esquizos de Madrid" es una exposición que podéis ver en estos momentos en el Reina Sofía, hasta el 14 de Septiembre. Es una muy buena exposición de obras de la colección del Reina, enmarcadas en la figuracion madrileña de los años 70. Abarca un periodo muy complejo de la historia española, como es el final del franquismo, y la transición a la democracia, momento en que muchos artistas se salieron de las rutas marcadas y comenzaron a experimentar con nuevas tendencias internacionales. Como su nombre indica eran esquizos, squizo: división, escisión.

Este grupo de artistas aquí expuestos, ya desde los principios de los 70 sentían que estaban viviendo otra época, la dictadura estaba cayendo, y ellos la veían ya como desaparecida. En los primeros años se ve una gran mezcla de tendencias, gustos artísticos, usos de referencias literarias, musicales, visuales... en los primeros años hay un poco de todo pero siempre con el objetivo común de romper con lo anterior y buscar más allá.

A partir de la primeras elecciones, los caminos de estos artistas se separaron, y ya no les unía el objetivo de años atrás. Los años 80 supusieron una expansión del ansia creativa. Fueron unos años clave en la historia del Madrid contemporáneo.
Algunos de los artistas aqui representados son: Carlos Alcolea, Chema Cobo, Carlos Franco, Herminio Molero, Guillermo Pérez-Villalta, Rafael Pérez-Mínguez, Manolo Quejido, Luis Gordillo...  

Fuente: Museo Reina Sofía, blogs

 
Cuadro 173

Impresionante, eso fue lo primero que pensé al verlo en el Museo Reina Sofía, y lo quiero compartir aquí con vosotros. Me pregunté ¿Cómo se le habrá ocurrido esto? es un manojo de tela anudado, unido por pintura... pintado encima.... colocado a modo de óleo.

Esta tendencia comenzó en el año 1955, a mediados de la vida de su autor, Manuel Millares, uno de los artistas españoles más reconocidos. Ese año fue cuando comenzó a utilizar arpillera, que es una tela áspera usada sobre todo en sacos o tapicería. El uso de este material supuso un cambio radical con lo que había estado haciendo hasta entonces, pictografías abstractas y surrealistas basadas en la vida Guanche (indígenas canarios).

Cuadro 92

El uso de la arpillera comienza siendo un extra en la obra, influenciado su uso por la visita a las momias que se conservan en el Museo Canario. Además de este material también incluía tierra, cerámica o madera, al menos en sus primeras obras desde el 50. En el año 1955, la arpillera se convierte en el óleo, el material sobre el que realizará la obra. Aplica color a la tela, e incluye roturas y desgarros, así como remiendos y cosidos.     

Reduce el uso de los colores a marrón, rojo, negro y blanco, y los materiales que usa ya no son más que la arpillera. El color negro se vuelve el protagonista absoluto en sus obras, con el que crea ese efecto dramático al juntarlo con el blanco. 

A las formas que el artista da sobre esta tela, se les da la denominación de homúnculos, pequeños hombres, ya que parecen trozos de cuerpos retorcidos y desgarrados. Con ello quiere transmitir desesperación, angustia... haciendo referencia a los guanches masacrados por los conquistadores, y a los caidos en la guerra civil española. Y con los rotos quiere reflejar las atrocidades que se cometen en el mundo. 

fotos:arteinformado, artehistoria, reina sofia, theartwolf

En el año 1988, Mecano sacó un disco, "Descanso dominical", con una canción dedicada a Dalí: "E uN genio Salvador Dalí". Es un buen montaje de fotografías del artista, del que ya no sé qué más se puede decir. Como supongo que todos ya lo conocemos, comparto con vosotros esto que he encontrado. Espero que lo disfrutéis.

No os perdáis en la página en inglés otro video de un concurso americano en el que participó Dalí, es buenísimo, os partiréis de risa.

Fuente: YouTube

Antonio López es un pintor y escultor español, nacido en 1936. Su estilo se enmarca dentro del "realismo madrileño", aunque la luz que da a sus obras hace que se desmarque de esa clasificación y se le considere único en su estilo. Refleja con gran realismo situaciones y objetos cotidianos, como si fueran fotografías, haciendo que nos fijemos en el desgaste del uso en ellos (ver la foto de "el lavabo" en la página en inglés). Es muy minuciosos en el detalle y la ejecución, y plasma en las obras el paso del tiempo, tanto es así que vuelve una y otra vez a la obras ya acabadas para modificarlas.

Destacan entre sus obra las vistas panorámicas de Madrid, sobre todo la vista desde Torres blancas, por la que se han pagado 1,74 millones de euros en la subasta realizada en Londres el pasado Noviembre. En el Reina Sofía hay algunas de sus obras expuestas en estos momentos: los novios, Madrid visto desde el cerro del Tío Pío y hombre y mujer (escultura en madera policromada). 
 

Y las cabezas de bebé colocadas en la estación de Atocha. Estas cabezas son una clara representación del paso del tiempo, tema que a López le ha preocupado profundamente a lo largo de los años, que vemos reflejado en los ojos cerrados de una cabeza, Noche, y abiertos de la otra, Día.(fotos de ambas caras en la página en inglés).  

Su estilo ha influido en gran medida a otros autores de la época. Así como él mismo estuvo influenciado por Dalí, lo cual puede apreciarse en la preferencia por el dibujo ante la pintura. Antonio López es un pintor calmado, no pinta deprisa, como él mismo dice, deja que la obra esté meditada, que cada pincelada sea pensada, recapacitada y plasmada. Y que aquellas obras que para nosotros son inacabadas, no son sino que llegó al límite de donde podía llegar.

Podéis ver más obras de Antonio López en el post en inglés y aquí. 

Fuente fotos: www.foroxerbar.com, www.elmundo.es

Jean Dubuffet

Entre las distintas tendencias del arte moderno se encuentra el Assemblage (ensamblaje). La primera vez que se utilizó esta palabra para relacionarla con el arte fue en 1950, cuando al tratar de explicar Jean Dubuffet una de sus exposiciones, en la que los cuadros estaban compuestos por alas de mariposas, la denominó como “assemblages d´empretes”.

Este arte tiene varias raíces, por un lado viene del collage de los cubistas y por otro del dadaísmo y el surrealismo. Según algunas personas, los padres del cubismo, Pablo Picasso y dadaísmo, Marcel Duchamp (llamado también padre del arte conceptual), fueron grandes innovadores en este área. Ambos trabajaron durante muchos años con “objetos encontrados” , es decir, que no los pintaban, simplemente los pegaban al cuadro.

Pero qué es Assemblage

Lo primero a tener en cuenta es que se trata de una expresión visual en tres dimensiones. Todas sus composiciones están hechas a base de objetos cotidianos encontrados por el artista. Mucha gente suele confundirlo con el collage. Aunque tuvo sus raíces bajo esa línea, la diferencia principal es que el collage es un arte bidimensional, y como dije antes, assemblage es un arte tridimensional.

Se podría decir que el valor de este tipo de arte oscila entre el significado conceptual y el visual de cada uno de sus atributos. Dejando de lado la cuestión de las bellas artes, ya que es muy fácil preguntarse ¿Qué es lo que quiere mostrar el artista?.

Por otro lado dentro el arte moderno, assemblage es muy importante porque dio paso a nuevas tendencias de arte modeno-contemporáneo como son el Pop-Art, las instalaciones, el medio ambiente y el happening.

En la actualidad uno de los artístas más destacados dentro del Assembage es el artista francés Bernard Pras. Pras organiza objetos cotidianos para formar su obra, que es una mezcla entre assemblage e instalación. Posteriormente fotografía la obra en el ángulo exacto para recrear retratos icónicos y famosas obra de arte. Para entender mejor su método de trabajo ved el video.

Antoni Tàpies es uno de los artistas españoles contemporáneos informalistas más reconocidos a nivel mundial. La influencia de la segunda guerra mundial se ve claramente en su obra, en la búsqueda de nuevas técnicas, y el interés por materia como tierra, polvo, átomos... saliéndose de los cánones académicos. Tàpies quiere con su obra tocar a las personas, y cambiarlas. Durante el periodo de convalecencia antes de dedicarse únicamente al arte, estudió a escritores como Sartre o Nietszche, poetas y pintores (Van Gogh y Picasso), que le influenciaron en gran medida su elección posterior por el existencialismo. Su estancia en París y el acercamiento a las vanguardias, le hizo intesarse por lo abstracto, y abandonar la tendencia anterior.

Tàpies representa imágenes que encuentra en su vida diaria, de diferentes formas, e incluso llega a representar objetos y situaciones desagradables, para provocar una reacción en el espectador. Su obra ha sido influenciada por política y sociedad, y se ve una voz de protesta en las obras durante la dictadura. El uso de materiales no pictóricos es según pasan los años cada vez mayor, y el uso de la tela se hace más acusado. Llega incluso a utilizar gomaespuma, aerosoles, barnices o tierra, en superficies rugosas, granuladas o lisas a la vez. Hay un gusto claro del uso de pinturas junto con materiales en formas que sobresalen. La aplicación de la pintura o los materiales no siempre es igual, hay veces que pinta, otras pega, otras utiliza directamente los dedos... no hay límites para la creación.

El interés por el Taoismo, filosofía oriental, se ve reflejado en la obra de los años 80. Esta es una filosofía que identifica al hombre con la naturaleza, son un uno sólo. También el Budismo se convierte en influencia de Tàpies, convenciéndole de la importancia de conocer el dolor, para poder sobrellevarlo. Para poder conservar su obra y dar a conocer el arte contemporáneo, se creó la Fundacio Tàpies, por iniciativa del propio artista.  

Juan Genovés, nacido en 1930, es uno de los pintores más representativos de los 60 en España. La figuración es parte imprescindible de su obra, como él dice, recurre a la persona para hacer que la misma persona entienda la obra. Siempre ha habido en él deseo de ser entendido y gustado, y rechaza el arte incomprensible y con el que uno no se puede identificar. Sus obras se ven siempre diferentes de cerca y lejos. De lejos uno ve una forma difuminada, llena de personitas diminutas, y según nos vamos acercando, se pierde la perspectiva de la persona, para quedarse con manchas de pintura.

Este cuadro, "el Abrazo", se pintó durante la transición democrática española, convirtiéndose en un símbolo de la amnistía en España y luego fue llevado a la escultura y colocado en Atocha en Madrid, como homenaje a los abogados asesinados.

En las pinturas recientes, sobre fondos urbanos sin formas, sin edificios, sin calles ni árboles, las diminutas figuras se esparcen por el dibujo, como si estuvieran solas y no supieran hacia dónde ir. Con estas obras él quiere llamar la atención sobre su compromiso social, representa a personas, que se convierten en una multitud, que son arrastradas hacia un abismo oscuro. Con esto no pretende sino mover al espectador, hacerle reaccionar ante la desubicación.     

Fuente: web del artista: Juan Genovés

Paulo Castro es un artista Colombiano nacido en 1974, que logra darle a su pintura un aporte tridimensional, mediante la utilización de diferentes materiales. Podemos ver dos de sus obras en la Galería Fernando Pradilla, durante este verano. Son dos obras muy luminosas, de líneas entrelazadas, que sobresalen del óleo pareciéndose más a lo que él llama arqueología pictórica, que a pintura tradicional. El por qué de esta técnica quizás lo veamos explicado por sus estudios de arqueología que actualmente realiza.

Utiliza materiales como telas rotas, pintadas y entrelazadas, materiales naturales y semillas, que combina con un cierto estilo de collage. Para él se ve que el uso de sólo pintura es escaso, y necesita algo sobre lo que sostenerla, y por ello crea un fondo de telas, en los que "construir" su pintura. Como él mismo señala, "No quiero caer en lo representativo como tal, me interesan las texturas, lo tridimensional y la estética de lo arqueológico".

Fuente: gbgarts, eluniversal, Galería Fernando Pradilla

Antoni Vives Fierro nació en Barcelona en 1940. Es muy conocido por sus impresiones de Barcelona, su interpretación de lo que ve, y la representación de escenas callejeras, o entornos más acaudalados. Hay en sus obras una mezcla de costumbrismo y actividad. Los diferentes viajes y estancias por Europa le han permitido renovarse, y evolucionar de una tradición impresionista en sus principios a la técnica del collage actual. 
 

Su estancia en Cuba supuso un cambio fuerte en su trayectoria, hasta entonces, había predominado el color negro, y Cuba hace que saque el color en sus composiciones. Aunque su último trabajo es sobre Nueva York, y también predomina el negro, se ve una clara influencia de la estancia en Cuba, en los toques de colores presentes en los cuadros. Podeis encontrar dos de sus obras sobre Nueva York, en la Galería Paz Feliz (en Villanueva 28)
 

En Cuba comenzó a depurar la técnica del collage, utilizando elementos del dia a dia para plasmar lo que él ve, tales como recortes de periódicos y revistas, cartones, ... y en Nueva york, esta técnica la profundiza aun más, llegando a representar personas mediante recortes, no ya pintadas, haciendo trazos desdibujados, y dejando la claridad y definición en los recortes.

Destaca de toda su obra la colección de imágenes sobre Barcelona, en las que refleja lo cotidiano, el bullicio de las calles, la gente, las esquinas de la ciudad, utilizando una técnica de figuración, realista. Como el artista dice, le resulta más sencillo expresarse mediante el collage, y además, más divertido.

Fuente: Galería Comas en Barcelona, Sala Rusiñol en Barcelona  

Antonio Yaniz es un pintor Bilbaino, al que podéis ver expuesto en la Galería Paz Feliz, en la calle Villanueva nº 28. (Tienen una muestra colectiva, que durará hasta el 18 de Septiembre, aunque cerrará hoy hasta el 1 de Septiembre.
Yaniz ha recibido varios premios de pintura en la ciudad de Bilbao, que es donde reside, aunque a menudo expone fuera de su ciudad.

La obra de yániz es un estilo bastante clásico, la vuelta a los bodegones y paisajes de pueblos. Son óleos cálidos.
Si estais por la zona, vale la pena verlo. 

 Fuente: Galería Pazfeliz

Hoy estuve en lo de Ruth Benzacar, y hablé un rato largo con Orly Benzacar. Que bien lo pasé ¡! Están exponiendo a Mondongo, un grupo de tres artistas. Obra fuerte, pero muy muy creativa, sobre todo en el uso de los materiales: Plastilinas, hilos, plástico. Pero lo mejor es que tienen el arte de combinarlo bien. Es fantástico ver la obra de lejos e ir acercándose, se pueden ver muchos cuadros en uno. Muy recomendable.

Y en el salón de abajo hay cuatro artistas muy jóvenes. Divertidos. Me gustó especialmente una obra de Leopoldo Estol, una farola que se va encendiendo y apagando. Está bien lograda. Los que estéis en Buenos Aires mi recomendación de que la veaís, está hasta el 7 de agosto así que un par de días quedan ¡!

Estuve un rato largo en el fondo de galería. Vi muy cosas buenas. Por supuesto los consagrados, Res, Liliana Porter, el Maestro Ferrari. Una joyita poco vista de Marta Minujin, un tríptico donde está ella con Andy Warhol. Y también vi algunos artistas jóvenes, sobre todo fotógrafos, que me llamaron la atención. Tengo bastante material, os iré comentando sobre cada uno de ellos porque vale la pena seguirlos.

Me contó Orly que este año ya la aceptaron en Art Bassel, es para felicitarla. Y para alegrarse que Argentina pueda tener una galería ahí representada. Felicitaciones Orly ¡!

Abraham Lacalle, es un pintor español, Almeriense, cuya obra he encontrado una y otra vez en la Galería Marlborough, que actúa como su representante. Me ha llamado la atención de este artista, su capacidad de mantener una cierta constancia en sus colecciones, pero siempre siendo capaz de darle un toque distinto, aún usando un colorido y unas formas parecidas. 

En sus obras se percibe la influencia de grandes maestros como Picasso, Duchamp o Mondrian así como referencias literarias. El artista define su estilo como una mirada irónica de la realidad y de los movimientos sociales y literarios del siglo XX. Plasma su relacion con el exterior con un acento humorístico, lúdico e irónico.

Son una mezcla sin orden de cuadros, redes, flechas, formas redondeadas, ondas.... utiliza siempre colores planos, y busca plasmar la realidad urbana que nos rodea.

Sus pinturas irradian luz, y atraen la mirada durante rato. Como él mismo dice: "Son imágenes para contemplar durante mucho tiempo. Imágenes ambiguas que el espectador tiene que construir; pero que siempre conservan una referencia a la realidad".

Fuente: Galería Marlborough, exposición actual y pasadas.  

La obra de Fernando Botero me ha llamado la atencion desde siempre. En mi ultima visita a la galería Marlborough, estaba esta obra suya expuesta, lo que me ha llevado a querer investigar un poco sobre él y compartir con vosotros alguna de sus obras. 

Sus inicios fueron más bien costumbristas, pintaba paisajes colombianos en acuarela y recibe con influencia de muralistas mejicanos y arte precolombino. Los viajes a Europa, con estancias en España y Francia, suponen un cambio importante en la obra del artista. Después de su viaje a Italia en 1955, comenzó a unir el arte mesoamericano con el europeo, dando inicio a sus obras de grandes volúmenes.
Esta bañista en la playa es un representante claro de su obra. 

Este gusto por lo monumental comenzó en Italia, después de haber estudiado la obra de artistas del renacimiento. Este periodo en Italia marca profundamente su obra, y es considerado por él mismo como el más importante de su carrera. Le llaman la atención en las obras del renacimiento la plenitud de la forma, la organización del espacio y la armonía cromática. Como él mismo dice, estudiando a estos artistas, adquirió mayor claridad sobre espacio y volumen, y fue ahí cuando se le acentuó el deseo por lo enorme, lo fuerte, lo monumental, y comenzó a plasmarlo en su obra. A pesar de las numerosas críticas que recibió, durante sus años en Estados Unidos (años 60), él siguió siempre firmemente convencido de la calidad de su trabajo.  

Hoy en día puede decir que ha realizado exposiciones por todo el mundo, y muchas de sus obras han sido donadas a importantes museos Colombianos. 

Vivió en París durante los 70, donde comenzó a plasmar las características de su obra pictórica en la escultura. Varias ciudades muestran en sus avenidas principales obras de Botero, como esta Mano, en el Paseo de Recoletos en Madrid. Botero se ha consolidado como un lazo entre dos continentes, entre los maestros europeos y las tradiciones latinoamericanas. 

Siendo la Galería Marlborough (calle Orfila, 5) una de mis preferidas no puedo menos que destacar la exposición colectiva que hubo durante el pasado Julio y que probablemente seguirá hasta mediados de Septiembre. Eso sí, cerrando en Agosto.

Más de 25 artistas, pintores y escultores, se unen para hacer de una visita a una galería una experiencia de lo más enriquecedora. Encontramos esculturas de materiales diversos como acero, aluminio y hierro forjado, y pintura al óleo sobre lienzo, acrílicos sobre tabla, serigrafía, fotografía, acuarela, témpera, una muestra de lo más variada.     

El cuadro de Genovés que tienen en estos momentos (columna II) es especialmente bueno. Para los que no lo conozcáis, Juan Genovés es uno de los pintores realistas contemporáneos que a mí más me gustan. Me encanta primero verlo de lejos, ver como esas pequeñas manchas son idénticas a personas e ir acercándome para cambiar la visual de la persona a la pintura. Genovés es uno de los grandes de España. Estuve en marzo en NY y Marlborough NY le hizo una muestra que era fantástica.

Estos son todos los artistas que podreis ver en la exposición (cuadro tomado de la página de la Galería Marlborough), que se muestra en sus dos salas.

Alfonso Albacete Juan José Aquerreta Fernando Botero Claudio Bravo Martín Chirino Rafael Cidoncha Alberto Corazón Juan Correa Alejandro Corujeira Carlos Franco Manuel Franquelo Juan Genovés Luis Gordillo

KCHO Abraham Lacalle Julio Larraz Francisco Leiro Blanca Muñoz Lucio Muñoz Juan Navarro Baldeweg Pelayo Ortega Daniel Quintero David Rodríguez Caballero Tomás Sánchez Sergio Sanz Manolo Valdés Dario Villalba

Fuente: Galería Marlborough, obras de los artistas: Abraham Lacalle, Manolo Valdés, Juan Genovés, Alfonso Albacete.

"La Menina de Cibeles", Menina en chándal rosa con la fuente de Cibeles detrás, como representación artística de la España deportista. Esta es una de las obras con las que se promociona a Madrid como sede de los juegos olímpicos en 2016. Antonio de Felipe es uno de los máximos representantes del pop-art en España.

Antonio de Felipe es un artista al que debemos conocer, se está hablando mucho de su trabajo en la actualidad, y he creído importante decir unas palabras aquí sobre él.

Es el máximo representante español del Pop-art, y realiza exposiciones tanto colectivas como individuales alrededor del mundo. Podemos encontrar obras suyas en fondos de museos importantes en España y el extranjero. De entre sus colecciones, quisiera destacar popsport, de donde proviene esta Menina en Chándal, y también han recibido un gran reconocimiento sus colecciones Vacas, Homenaje a Velázquez y Cinemaspop (con sus retratos de Marilyn es el único español en una exposición colectiva que se muestra alrededor del mundo).

Fuente: Web Antonio de Felipe, obras:La Menina de Cibeles, Marilyn Mondrian, Queen Kong.

Estos son los artistas que participan en la exposición: Maurizio Lanzillotta, Liane Katsuki, Jon Landa, Said Rajabi, Frank Jensen, Mariela Garibay, Susana García Bravo, Jesús Coyto, Emma Fernández, Roberto Alberto, Mersad Berber, Serge Mendjisky, Mª Luisa de Mendoza, Carlos Díaz y Jaume Arisa.

Fuente: Galería Mada Primavesi. Obras de los artistas Frank Jensen, Emma Fernández, Liane Katsuki y Jon Landa.

La Galería Zúccaro tiene en estos momentos una exposición de Pedro Roldán, cordobés, nacido en 1954, que seguirá hasta el día 24 de julio de 2009. Roldán tiene la capacidad de usar los colores de su paleta, de forma que parezca que los vemos todos juntos en una misma pintura. La estancia se ve iluminada por su obra.

Sus óleos se ven todos iluminados de amarillos y azules, y dan lo mismo una sensación de tranquilidad cuando son imágenes de barcos flotando en las aguas que de inquietud al plasmar el alba en pueblos y montes.

Fuente fotos: Galería Zúccaro